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Alistan homenaje a Salvador Elizondo

En el marco de su décimo aniversario luctuoso, la vanguardista y original voz de Salvador Elizondo (1932-2006) será homenajeada con una exposición en El Colegio Nacional y la publicación de ediciones conmemorativas de su más destacadas obras literarias.

La Secretaría de Cultura federal explicó que la serie de actividades conmemorativas comenzaron con la proyección del documental “Farabeuf o la crónica de un instante”, y a partir del 6 de abril estará abierta al público la muestra “Los caminos de Elizondo” en El Colegio Nacional.

La exposición hace una recuentro retrospectivo de los logros académicos del autor ganador del Premio Xavier Villaurrutia en 1965, a través de diversos documentos e imágenes de su archivo personal.

Paulina Lavista, viuda del escritor, indicó que el mismo día en el antedicho recinto se emitirá una convocatoria para que jóvenes que hayan encontrado inspiración en la obra de Elizondo participen proponiendo lecturas, puestas en escena u otras actividades artísticas.

Asimismo, el Centro Cultural Bella Época exhibe durante todo marzo 14 fotografías, 19 dibujos, tres manuscritos y objetos personales del escritor, como su máquina Olivetti.

Indicó que a las actividades también se suma la Fonoteca Nacional, que recordará la efeméride del maestro Elizondo al reproducir un audio de su voz desde su página de internet durante todo el día del 29 de marzo.

Destacó también la edición conmemorativa que hizo El Colegio de México, con el apoyo del Fondo para la Cultura y las Artes (Fonca), para celebrar los 50 años de “Farabeuf”, libro emblemático que hace referencia a un mismo instante recreado desde perspectivas distantes y elementos de la cultura china.

La edición especial, cuya portada fue diseñada por el artista plástico Vicente Rojo, incluye un texto de Paulina Lavista y un epílogo integrado de comentarios de escritores como Pablo Soler, José de la Colina y Octavio Paz, además de una conferencia dictada por el mismo Elizondo en Cholula, Puebla, que giró en torno al génesis de su obra.

De la misma forma, continuó, el Fondo de Cultura Económica editará “Diarios 1945-1985” a partir de una selección de textos íntimos y vivencias personales que Elizondo dejó inscritos en 83 diarios que abarcan de 1945 al 26 de marzo del 2006, tres días antes de su deceso.

Al respecto, el curador y editor Gerardo Villadelángel comentó que en el volumen impreso se descubre al autor mexicano como “un gran lector, un incipiente escritor y un gran filósofo que disfrutó de la vida y los viajes, pero sobre todo de la literatura”.

Salvador Elizondo, además de literato, fue fundador de revistas culturales, viajero incansable, miembro de la Academia Mexicana de la Lengua, de El Colegio Nacional y galardonado en 1990 con el Premio Nacional de Ciencias y Artes, en el área de Lengua y Literatura.

Gerardo Gandini, un pianista que revolucionó la música contemporánea

El escritor, compositor y director musical argentino Gerardo Gandini es recordado a tres años de su partida, como una referencia de la música clásica contemporánea, que plasmó su talento al piano lo mismo en el tango que en el rock.

Gerardo Gandini nació el 16 de octubre de 1936, en Buenos Aires, Argentina; su infancia la vivió en el barrio de Villa del Parque, donde su padre se desempeñaba como escribano.

Su inquietud por aprender música inició con sonidos musicales que provenían de una casa vecina, mientras él simulaba que tocaba el piano en una máquina de coser, relata el crítico musical Federico Monjeau.

Su formación musical formal comenzó con una profesora de su barrio, posteriormente, en la adolescencia, estudió bajo la tutela de Pía Sebastiani, en el Conservatorio Beethoven.

Cuentan sus biógrafos que su talento lo llevó a conocer al compositor argentino Alberto Ginastera, quien no dudo en llevarlo a la Pontificia Universidad Católica Argentina, con el objetivo de acompañar al coro y ejercer la docencia, dando algunas asignaturas de música.

El pianista también dio clases de composición musical en el Instituto Di Tella, hasta que Ginastera le consiguió dos becas para estudiar en el extranjero; una para Nueva York, con un programa de la Fundación Ford en 1964, y la otra para estudiar con Goffredo Petrassi en la Academia de Santa Cecilia de Roma, en 1967.

Las experiencias tan nutridas en la composición musical lo llevaron a crear tres óperas que remarcan su estilo: “La casa sin sosiego”, de 1992; “La ciudad ausente”, 1995, y “Liederkreis” (Una ópera sobre Schumann) del 2000 según datos del artículo “Gerardo Gandini: la música de las músicas”.

Su talento como compositor fue reconocido con el Premio Municipal de Composición en Buenos Aires, 1960, el primer lugar en el concurso internacional organizado por el Congreso para la Libertad de la Cultura en Roma, 1962, y en 1977 le fue otorgado el Premio Molière del gobierno de Francia por su música para teatro.

Gandini incursionó en el cine, compuso la música para la película “La Nube”, dirigida por Fernando Solanas, como resultado recibió “El León de Oro”, premio a la Mejor música original en el Festival de Cine de Venecia, también la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina le otorgó el premio Cóndor de Plata en 1998, por la música de este filme.

Entre sus colaboraciones musicales destacan en la década de los 80 una al lado del saxofonista Hugo Pierre, posteriormente en los 90 Astor Piazzolla llamó a Gandini para trabajar como su pianista en una gira por Japón.

También dirigió como arreglador y director un concierto con la orquesta de cámara; Camerata Bariloche y Fito Páez.

Gerardo Gandini dirigió la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires; fue director musical del Teatro Colón y director-fundador del Centro de Experimentación en Ópera y Ballet del mismo teatro informa por su parte la editorial de música Melos.

El pianista es considerado como impulsor de la práctica en música contemporánea argentina, debido a sus diversas actividades dentro de la educación, experimentación y divulgación musical en el Taller de Música Contemporánea de la Fundación San Telmo Goethe-Instituto de Buenos Aires.

Dentro de su trayectoria, Gandini escribió más de 120 obras sinfónicas, así como música de cámara, óperas, teatro musical, música para filmes, para instrumentos solistas y piano.

En su última etapa creó el disco de música “Postangos en piano”; murió a la edad de 76 años, el 22 de marzo de 2013, en Buenos Aires, Argentina.

Cannes presenta cartel de la 69 edición

La dirección del festival internacional de cine de Cannes develó hoy el cartel de la 69 edición del certamen que tendrá lugar el próximo mes de mayo.

El poster de este año del festival está inspirado en un fotograma de la película clásica francesa “Le mépris” (El desprecio) del director suizo Jean-Luc Godard, explicaron fuentes del certamen en un comunicado.

La imagen, obra de Hervé Chigioni y Gilles Frappier, muestra a un hombre que sube las escaleras de una estructura arquitectónica ubicada en la costa mediterránea.

Según fuentes del festival, la imagen recuerda a una cita de la película que dice: “el cine sustituye a nuestra mirada un mundo que se ajusta a nuestros deseos”.

La 69 edición del festival de cine de Cannes se celebrará del 11 al 22 de mayo próximos. Este año el presidente del jurado será el cineasta australiano George Miller, conocido por haber realizado la saga de “Mad max”.

Los programadores del certamen presentarán próximamente las películas seleccionadas en competencia este año.

Hoy se conmemora el día internacional de la poesía

Son muchos y muchas, algunos se conocen por encuentros literarios o porque un colega les hizo llegar un libro fruto de algún viaje al otro lado del Atlántico, y pese a su variedad y buena salud, la poesía iberoamericana aún tiene camino para conocerse a sí misma.

La poesía, cuyo día internacional se celebra hoy, “cobra significado”, a juicio de la poeta española Elena Medel, “con un solo lector que la necesite” y su reconocimiento “tiene que ser algo íntimo, en el encuentro con cada lector, no con un grupo”.

Medel, que según cuenta, no concibe “un solo día sin leer” y para quien la poesía es “fundamental”, explica que conoce “intensamente” lo que se escribe en países como Argentina, México o Colombia y, por el contrario, desconoce la poética de otros países iberoamericanos.

“Por mis lecturas, creo que existe un movimiento interesantísimo, con todas sus inmensas particularidades, de escritores que forjan ahora su propia tradición”, comenta y asegura tener “mucha curiosidad” por lo que escriben y lo que escribirán en el futuro.

De entre los autores que conoce bien, la directora de la editorial La Bella Varsovia y premio Loewe de Creación Joven 2013, recomienda la lectura del mexicano Gerardo Grande o la argentina Natalia Litvinova y subraya su “inmenso interés” en la poesía chilena de, por ejemplo, Malú Urriola o Carmen Berenguer.

Para Luis Muñoz, poeta y profesor de la Universidad de Iowa (EU), la poesía “ha aportado a Iberoamérica una conciencia y una imaginación diversas. La conciencia y la imaginación de una identidad otra, no preexistente”.

Muñoz apunta a la “tradición homosexual” como “uno de sus núcleos de fuerza”, construida “frente a la dificultad en distintos niveles, que ha sufrido todo tipo de formas de exclusión, explícitas e implícitas, a lo largo de la historia reciente”.

A su juicio, “la poesía iberoamericana más interesante de ahora mismo está siendo escrita por mujeres”: “hay un extraordinario poder de expresión, de revelación, de conflicto. Tanto en las que practican una poesía íntima como una poesía de testimonio, pero, sobre todo, en las que exploran la intersección entre ambas”.

Por su lado, el poeta colombiano Darío Jaramillo insiste en que “la importancia de las cosas cambia según la época” y que lo mismo sucede con la poesía que “nunca ha sido importante en la sociedad occidental judeo-cristo-mahometana”.

“Nunca. Sobrevive en la intimidad de unos pocos que, además, no creen en la importancia de ‘lo que es importante’. La poesía sólo es importante para alguien que acepte la utilidad de lo inútil”, analiza.

Jaramillo, uno de los poetas contemporáneos más reconocidos en castellano, cree además que este género literario no está valorado por la sociedad: “se hace la farsa de que sí, pero en términos de valores sociales la poesía es totalmente superflua hoy en día”.

El diagnóstico de Jaramillo coincide con el de Hernán Bravo Varela, poeta mexicano y jefe de comunicación de la Casa del Poeta, quien opina que la sociedad valora la poesía como “un polvoriento fetiche” pero que un día internacional sirve para “despojarla de nocivos lugares comunes”.

“Entre tanta palabrería y sinsentido cotidianos, el día que celebramos la poesía también exhibimos, según Luis Cardoza y Aragón, ‘la única prueba concreta de la existencia del hombre'”, cita el mexicano.

Y dentro de la autocrítica y el afilado análisis, coinciden en que la poesía tiene futuro. Desde el “sí” rotundo de Jaramillo a la irónica formulación de Bravo Varela que reivindica la vida futura de la poesía “precisamente porque su momento ya ha pasado”.

Puebla, sede de la Expo Tatuaje (FOTOS)

Artistas, agujas y tinta se lucieron en la Expo Tatuaje Puebla 2016, en la que talentos de diferentes partes de México plasmaron una gran variedad de diseños; la exposición se realizó este fin de semana en el Centro Expositor.

Foto: Tania Olmedo / Es Imagen

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Campeón gabacho, novela de riesgo

Además de la interesante construcción del personaje principal, el uso del lenguaje en el libro Campeón gabacho parece ser de alguien experimentado y culto, cuya historia es narrada y enlazada por una mente joven, comentó Sheng-li Chilián Herrera, directora de la Escuela de Artes Plásticas y Audiovisuales (ARPA), al presentar dicha obra escrita por la estudiante Aura Xilonen Arroyo, en la XXIX Feria Nacional del Libro de la BUAP (FENALI 2016).

En el Complejo Cultural Universitario, sede de la FENALI 2016, Chilián Herrera destacó que la novela escrita por la alumna del ARPA es un texto que logra presentar cómo las aventuras y experiencias transforman a su protagonista. Ese cambio bien desarrollado, dijo, es un ejemplo de construcción de personaje.

Con el libro Campeón gabacho, la universitaria de la BUAP ganó el premio Mauricio Achar/Literatura Radom House 2015. La alumna de la Licenciatura en Cinematografía se destacó entre 391 concursantes con su novela que empezó a escribir a la edad de 16 años y concluyó dos años más tarde. El jurado, integrado entre otros por la narradora Cristina Rivera-Garza, la calificó como “novela de riesgo”, en el género de la picaresca moderna, y entre sus cualidades literarias destacó “la experimentación en los planos del lenguaje, tanto en lo popular como en lo culto”.

Durante la presentación de la novela, Ricardo Cartas Figueroa, director de Radio BUAP, resaltó el buen humor, pese a que lo narrado es una historia “fuerte, dura, de alguien que decide abandonar su lugar de origen para hallarse en un país que le brinde más oportunidades”.

Finalmente, la autora, rodeada de profesores, familiares y amigos, enfatizó que gran parte de su obra está inspirada en experiencias familiares, sobre todo en las que le contó su abuelo, quien fue inmigrante, periodista, fotógrafo, boxeador y dramaturgo. “Cuando se enfermó, no quise que todas las anécdotas que nos había contado se perdieran. Así que las comencé a escribir y les agregué un montón de ficción”, señaló.

De acuerdo con los presentadores, Campeón gabacho “destaca por jugar con el uso del lenguaje, tanto el popular como el culto, que mezcla el español y el inglés para hablar sobre un tema tan relevante hoy en día como la migración. Xilo logra construir un personaje entrañable y consistente. Su novela será traducida al holandés, italiano, francés e inglés.

“Hacer teatro para niños debe tomarse muy en serio”

Por Rodolfo Maldonado

Un buen teatro para niños es aquel que es “tomado tan en serio como el más refinado, nada más que dirigido a un público infantil”, afirmó Nadia González Dávila, maestra de la materia en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

En entrevista, la catedrática subrayó que por lo anterior, un proyecto de este tipo “tiene que tener calidad en la actuación, calidad en la escenografía, en la luz y en la dramaturgia.

“Es decir, todos los aspectos que conforman el lenguaje teatral tienen que estar perfectamente bien cuidados para finalmente provocar una emoción y una experiencia estética”, dijo quien ha impartido durante cinco años la materia de Teatro Para Niños en la licenciatura de Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM.

Nadia González, quien tiene una Maestría en Pedagogía Sistémica por el Centro Universitario “Doctor Emilio Cárdenas”, recordó que la UNESCO establece que un niño va de cero a 17 años de edad, por lo que la primera característica para un teatro infantil de calidad es que debe ser dirigido de acuerdo al rango de edad de la audiencia.

Precisó que en la teoría se manejan cuatro rangos: preescolar, escolar (primaria), secundaria y preparatoria, aunque recientemente se ha desarrollado un quinto segmento dedicado a bebés, de cero a tres años.

Detalló que éste no es narrativo, es más bien lúdico y presenta momentos de color, forma, movimiento, sin narratividad, pero sí con temática, como la vinculación con sus padres.

La segunda característica, continuó, es que debe ser pensado para presentarse ante un ser humano en desarrollo, con capacidades, discapacidades y capacidades diferentes, es decir, un público diverso y que tiene características particulares determinadas por su nivel socioeconómico.

Un tercer tema a considerar es que un buen teatro no debe ser educativo, pues este aspecto lo hacen los padres y las escuelas, y a veces las religiones, el arte escénico lo que debe hacer es reforzar los valores pro-sociales y abordar temáticas de la época, señaló.

Al respecto, acotó que no se pueden contar todos los temas porque hay algunos que no conciernen a los infantes porque no están dentro de su ámbito vivencial, y en otros casos ciertas temáticas deben estar contadas desde la perspectiva de ellos, no la del adulto.

En ese sentido, dijo que debe ser un teatro para la familia, que debe contar con una narrativa desde la perspectiva del menor, pero que a los adultos que le acompañan también le sea interesante, pasen un buen momento y no sientan insultada su inteligencia.

Lo anterior quiere decir que debe tener contenidos para niños pero al mismo tiempo para adultos, subrayó quien es también guionista de teatro, cine y televisión, ámbito en el que ha trabajado en programas como “El espacio de Tatiana”, en Televisa, y “Bizbirije”, en Canal Once.

La especialista se refirió al tema del lenguaje y anotó que tampoco se debe insultar la inteligencia del menor y usar las palabras que se necesita, pues en todo caso el niño preguntará a sus padres el significado de las que no entienda y así desarrollará su propio vocabulario.

Hizo hincapié en que la finalidad del teatro infantil es promover una experiencia estética, es decir, el goce de los sentidos, de la belleza, expansión, imaginación, propuesta, de color, forma, ritmo y música.

Puntualizó que el buen teatro para menores es aquel que tiene una investigación detrás que logre que sea perfectamente dirigido al público al que se va a presentar.

Consideró, por consiguiente, que al teatro para niños en México le falta formación para que conozca todos los elementos que se deben tomar en cuenta al planear y presentar una obra, aunque reconoció que se está en el camino correcto.

Al hacer un poco de historia, explicó que el teatro para familias ha existido a lo largo de la historia de Occidente, como el guiñol, autos sacramentales y las pastorelas, pero el dedicado a niños inició a principios del siglo XX, con la revolución cultural tras el triunfo moscovita en Rusia, cuando se valoró su importancia didáctica.

Tal experiencia fue utilizada en México por el INBA en sus Misiones Culturales como una herramienta de difusión de temas de salud pública, de educación cívica y del pensamiento político del momento a través del teatro guiñol.

Al indicar que el primer edificio dedicado al teatro infantil fue abierto en Rusia en los años 60, precisó que por la época México contaba con un grupo de artistas de vanguardia que realizaba estos ejercicios didácticos, de forma que el INBA abrió su programa de Teatro para Niños y Jóvenes.

Comentó que ha habido y hay espectáculos muy comerciales, que incluso se pueden volver mercenarios, que buscan hacer dinero, que cualquiera puede hacer con las ideas que tiene, sin contar con una investigación ni una concepción escénica, humana o de otra índole.

Pero el verdadero teatro para niños tiene buena subvención y existen muchos festivales en el país, por lo que es muy accesible, y está muy desarrollado desde la concepción, los temas, la plástica, las teorías escénicas, aunque no se enseña casi en ninguna universidad.

Comentó que en su cátedra ha desarrollado con sus alumnos proyectos teatrales profundamente investigados y para cuya realización ha buscado la asesoría de expertos en el tema y los han presentado con una gran calidad profesional.

De esta manera, continuó, han logrado buenos resultados e incluso muchos de sus alumnos han formado su compañía o integrado a otra y recibido apoyos como becas, finalizó.

Todo listo para la Cumbre Tajín

Mañana sábado 19 de marzo inicia Cumbre Tajín en Papantla, Veracruz, el único festival mexicano que reúne sanaciones, danzas tradicionales, cine, teatro, exposiciones sobre las cosmovisiones indígenas, ceremonias, cuentacuentos, acciones ecológicas y gastronomía ancestral.
Además de la Ceremonia Ritual de Voladores —con vuelos infantiles, varoniles, femeninos y mixtos— y una oferta musical que va de Lila Downs a Margarita la Diosa de la Cumbia, pasando por Plastilina Mosh, Troker, Coiffeur y Los Cojolites, entre muchos otros, en el Parque Takilhsukut.
Como parte de los atractivos del festival, la zona arqueológica de El Tajín —ubicada a un kilómetro del Parque— extenderá su horario de visitas hasta las 19:00 horas para que los asistentes al festival disfruten del atardecer desde la llamada ciudad sagrada, mientras que en Papantla habrá danzas tradicionales e instalaciones lumínicas por la tarde y noche.
El festival ofrece una inmersión cultural sin precedente, pues habrá recorridos por las Casas-Escuela del Centro de las Artes Indígenas —incluido en la Lista Mundial de Mejores Prácticas de Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad (UNESCO, 2012)—.
En ellos, los visitantes pueden participar en talleres guiados por maestros y alumnos totonacas para elaborar piezas con barro, madera, algodón, tintes naturales, vainilla, palma, cera, bejuco, elementos reciclados, semillas y muchos otros materiales.
También podrán participar en los juegos totonacas, acercarse a la poesía indígena, conocer libros en lenguas originarias y conversar con los Abuelos Sabios que comparten su luz en el Katinyan.
En otros escenarios del Parque Takilhsukut, de manera simultánea, la música, la narración oral y los sabores se trenzan para que los visitantes sean protagonistas de experiencias excepcionales.
En tanto, en el Árbol del Zapote y en el Xanatlín suenan el son jarocho, el son huasteco, la Banda y el Coro del CAI, el mariachi tradicional, la música argentina y la de Mozambique, la trova cubana, el surf, el rock, la orquesta sinfónica, los chistes, las historias con títeres y la narración con solistas y grupos como Los Amos del Recreo, Calle Cuatro, Yucatán a Go Go, Son Temoyo Perico el Payaso Loco Merequetengue y Flor Villagra.
Además hay dos grandes áreas de talleres para que toda la familia tome parte de actividades lúdicas, ecológicas, creativas, rítmicas y reflexivas.
Una característica que distingue a Cumbre Tajín es su interés por presentar las tradiciones vivas y darles espacio y tiempo para dialogar y compartir con el público los simbolismos de su identidad.
Así, este año la Ceremonia Ritual de Voladores presenta, de 12:00 a 20:00 horas, voladores del Totonacapan, San Luis Potosí y Puebla, que este año incluyen a mujeres voladoras y vuelos mixtos, y a los alumnos de las Escuelas Comunitarias de Niños Voladores.
Por su parte, las danzas del Totonacapan y de México tendrán presencia con más de mil danzantes que se presentan de 13:30 a 18:00 horas, y por la mañana mantienen un conversatorio en torno a los orígenes, la preservación y la enseñanza de las danzas.
En diversos lugares del Parque Takilhsukut hay exposiciones sobre la cosmovisión indígena, como Colibrí migrante, de Jun Tiburcio, artista totonaca que el año pasado recibió un reconocimiento especial en el marco del Premio Ostana 2015, en la ciudad de Ostana, Italia, por su poemario bilingüe La vida del colibrí / Xlatamat jun, editado por el CAI.
Esta oferta multicultural de Cumbre Tajín tiene un rubro audiovisual con la IV Muestra Internacional El Cine en la Cumbre, que presenta producciones de origen Rarámuri, Náhuatl, Mapuche, Zapoteca, Quechua, Aymara y Totonaca, de 12:00 a 17:30 horas.
En la rama reflexiva, el festival tiene presentaciones editoriales, diálogos de especialistas y conferencias.
La cocina Totonaca está presente en Cumbre Tajín con platillos de origen histórico y sabor natural, como los bocoles, el zacahuil y demás platillos que las Mujeres de Humo preparan en el Nicho de Aromas y Sabores de 13:00 a 22:00 horas.
Durante 17 años, Cumbre Tajín se ha distinguido por hacer realidad el mayor espacio de sanación en México. En esta décima séptima edición, el Nicho de la Purificación reúne a médicos tradicionales totonacas, temazcaleros, terapeutas y lectores de oráculos para hacer que los visitantes encuentren el equilibrio emocional, físico y espiritual.
Con esta oferta cultural, lúdica y musical, Cumbre Tajín se erige como el mejor lugar para recibir la primavera.

México celebra en su día a unos 10 millones de artesanos

En el Día Internacional del Artesano, México cuenta con una población de alrededor de 10 millones de personas dedicadas a ese oficio, mayoritariamente población indígena aunque también mestiza habitante del medio rural.
De acuerdo con datos proporcionados por el Fondo Nacional para el Fomento de las Artesanías (Fonart), el 70 por ciento del total de estos trabajadores son mujeres y el resto hombres, mientras que unos 600 mil artesanos viven “debajo de la línea de bienestar”.
Precisó que esta actividad se da con mayor fuerza en la parte media y sur-sureste del país y las piezas se desarrollan sobre todo en textiles, tejido de fibras y alfarería, y las entidades donde más se da son Oaxaca, Michoacán, Estado de México, Chiapas, Puebla y Jalisco.
La institución resaltó que la mayoría de la población dedicada a esta actividad son mujeres, quienes son las que transmiten los conocimientos a las nuevas generaciones, con lo que esta tradición se preserva en el país.
En este sentido, Magdalena Leyva, de la dirección de Comunicación Social del Fonart resaltó la importancia de preservar la artesanía porque es parte del ser mexicano, de su identidad, que va más allá de comprar artículos y le hacen sentirse parte de un todo.
Anotó que contrario a lo que se pudiera pensar, el mexicano es el principal consumidor de artesanías hechas en el país.
Según la información del Fonart, los productos artesanales que más se exportan son el trabajo en laca de Olinalá, Guerrero, como cajas baúles pequeños y arcones; y joyería en plata de Guerrero, Zacatecas y el Distrito Federal.
Asimismo, árboles de la vida de Metepec, Estado de México; rebozos de algodón y seda de Tenancingo, en la misma entidad y Santa María del Río, en San Luis Potosí; y alebrijes de madera policromados de Oaxaca.
De igual forma, arte huichol de Nayarit y San Luis Potosí, como tablas ceremoniales y jícaras decoradas con chaquira; textiles en general, huipiles en particular, de Chiapas; piezas de barro negro de Oaxaca; y cerámica de Mata Ortiz, en Chihuahua.
Indicó que conforme al blog especializado “Zona turística”, las 10 artesanías más vendidas en el extranjero son cerámica de Talavera, Puebla; barro negro, Oaxaca, platería de Guerrero; y cuadros y tejidos de hilo y chaquira huichol de Nayarit y Jalisco.
También, bordados de lana, Chiapas; rebozos de Santa María, San Luis Potosí; cajas de Olinalá, Guerrero; alebrijes, Ciudad de México; cestería, Yucatán y Campeche; y hierro forjado, Jalisco.
El Fonart puntualizó que “la artesanía es una expresión multifactorial, en ella se expresan valores que forman parte de nuestro patrimonio cultural”.
Entre ellos mencionó “conocimientos ancestrales que se han heredado por generaciones, manejo adecuado y sustentable del medio ambiente, diseños e iconografías que nos identifican regionalmente y que nos pertenecen y nos han hacen únicos ante el mundo”.
Por lo demás, continuó, esta actividad ha sido “una oportunidad de empleo y desarrollo de grupos que viven en condiciones de rezago social y es un aporte significativo a la economía del país”. Por todo lo anterior es importante que reciban apoyo público.
El respaldo que deben recibir también consiste en capacitación para la mejora de sus procesos productivos como en la mejora de sus diseños, con el fin de obtener mejores logros en el mercado nacional e internacional.
Sin embargo, sí “todos requieren de la protección a sus creaciones artesanales para evitar la piratería, de normas legales que los reconozcan como sector económico para que entonces se valore la real aportación que la artesanía realiza a la economía nacional.

Foto: Es Imagen

Culmina diplomado de gestión cultural

Con la participación de 38 alumnos y una duración de seis meses culminó el primer Diplomado en Gestión de Cultural Nivel I: Herramientas para la acción, coordinado por la Secretaría de Cultura y el Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla (IMACP).

Durante 24 semanas, los asistentes profundizaron en conocimientos en cultura, políticas culturales, gestión cultural y planeación de agenda, temas abordados por los instructores Lucio Lara Plata, Michael Towmey Valdés, Ana Lucía Recamán, Miguel Ángel Herrera Oceguera y Benjamín González, miembros del claustro del sistema de profesionalización cultural de la Secretaría de Cultura.

Para finalizar, los 38 gestores culturales presentaron sus proyectos, al tiempo de recibir sus reconocimientos por parte del IMACP, bajo la Coordinación de Promoción Cultural, así como de manos Noemí Santa Brito Gómez, directora de Arte, Deporte y Cultura del Ayuntamiento de Xalapa, así como de Martín Victoriano Roldán Espinoza, regidor de la Comisión Edilicia de Cultura del Ayuntamiento de Xalapa.

En próximas fechas el Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla planea iniciar el segundo nivel de este diplomado para continuar con la formación de los 38 gestores culturales, así como ofrecer nuevamente el nivel I para todos aquellos que desean profesionalizar sus conocimientos y prácticas en torno a la gestión cultural.

Efemérides culturales para el 19 de marzo

Un 19 de marzo nacieron figuras de la Cultura como el artista plástico Alonso Cano, los químicos Walter Norman Haworth y Mario Molina, así como los escritores Irving Wallace y José Joaquín Blanco; murieron el novelista Edgar Rice Burroughs y el poeta Jaime Sabines.

1601.- Nace el escultor, pintor y arquitecto español Alonso Cano, considerado el artista más completo del Siglo de Oro del arte en el país ibérico. Muere el 3 de septiembre de 1667.

1813.- Nace el escocés David Livingstone, destacado explorador del siglo XIX que llega por primera vez a África en 1841 como misionero, donde descubre el Río Zambeze, el Lago Nágami y las Cataratas Victoria, entre otros. Muere el 1 de mayo de 1873.

1883.- Nace el químico británico Walter Norman Haworth, pionero en la elaboración de vitaminas artificiales. Obtiene el Premio Nobel de Química 1937 (compartido) por sus investigaciones sobre los carbohidratos y la vitamina C. Muere el 19 de marzo de 1950.

1900.- Viene al mundo el físico francés Jean Fréderic Joliot-Curie, quien junto con su esposa Irene recibe el Premio Nobel de Química 1935, por sus investigaciones acerca de los elementos radiactivos. Muere el 14 de agosto de 1958.

1906.- Nace el alemán Adolf Eichmann, autor del plan para exterminar a seis millones de judíos en Alemania. Tras una búsqueda de 15 años es localizado en Buenos Aires, Argentina, y trasladado a Israel. Muere ejecutado el 31 de mayo 1962.

1916.- Nace el escritor estadounidense Irving Wallace, uno de los más leídos en su país y quien destaca por sus artículos y narraciones cortas como “El hombre”, “El todopoderoso”, “La cama celestial” y “La palabra”. Muere el 29 de junio de 1990.

1928.- Nace el filósofo sueco Hans Kung, presidente de la Fundación Ética Mundial y autor principal de la Declaración del Parlamento de Religiones y la Universal de Responsabilidades Humanas.

1941.- Nace en Buenos Aires, Argentina, el concertista de piano Bruno Gelber. Ha participado como solista en orquestas sinfónicas de diversos países con actuaciones en Estados Unidos, Canadá, Francia, Suiza, Portugal, Japón, China e Israel.

1943.- Viene al mundo el químico mexicano Mario Molina Henríquez, Premio Nobel de Química 1995 por su trabajo sobre Química Atmosférica. Alcanza el grado de “Institute Professor”, título más prestigioso del Instituto Tecnológico de Massachusetts.

1950.- Muere el novelista estadounidense Edgar Rice Burroughs, creador de “Tarzán”, personaje que da vida a más de una veintena de aventuras literarias. Publica también novelas de ciencia ficción y policíacas. Nace el 1 de septiembre de 1875.

1951.- Nace el narrador mexicano José Joaquín Blanco, entre cuyas obras destacan “Calles como incendios”, “Función de medianoche” y “La vida es larga y además no importa”.

1958.- En la capital inglesa es inaugurado el Planetario de Londres, uno de los más grandes del mundo y que en 1929 había sido bombardeado por los alemanes.

1968.- Muere el neurólogo australiano Karl Dussik, llamado el “padre de la diagnosis ultrasónica”. En 1942 publica la primera investigación de la transmisión del ultrasonido del cerebro. Nace el 9 de enero de 1908.

1994.- Fallece el poeta, novelista e historiador nicaragüense José Coronel Urtecho, catalizador del movimiento vanguardista de su país. Nace en 1906.

1997.- Muere el pintor y escultor holandés-estadounidense Willem de Kooning, máximo exponente del expresionismo abstracto. Entre sus obras destacan “El vidriero”, “Isla de fuego” y “Clam Diggers”. Nace el 24 de abril de 1904.

1999.- Fallece el poeta mexicano Jaime Sabines, uno de los autores hispanoamericanos más populares de las últimas décadas. Autor de “Tarumba”, “Algo sobre la muerte del mayor Sabines” y “Horal”, libro que contiene el poema “Los Amorosos”, una de las obras más conocidas de la poesía mexicana. Nace el 25 de marzo de 1926.

2002.- Un grupo de científicos de la Sociedad de Geografía Nacional hallan en Lima, el mayor yacimiento inca, última ciudad conquistada por los españoles.

2006.- Muere el barítono italiano Anselmo Colzani, socio honorario y fundador de la Asociación Operística Franco Corelli y una de las voces más potentes y versátiles de su género. Nace el 28 de marzo de 1918.

2008.- Fallece el escritor británico Arthur C. Clarke, autor de obras de divulgación científica y de ciencia ficción como “El centinela” y “Cita con rama”. También es coautor del libro “2001, Odisea del espacio”, el cual es llevado a la cinematografía. Nace el 16 de diciembre de 1917.

2011.- Muere el cantor y compositor Argentino Luna. Como representante de la música folclórica argentina recibe múltiples reconocimientos, entre ellos, la Palma de Plata, el Limón de Oro, el Gardel de Oro y el Charrúa de Oro. Nace el 21 de junio de 1941.

2015.- Muere el antropólogo guatemalteco Otto Schumann Gálvez, estudia lingüística en la Escuela Nacional de Antropología e Historia y es reconocido por sus investigaciones sobre la Lengua Xinca de Guazacapán, Guatemala, la Morfología verbal del chortí y sus investigaciones multidisciplinarias sobre Mesoamérica. Nace el en 1934 en Guatemala.

2015.- Muere el músico, pianista y compositor estadounidense Michael Brown Lookofsky, representante del pop barroco con su grupo Left Banke. Entre sus éxitos destacan “Walk Away Renee” y “Pretty Ballerina”. Nace el 25 de abril en Nueva York.

Rendirán homenaje a Borges y García Lorca en Puebla

Para conmemorar el Día Mundial de la Poesía (21 de marzo), declarado en 2001 por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO), el Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla (IMACP) ofrecerá una serie de actividades este sábado en el zócalo de esta ciudad.
En conferencia de prensa, el subdirector de Desarrollo Artístico y Cultural del IMACP, Rafael Navarro Guerrero, indicó que la celebración tiene como propósito promover este género literario.
“En este marco, se rendirá homenaje a poetas como Jorge Luis Borges y Federico García Lorca. El zócalo de la ciudad se convertirá en el recinto ideal para escuchar e interactuar con la poesía”, expresó el funcionario.
En su oportunidad, Miguel Ángel Quintero, coordinador de Logística y Eventos Especiales del IMACP, destacó que cada una de las actividades tendrá acceso libre para el público, incentivando además a los poetas poblanos a compartir sus obras en el encuentro.
Las actividades iniciarán a las 11:00 horas con la lectura de poesía infantil, para luego dar paso a talleres de escritura experimental, como el “cadáver exquisito”.
A partir de las 13:00 horas el zócalo se convertirá en una resonancia poética, ya que a través de sonido ambiental se escucharán textos de diversos poetas; posteriormente iniciará el “Open Mic”, un espacio en el que los escritores poblanos podrán recitar sus obras.
En el Poetry Slam podrán interactuar los poetas con el público, y para finalizar, a las 20:00 horas, se proyectará la película “El árbol de la vida”, dirigida por Terrence Malick y protagonizada por Brad Pitt.
Bajo este contexto se rendirá homenaje al escritor argentino Jorge Luis Borges a 30 años de su fallecimiento (1899-1986); al poeta francés André Bretón por los 50 años de su muerte, y a Federico García Lorca (1898-1936), a ocho décadas de su deceso.
Asimismo, se recordará a Alejandra Pizarnik y Blas de Otero por los 80 (1936-1972) y 100 años (1916-1979) de su natalicio, respectivamente.
El Día Mundial de la Poesía en Puebla está dirigido a las familias poblanas con el fin de recordar a los grandes poetas en el mundo, fomentar la tradición oral de los recitales poéticos y compartir el valor de la poesía.

Expone museo parisino universo y evolución de Barbie

La evolución paralela a su época de Barbie durante los últimos 60 años y todo el universo, moda y rarezas de la muñeca más famosa de todos los tiempos, se expone con éxito desde este mes en el Museo de Artes Decorativas de París.
El museo, ubicado a un costado del Palacio del Louvre, muestra con ese fin más de 700 “barbies” de todos los tiempos. Desde la primera, creada en 1959 e inspirada en la muñeca alemana “Lilli”, al modelo más reciente, con un físico más convencional y más alejado de los cánones de las modelos.
La muestra, de mil 500 metros cuadrados, exhibe toda la historia de la muñeca y sus entresijos, y toda la evolución de la misma a lo largo de más de 50 años en los que Barbie se ajustó a la moda y a la historia del mundo occidental, especialmente el de su país de origen: Estados Unidos.
“Más allá de ser un juguete, Barbie es el reflejo de una cultura y de su evolución. Se la asoció al principio al modo de vida americano, pero terminó encarnando una dimensión más universal, reflejando los cambios sociales, políticos y culturales” del mundo, explicaron los organizadores de la muestra.
La evolución de la muñeca a las distintas épocas se percibe en sus distintos vestidos y peinados a lo largo del tiempo, al cambio de su físico y a las personalidades, identidades, profesiones y oficios que Barbie adopta en cada década.
Desde la rubia inicial, la muñeca se vuelve morena, negra o pasa a tener profesiones que van desde astronauta o dentista, azafata o cirujana, pasando por una Barbie candidata a la Presidencia de Estados Unidos.
La muestra, que no es inédita pero es la primera que se exhibe en un gran museo, exhibe 150 barbies con distintos uniformes o vestidos para mostrar esa evolución de la muñeca a los tiempos.
El mundo moda está muy presente no sólo con barbies vestidas según cada década, sino también con la muñeca portando vestidos de grandes diseñadores como Moschino, Oscar de la Renta, Dolce y Gabbana, Dior o Karl Lagerfeld, entre otros.
Barbie aparece también como pareja de numerosos personajes históricos, desde Elvis Presley, al príncipe Guillermo de Inglaterra, o como acompañante de Andy Warhol, el artista neoyorkino del que se exhibe un retrato que realizó de Barbie, o como personaje de la serie “Mad men”.
Uno de los lugares en los que más se paran los visitantes es un muro en el que los museógrafos han colocado a los familiares, amigos, novios, animales de compañía, de la popular muñeca y en los que se ven personajes desconocidos de su universo como un bebé, una mujer embarazada o una Barbie en silla de ruedas.
En el lugar se puede ver también la evolución del novio de Barbie, Ken, que apareció en 1961 y que de un look clásico pasa a vestir como un surfero y cambia de nombre en los años 90.
Una parte de la muestra también recrea el amor de Barbie por su pareja, “verdadero más allá de que ambos sean de plástico”, señala un cartel.
Entre las piezas raras destaca un futbolín en el que los jugadores de los equipos son muñecas barbies, y se muestra en la segunda planta de la exposición que alberga este museo parisino, conocido por sus colecciones de diseño, moda, juguetes y publicidad principalmente.
Ningún detalle prácticamente sobre el universo de la muñeca falta en la exposición, la cual fue creada con piezas muy poco vistas guardadas durante años por la firma estadunidense Mattel, que fabrica a la muñeca, y entre los que no faltan documentos, videos, fotos y periódicos, entre otros objetos.
Paralelamente se proyectan comerciales de la muñeca e incluso han sido recreadas las maquetas que se construyeron para filmar algunos de estos.
La exposición está pensada para niños, que tienen incluso un lugar para jugar y pueden vestir a la muñeca entre otras actividades, pero también para adultos.
En los primeros días de apertura numerosas mujeres han visitado la muestra de la que se ha editado un catálogo y que cuenta con una tienda de venta de productos.

Explora Lavista impacto de ‘Farabeuf’

El archivo de Salvador Elizondo es un mar de escrituras en el que la fotógrafa Paulina Lavista se sumergió para realizar el documental Farabeuf o la crónica de un instante, estrenado anoche en el Centro Cultural Bella Época.
La obra explora la génesis y la influencia de la novela de Elizondo. Desfilan en la pantalla autores como Adolfo Castañón, José de la Colina, Fabienne Bradu, Pablo Soler Frost, Jorge F. Hernández y Alejandro Toledo, quienes relatan el impacto que supuso su lectura.
Novela enigmática, de una escritura precisa, que aborda temas como la perversión y la belleza, surgió de la impresión que causó a Elizondo una fotografía del asesino Fu Chu Li, cuando es ejecutado con el suplicio del Leng T’Ché, donde el reo es descuartizado. Esta imagen es una constante referencia en el documental, que recorre también la vida del escritor.
En el documental de 30 minutos, la voz de Elizondo cuenta que la pregunta recurrente sobre Farabeuf era qué había querido decir con su escritura. “Lo que está en el libro”, contestaba.
Publicada en noviembre de 1965, la novela fue concluida, según el registro del manuscrito, el 4 de septiembre de 1964. Elizondo regaló el original a su primera esposa, Michèlle Alban, que lo prestó para el proyecto fílmico.
Lavista, viuda del escritor, contó que es posible que el documental sea comprado por el Canal 22 para su transmisión y adelantó que en El Colegio Nacional, institución de la que Elizondo fue miembro, se inaugurará una exposición centrada en sus logros académicos.
Confió también en que el archivo de Elizondo, que contiene inéditos como novelas inconclusas, quede a buen resguardo en México junto con su biblioteca.
Lavista señaló su intención de publicar los cuatro diarios de muerte de Elizondo, quien escribió sus vivencias hasta el 26 de marzo, tres días antes de su fallecimiento, por una insuficiencia hepática, en 2006.

Fuente: Reforma

Altar de Dolores en Puebla destaca por su creatividad y simbolismo

Como ya es tradición, durante Semana Santa la Casa de Cultura en Puebla exhibirá el Altar de Dolores, en el que trabajadores del recinto dan cuenta de su creatividad, armonía comunitaria e identidad.

“El Altar de Dolores es una actividad muy arraigada en Puebla que se quedó para siempre”, explicó Margarita Melo, directora de la Casa de Cultura, recinto donde se exhibirá el tabernáculo del 18 al 27 de marzo, con excepción del viernes 25, acompañado de diversas actividades culturales en torno al tema de la Semana Santa.

En declaraciones difundidas por la Secretaría de Cultura federal, la funcionaria explicó que los responsables en instalar el altar son los trabajadores del recinto que aportan creatividad al hacer el montaje.

Este año, el altar se caracterizará por sus simbolismos y por utilizar elementos que representan los siete dolores que padeció la Virgen María por Cristo.

Las características y los significados que tendrá el altar son: el color morado, dedicado a la pena y el luto; botellas redondas con agua de colores que simbolizan las lágrimas de la virgen; el trigo representa la eucaristía.

Las palmas significan la gloria de Dios y su hijo; las coronas, la glorificación de la virgen; unas naranjas amargas caracterizan el sufrimiento de la virgen y, por último, el trigo germinado representa la fertilidad.

Margarita Melo destacó que para representar las lágrimas de la virgen se seleccionaron artesanías de vidrio soplado y prensado, creados por una fábrica que se dedica a realizar este tipo de arte desde 1935.

Recordó que la tradición de montar el altar en la Casa de Cultura de Puebla se remonta a 1976, “primero fue discreto, bonito y tradicional, incorporando todos los elementos representativos; ahora es mucho más vistoso y grande, pero siempre retomando lo que se hacía en la casa de todos los poblanos”.

Foto: Es Imagen

Efemérides culturales para el 18 de marzo

Un 18 de marzo nacieron personajes de la Cultura como el compositor Nikolai Rimski-Kórsakov y los escritores Gabriel Celaya y Sergio Pitol; murieron el psicoanalista Erich Fromm, la poetisa Meira Delmar, el hispanista Allen W. Phillips y el estudioso del jazz Samuel Charters.

1768.- Muere el escritor británico Laurence Sterne, autor de “La vida y opiniones del caballero Tristram Shandy”, una de las obras maestras de la narrativa inglesa del siglo XVIII. Nace el 24 de noviembre de 1713.

1844.- Nace el compositor ruso Nikolai Rimski-Kórsakov, considerado el fundador de la escuela rusa de composición. Muere el 21 de junio de 1908.

1858.- Ve la primera luz el ingeniero alemán Rudolf Diesel, creador de un motor más eficiente que la máquina de vapor, que funciona con petróleo. Desaparece durante un viaje en barco el 29 de septiembre de 1913.

1911.- Llega a este mundo el escritor español Gabriel Celaya, cuya obra lo ubica como uno de los poetas fundamentales de la literatura española del siglo XX. Muere el 18 de abril de 1991.

1932.- Ocurre el nacimiento del novelista estadounidense John Updike, cuya obra retrata la vida cotidiana de los barrios de su país y cuyos títulos hacen referencia a animales, como “La gallina carpintera” y “El conejo corredor”. Muere el 27 de enero de 2009.

1933.- Nace el escritor y diplomático mexicano Sergio Pitol, reconocido tanto por su creación literaria como por la difusión que le ha dado a la cultura de su país. En diciembre de 2005 se le otorga el prestigiado Premio Cervantes.

1938.- El presidente mexicano Lázaro Cárdenas decreta la nacionalización de la industria petrolera, ante la reticencia de las empresas extranjeras de aceptar las demandas laborales de los trabajadores mexicanos.

1980.- Muere el psicoanalista y filósofo social alemán Erich Fromm, uno de los máximos exponentes del psicoanálisis del siglo XX. Nace el 23 de marzo de 1900.

1996.-Se despide de este mundo el escritor griego Odysseus Elytis, conocido como uno de los poetas griegos más prominentes, en 1960 recibió el Premio Nacional de Poesía y en 1979 fue galardonado con el Nobel de Literatura, su mayor obra fue “El ciclo poético To Áxion Estí, traducida a varios idiomas. Nace el 2 de noviembre de 1911 en Grecia.

1998.- Fallece el ingeniero japonés Hideo Shima, diseñador y supervisor del primer tren bala elevado, que comunica a las ciudades de Tokio y Osaka. Nace el 20 de mayo de 1901.

2002.- Deja de existir el escritor irlandés Raphael Aloysius Lafferty, novelista de ciencia ficción, famoso por su uso original del lenguaje, la metáfora y del ingenio etimológico. Nace el 7 de noviembre de 1914.

2002.- El escritor español Juan Goytisolo gana el Premio Anual Octavio Paz de Poesía y Ensayo por su vasta obra, que transita entre el ensayo creador y una narrativa habitada por la poesía.

2008.- Perece el novelista británico Andrew Britton, autor de tres obras de ciencia ficción: “El asesino”, “El invisible” y “Ryan Kealy”. Este último lo escribe tres meses ante de su muerte. Nace el 6 de enero de 1981.

2009.- Se va de este mundo la poetisa colombiana Meira Delmar. Miembro de la Academia Colombiana de la Lengua desde 1989, es considerada la mujer más destacada de la poesía de su país. Nace el 21 de abril de 1922.

2011.- Ocurre el deceso de Allen W. Phillips. Especialista en la vida y obra del poeta mexicano Ramón López Velarde y profesor emérito de la Universidad de California en Santa Bárbara (UCSB). Nace en 1922.

2014.- Fallece el escritor estadounidense Lucius Shepard Taylor novelista de ciencia ficción y fantasía recibió el Premio John W. Campbell al mejor escritor nuevo en 1985 y el Premio Nébula a la mejor novela en 1986. Nació el 21 de agosto de 1947.

2015.- Se despide de este mundo el historiador, escritor e investigador de jazz, blues y folk estadounidense Samuel Charters, reconocido por realzar al género del blues, tuvo en su haber libros como “The Country Blues”, así como “Jazz: A History of the New York Scen en 1962”. Nace el 1 de agosto de 1929, en Pittsburgh.

Exposición exalta arte del ornamento corporal

Por Márcia Bizzotto

El arte de ornamentar el cuerpo humano, sea con maquillaje, tatuaje, escarificación o cirugías, es tema de “Body Art”, la exposición estrella del Museum aan de Stroom (MAS) de Amberes, que permanecerá abierta hasta el próximo 17 de abril.
“Body Art” explora las distintas motivaciones que han impulsado a los hombres a modificar sus cuerpos a lo largo de varios siglos: la búsqueda de belleza o individualidad, la representación de una identidad o la conexión espiritual.
Partiendo del principio de que “cada ornamento corporal tiene una historia”, la muestra invita a un viaje en el tiempo y espacio y revela el vínculo entre tradiciones de pueblos indígenas lejanos y modas actuales.
“Durante siglos las personas vienen aplicando marcas en sus cuerpos para expresar su identidad social”, observó la responsable de comunicación del MAS, Nadia De Vree.
“En algunos países africanos, por ejemplo, las cicatrices indican con diseños específicos a cuál tribu pertenece un individuo, cuál es su estatus y si está casado o no”, señaló.
La colección etnográfica del museo muestra tradiciones indígenas antiguas en Papúa Nueva Guinea, Costa de Marfil, Japón y Brasil a través de máscaras, estatuas y vestidos.
Para entrar en comunicación con los espíritus, los papúes decoraban los cráneos de los muertos con arcilla y pintura hasta obtener una imagen similar a la de los antepasados.
Una colección fotográfica contesta el carácter marginal y subversivo que adquirió el tatuaje a mediados del siglo XX al mostrar que a finales del siglo XIX la práctica era bastante común entre las clases sociales más altas, incluyendo las casas reales.
En una fotografía de 1907, la princesa francesa Marie Bourbon d’Orleans, esposa del príncipe danés Waldemar, enseña la ancla que lleva tatuada en su brazo izquierdo, un símbolo de su compromiso con su marido navegador.
La artista contemporánea francesa Orlan, que reivindica el uso de su propio cuerpo como soporte para sus obras, tiene un espacio destacado en “Body Art”.
El visitante puede descubrir la serie de telas “Self-hybridations”, en las que Orlan mezcla autorretratos con motivos precolombianos, así como las transformaciones reales efectuadas por la artista en su rostro.
“Mi trabajo ha siempre sido una lucha contra lo innato, lo inexorable, lo programado, la naturaleza, el ADN. Pero también contra todas las presiones ideológicas dominantes y la formatación, a favor de las mezclas”, explicó Orlan en un video de la muestra.
La exposición se completa con la reproducción de un salón de tatuaje de los años 50 del siglo pasado en el barrio portuario de Rotterdam, Holanda, y con un stand, donde el visitante puede ver un artista del tatuaje en el trabajo e incluso hacerse un tatuaje.
Los tatuadores invitados crearon especialmente para la ocasión diseños inspirados en la colección en exhibición en el MAS.

La onceava edición de Ambulante llega a Puebla

Un total de mil 200 actividades a lo largo de 64 días de gira por ocho estados del país, están programadas para la edición 11 de Ambulante, que en esta ocasión celebra los conceptos de interconectividad e interdependencia.
En esta edición, que se llevará a cabo del 31 de marzo al 2 de junio, la gira de documentales reúne 104 títulos de 30 países, 32 producciones mexicanas y 11 óperas primas, destacando la presencia femenina que se refleja en un número predominante de cineastas mujeres.
En conferencia de prensa, Elena Fortes, coordinadora y directora general de Ambulante, en compañía de Cuauhtémoc Cárdenas Batel, vicepresidente del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), así como de Roxana Alejo, directora operativa de Ambulante, y Megan Mongour, directora de programación, dio detalles sobre esta gira.
“Estamos celebrando nuesta onceava edición y tenemos un gran número de actividades, y cada vez llegamos más lejos y a más personas, ofreciendo cintas de directores consagrados como Werner Herzog, Paul Thomas Anderson, Amy Berg, Chantal Akerman, Eduardo Coutinho, y Everardo González, entre muchos más”, comentó Elena Fortes.
Añadió que la principal idea de Ambulante es que el documental ocupe los espacios públicos, para alejar la violencia de estos lugares. “De alguna manera buscamos contrarrestar las problemáticas más arraigadas del país, al generar vínculos empáticos con los demás y crear una sensación de interdependencia”.
Asimismo, Roxana Alejo confirmó: “Tendremos un total de mil 200 actividades, en 64 días, por ocho estados, así como 104 documentales, 61 largos y 43 cortometrajes de 30 países.
13 estrenos mundiales y 28 nacionales, 32 títulos de producción mexicana y 11 ópera prima y por primera vez la mayoría de los directores son mujeres, con un total de 53 y 48 realizadores hombres”.
Agregó que habrá más de 80 invitados, nacionales e internacionales, además de 72 funciones al aire libre, alrededor de 15 mesas de discusión, abarcando un total de 30 municipios en 167 sedes y más del 60 por ciento de las actividades serán gratuitas.
La función inaugural será en el Monumento a la Revolución, el jueves 31 de marzo, con la cinta “Sonita”, la historia de una adolescente afgana que vive como indocumentada en Irán y sueña con convertirse en cantante de hip-hop.
En la Ciudad de México habrá 39 sedes, entre ellas, espacios al aire libre, salas alternativas, universidades, centros culturales, teatros, plazas y museos, además de cinco complejos de Cinépolis. Ambulante llegará a los estados de Oaxaca, Puebla, Coahuila, Jalisco, Michoacán, Baja California Norte y Veracruz.
Entre los documentales destacan “Inside de chinese closet”, “Bellas de noche”, “Plaza de la soledad”, “Pasos ciegos”, “Ayotzinapa 26”, “El paso” y “El hombre que vio demasiado”, entre muchos más.
“Además, exhibiremos trabajos sobre diversas corrientes musicales como David Bowie, Janis Joplin, Jonny Greenwood y música hindú.

Música sacra para tocar el alma

Con el fin de preservar las costumbres y tradiciones de la ciudad, el Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla (IMACP), a través de la Coordinación de Patrimonio Histórico e Identidad, lleva a cabo la novena edición del Festival “Pasión, música sacra que te tocará el alma”, del 15 al 28 de marzo.
La institución explicó que este festival acompaña las actividades que se realizarán en Semana Santa, entre las que destacan conciertos con la participación del Coro Municipal, el de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP) y de la Universidad de las Américas (UDLAP).
El festival también incluye conferencias, exposición fotográfica y la realización de un curso de cocina de Cuaresma, la procesión de Viernes Santo y un recorrido guiado del tradicional Viacrucis. Uno de los propósitos es reforzar y hacer más visible la identidad histórica de la capital poblana, al tiempo de conservar el patrimonio cultural de Puebla, expuso al indicar que “Pasión” incluye 18 diferentes actividades en 12 sedes con entrada libre.
Cabe resaltar que los días 24 y 25 de marzo se realizará la 58 representación de la Pasión de Cristo, con más de 100 artistas en escena, dirigida y escrita por Jorge Morales Flores. Entre las 12 sedes en las que se desarrollará “Pasión, música sacra que te tocará el alma” están el Teatro Principal, el Palacio Municipal y el Pasaje del Ayuntamiento.

Celebra BUAP trayectoria de Lorenzo Homar

Se inaugura la exposición de grabado “El viaje de la impronta”, La Habana, San Juan, Puebla. Tributo gráfico a Lorenzo Homar

Después de inaugurar la exposición “El viaje de la impronta, La Habana, San Juan, Puebla. Tributo gráfico a Lorenzo Homar”, el rector Alfonso Esparza Ortiz reconoció el legado del grabador puertorriqueño, mismo que permitirá estrechar lazos de colaboración y amistad con dos grandes países: Cuba y Puerto Rico.
Después de agradecer la confianza de las promotoras de este acervo artístico, afirmó: “El Complejo Cultural Universitario se enorgullece en albergar esta exposición, que ponemos a disposición de todos los universitarios, sobre todo de la Escuela de Artes Plásticas y Audiovisuales, y que es parte de nuestra vida académica”.
“El viaje de la impronta, La Habana, San Juan, Puebla. Tributo gráfico a Lorenzo Homar”, que estará abierta al público hasta el 17 de abril, en la Galería de Arte del Complejo Cultural Universitario, consta de 62 grabados, entre éstos del propio homenajeado y de diversos autores que, a modo de reconocimiento, integran sus obras a dicha colección.
Las promotoras de este legado gráfico, Yolanda Wood y Margarita Fernández Zavala, directora del Centro de Estudios del Caribe en la Casa de las Américas, en Cuba, y rectora de la Universidad de Puerto Rico, respectivamente, destacaron que dicha exhibición es muestra del “abrazo gráfico” y afirmación de la cultura entre ambas naciones, por lo que celebraron que México se sume a esta tradición. “Ustedes y nosotros somos parte de un mismo Caribe, de una misma tradición”, expresó Fernández Zavala.
En su intervención, Eloísa Sheng-li Chilián Herrera, directora de la Escuela de Artes Plásticas y Audiovisuales de la BUAP, resaltó la importancia de reconocer a uno de los artistas más queridos del siglo XX, puesto que México también tuvo una época importante en el grabado, gracias al trabajo de José Guadalupe Posada.
De igual manera, este homenaje habla de la relevancia de reivindicar las imágenes, a la par de permitir un encuentro entre universidades y culturas, agregó Baruch Vergara, investigador de la Universidad de Puerto Rico.
Lorenzo Homar fue uno de los grabadores más importantes en Centroamérica durante el siglo XX.
En 2014, el grabador puertorriqueño recibió un homenaje in memoriam con motivo del centenario de su nacimiento, en la Casa de las Américas, en Cuba. Impulsados por el resultado del tributo de los artistas cubanos, la Universidad de Puerto Rico realizó un segundo homenaje en la Galería José Torres Martinó, de la Escuela de Arquitectura de esta universidad.
La obra expuesta de Lorenzo Homar conjuga la impresión del grabado y la caligrafía, engarzando modalidades de la fluctuación que devienen en la imagen particular de su marca. Tal tratamiento ha sido reconocido por artistas tanto de Puerto Rico como de Cuba, quienes en sus producciones retoman esta conjugación, al apropiarse de la escritura en la dimensión plástica del grabado. De tal forma, la impronta de Lorenzo Homar no sólo se desplaza en el tiempo y el espacio, también transita como estrategia expresiva hacia la obra de otros artistas.

esparzaB

“La lectura es poder conocerse y reconocerse a través de otros”

El escritor Juan Villoro exhortó a los jóvenes a tener un mayor acercamiento a la lectura, no como un deber académico, sino como una posibilidad de conocerse y reconocerse a través de otros.
Unos 800 estudiantes presenciaron la conferencia “Los jóvenes con Juan Villoro”, impartida hoy por el Premio Excelencia en las Letras “José Emilio Pacheco” 2016, en el marco de la Feria Internacional de la Lectura Yucatán (Filey).
Durante casi una hora, el escritor compartió algunas de sus primeras experiencias como lector, destacó el papel fundamental de su abuela, de origen yucateco, durante su niñez, así como los relatos futbolísticos de la radio y televisión.
El encuentro fue aprovechado por el autor de “La cuchara sabrosa del profesor Zíper”, para afirmar que “eso es lo que nos da la literatura: leemos una historia ajena y sentimos que es nuestra”.
Villoro señaló que un lector ideal es en su opinión aquel que “nunca ha leído un libro por gusto, pero de pronto abre un libro como si abriera una ventana para asomarse a algún lugar, y descubre en él la oportunidad de enriquecer su experiencia del mundo”.
El autor recalcó la cualidad que tiene la lectura al sensibilizar a los seres humanos, de revelar lo que llevan dentro y de brindarle otra dimensión a sus experiencias.
“Un libro cerrado no es una obra de arte”, agregó momentos antes de dar por finalizado el encuentro con estudiantes.