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Con un catálogo vivo de seis mil títulos, Porrúa cumple 117 años

Ha sido pilar fundamental de la industria editorial de este país: Rodrigo Pérez Porrúa

Por Juan Carlos Castellanos

Fundada en 1900, la librería Porrúa es hoy la más grande de todo México, con más de 75 sucursales, tres almacenes en 18 entidades de la República Mexicana y una serie de colecciones propias entre las que destacan la Biblioteca Porrúa, Escritores Mexicanos, Biblioteca Jurídica y Sepan Cuantos, señaló Rodrigo Pérez Porrúa.

El director comercial de esa empresa ciento por ciento mexicana comentó a Notimex, en ocasión del 117 aniversario de su establecimiento, que su historia se puede sintetizar en un crisol que amalgama el gusto por la industria editorial, por los libros, los lectores y las librerías. Para él, “es una profesión complicada y a la vez hermosa”.

Es decir, subrayó uno de los miembros más jóvenes de la dinastía Porrúa, “todos quienes estamos en esta empresa lo hacemos exclusivamente por gusto”. Así ha sido desde 1908 con su primera publicación, una guía de la Ciudad de México, hasta este 2017, al elaborar la primera edición de la nueva y reluciente Constitución Política de la Ciudad de México.

“Eso demuestra que el sello Porrúa siempre ha estado muy ligado a la historia nacional de México y prueba de ello es que fuimos los primeros en publicar la citada Constitución, en un acto de honor a nuestra historia y a nuestra Biblioteca Jurídica, la cual, gracias a todos sus autores, es hoy por hoy la biblioteca de Derecho más importante en América Latina”.

Señalado lo anterior, Pérez Porrúa recordó que él creció entre libros, anaqueles, libreros, autores y todos los escenarios imaginables en torno a la producción y comercialización de libros. Su lección de vida ha sido siempre llegar a la gente a través de los libros y tratar de ponerlos a la mano del mayor número posible de gente, llueva, truene o relampaguee.

Porrúa se ha caracterizado desde sus inicios por ser, sobre todo, una marca muy popular y abierta y cercana al pueblo, con varios programas que buscan beneficiar a los lectores, y a la vez, con activaciones de carácter social que ayudan a fomentar el libro y el hábito de la lectura. “Por eso, la salud de esa empresa mexicana es totalmente fuerte y sana”, abundó.

Orgullosamente, agregó que Porrúa sigue abriendo librerías y adelantó que este año tendrá cinco o seis más en puntos estratégicos de la geografía nacional. En el ramo editorial, dijo que cada día crece más, con nuevos acervos de cultura general, historia, literatura de México y el resto del mundo, de interés general, de superación, infantiles y muchas más.

Su catálogo se ha renovado, por lo que hoy día, en el contexto de la industria editorial mexicana, es el más importante. Editorial Porrúa tiene un catálogo vivo de alrededor de seis mil títulos, y su librería, que distribuye a todas las editoriales nacionales y extranjeras en toda la república, maneja alrededor de 400 mil títulos.

“El catálogo es el más amplio en español, incluso, dijo, muchos de sus títulos se venden en el extranjero con bastante éxito, y cada día se trabaja más en ello, sin descuidar que en la actualidad, Porrúa proporciona descargas en todo el mundo. ¿Hacia dónde va la empresa? “Por más lectores y más autores”, concluyó.

Cabe señalar que con motivo del 117 aniversario de esa firma, la víspera se abrió en su casa del Centro Histórico, la exposición “117 años al alcance de todos”, un recorrido por fotografías históricas, muebles antiguos, primeras ediciones e imprentas que muestran al visitante el devenir de esa empresa, acto al que asistieron funcionarios, editores y autores.

Llega a las mesas de novedades la novela “Años felices”

Del escritor Gonzalo Torné (Barcelona, 1976) ya está en las mesas de novedades la novela “Años felices”, atmosférica y elegante, luminosa, lírica e irónica a un mismo tiempo. Un meticuloso estudio de caracteres repleto de estilo e inteligencia acerca de cómo se abre paso la vida a fuerza de ambiciones y cómo luego se desmorona.

En algún momento de la segunda mitad del siglo XX, “Alfred Montsalvatges”, un hombre joven con una profunda herida en la mano, llega a un hospital de Nueva York. Es de otro país, quiere ser escritor, y a ojos de “Jean Rosenbloom”, enfermera que lo atiende, quizá sea justo lo que estaba buscando: convertirse de súbito en un príncipe de cuento mágico.

“Alfred” pronto se convierte en el centro de un grupo de amigos que ven en él la solución fantástica a lo que la vida se resiste a darles: Un confidente, un colega, un amor… Ellos son cuatro. El primero, “Kevin Prichard”, joven judío con tendencias místicas y cuyas envidias y aspiraciones proporcionan al resto grandes momentos de comicidad involuntaria.

El segundo, “Harry Osborn III”, diletante, culto y adinerado heredero, medio encerrado en su mansión de Riverside, que mide su ingenio con el del príncipe en largas charlas acerca de sus vocaciones; “Claire”, la más carismática de las hermanas “Rosenbloom”, bella, independiente, libre como el viento y especialmente adorada por todos en su círculo.

Finalmente, la propia “Jean”, noble, bondadosa y discreta. Son jóvenes, inteligentes, están cargados de vida y han firmado un pacto de amistad, que creen tan indestructible como ellos. Pero cuando la juventud amenaza con abandonarlos, el “país de las hadas” en que habían vivido hasta entonces adopta contornos más exigentes, que ellos no alcanzan a entender.

¿Y si les aburriesen sus vocaciones? ¿Y si el futuro les convirtiese en personas inesperadas? ¿Y si para conseguir sus nuevos objetivos tuviesen que traicionarse? ¿Y si el príncipe fuese un fraude? ¿Y si los años felices no perteneciesen a este mundo?, se preguntan los cuatro jóvenes.

Se trata de una novela extraordinaria con la que Gonzalo Torné pone otro eslabón en uno de los proyectos más personales y consistentes de la literatura contemporánea en español.

Gonzalo Torné es autor de tres novelas, las dos primeras de probado éxito y la tercera, ésta, en ciernes de gran vendedora: “Hilos de sangre” (2010, Premio Jaén de Novela), “Divorcio en el aire” (2013) y “Años felices” (2017). Sus obras se han traducido a diversos idiomas, como inglés, francés, italiano, alemán, holandés, portugués y catalán.

Cholula celebrará Día Internacional del Jazz

El próximo 30 de abril, por cuarto año consecutivo, el municipio de San Pedro Cholula, catalagado como Pueblo Mágico, celebrará el Festival Internacional Jazzatlán con un gran concierto gratuito en el Parque Soria.

Alma Jacobo Morales, vocero del evento, dio a conocer que de esta manera San Pedro Cholula se une a las celebraciones que se llevan a cabo en todo el mundo por el Día Internacional del Jazz.

Recordó que en noviembre de 2011, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO, por sus siglas en inglés) designó oficialmente 30 de abril como Día Internacional del Jazz, con el fin de visibilizar a ese género y su papel diplomático de unir a las personas en todos los rincones del mundo.

El Día Internacional del Jazz reúne a las comunidades, escuelas, artistas, historiadores, académicos y entusiastas del jazz en todo el mundo para celebrar y aprender sobre este ritmo y sus raíces, el futuro y el impacto; crear conciencia de la necesidad de un diálogo intercultural y el entendimiento mutuo, y reforzar la cooperación y la comunicación internacional.

En conferencia de prensa, Jacobo Morales dijo que esta fecha internacional es reconocido por promover la paz, el diálogo entre las culturas, la diversidad y el respeto a los derechos humanos y la dignidad humana,

Apuntó que busca la erradicación de la discriminación, la promoción de la libertad de expresión y el fomento de la igualdad de género, así como reforzar el papel de la juventud en la promulgación de los cambios sociales.

“Comentó para el próximo fin de semana se ha organizando una gran fiesta alrededor del jazz, funk, soul, blues, swing, flamenco y otros ritmos creativos del mundo, cuyo espíritu da pie al nacimiento del Festival Internacional de Jazz (FIJAZZATLÁN).

El domingo próximo, a las 12:00 horas será la inauguración con clases de swing a cargo del colectivo Lindy Hop Puebla. A las 15:00 horas se presentarán Swing 4 Chats y Noir Manouche (México, swing manouche), seguidos de Fat Mojo (México, funk/soul).

Así como del grupo Malaje (México, flamenco fusión), Iván Barrera trío (México, jazz fusión), Dizzy Ventilators (E.U./ Japón, fusión de ritmos), Mark Aanderud (España, jazz) y Los Mind Lagunas (México, soul/funk/blues).

“Es un evento pensado para toda la familia que contará además con un corredor gastronómico y artesanal, para que los asistentes puedan pasar un domingo a gusto al pie de la pirámide de esta cuidad milenaria”, citó.

El Festival Internacional de Jazz es posible gracias al apoyo de la Secretaría de Cultura federal,através del El Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca), así como de las autoridades del municipio de San Pedro Cholula.

La verdadera pasión de Rulfo fue la literatura: Graciela Iturbide

La verdadera pasión de Juan Rulfo (1917-1986) fue la literatura, aseguró esta noche la fotógrafa mexicana Graciela Iturbide durante el ciclo de mesas redondas “Juan Rulfo, miradas cruzadas entre la literatura y la antropología” en el Seminario de Cultura Mexicana.

La artista de la lente compartió esa afirmación en la sesión encabezada por las ponentes Patricia Cabrera, del Centro de Investigaciones Interdisciplinarias en Ciencias y Humanidades de la UNAM; Patricia Tovar del CIESAS, y la representante del Instituto Nacional Indigenista (INI), Maura Tapia.

Las ponentes se refirieron a Rulfo como un escritor indigenista y que gustaba de la antropología, sin embargo, Iturbide opinó que Rulfo tenía el puesto en el INI porque era una manera de compensarlo, toda vez que ya no escribía.

“No le interesaba el trabajo del INI, ese trabajo se lo dieron como un premio, porque no había otros premios, él hizo su gran obra, los campesinos de San Isidro me decían que me querían llevar a la media luna, ellos mismos me dedicaron los libros de Rulfo porque lo querían mucho, pero a Rulfo no le intereso el instituto”, acotó

La fotógrafa agregó que “no fue un escritor indigenista, fue un escritor rural que se basó en San Gabriel y en los Altos de Jalisco a su manera, porque era verdaderamente un genio y donde su literatura rebasa el mexicanismo, su literatura llega a ser internacional, podría decir que igual que la de Elena Garro, es su parte creativa”.

Dejó en claro que la verdadera pasión de Rulfo fue su literatura y recordó que cuando Bellas Artes le rindió un homenaje con una exposición fotográfica, se le pidió amplificara las fotos del escritor, lo que rechazó porque apenas comenzaba su carrera como fotógrafa y echaría perder las imágenes.

“Ya no quiso escribir, y nadie sabe por qué. Se han hecho muchas investigaciones, desafortunadamente bebía mucho, entonces, fue una época de éxito donde se inspira en un paisaje, en una tierra rural, pero él no tuvo nada que ver con los indígenas y eso lo sé porque yo llegué a platicar con él y porque he leído sus libros”, añadió.

Por su parte, Nuria Sanz, directora y representante de la Unesco en México, se refirió al autor de “El llano en llamas” como un escritor “que no hemos conocido, que está cercano a través de nuestro imaginario a su imaginario creativo”.

Festival Internacional Cinco de Mayo contará con más de mil artistas

El secretario de Cultura y Turismo del estado, Roberto Trauwitz Echeguren, informó que la sexta edición del Festival Cinco de Mayo contará con más de mil 200 artistas de países como Colombia, España, Cuba, México, Argentina y Estados Unidos.

Acompañado por el gobernador José Antonio Gali Fayad, mencionó que dicho festival se desarrollará del 5 al 21 de mayo, en donde esperan una audiencia aproximada de 100 mil personas.

Indicó que es una celebración cultural por excelencia el cual se desarrolla en torno de uno de los acontecimientos de la historia en el país como es la Batalla de 5 de Mayo 1862.

Detalló que en la presente edición los invitados son las siete regiones de Puebla como es la Sierra Norte, la Sierra Nororiental, el Valle de Serdán, Angelópolis, Atlixco y Matamoros, además de la Mixteca, Tehuacán y Sierra Negra.

El funcionario estatal dijo que lo habitantes y visitantes de la capital poblana podrán ver sus productos artesanales y gastronomía.

Agregó que en zócalo se presentarán los Ángeles Negros, la Orquesta Pérez Prado, la Big Band Jazz, además estará la Orquesta Esperanza Azteca estará en el Museo Regional de Cholula.

En el atrio de la Catedral de esta ciudad por primera vez estará en México la violinista Sara Chang, acompañada por la Filarmónica Cinco de Mayo, resaltó.

Trauwitz Echeguren dijo que los escenarios serán el Centro Histórico de Puebla, el Centro Cívico Cultura Cinco de Mayo en el Fuerte de Loreto, la zona de Angelópolis, el Complejo La Constancia Mexicana y los Pueblos Mágicos de Cholula y Atlixco.

Resaltó que a través de la cultura se pueden cambiar valores y formas de la vida, promoviendo una convivencia sana y pacífica en la entidad.


Foto: Es Imagen / Ángel Flores

Cumple 100 años Fitzgerald

Apareció en el escenario de La Fuente con un vestido oscuro, pañoleta verde, collar y arete de perlas. Era el debut en México de Ella Fitzgerald.

De figura gruesa, micrófono en mano, paseó su señorío por todo el escenario, publicó Excélsior, en tanto que Jimmy Jones, al piano, conducía a la orquesta de Pío Tovar y el resto del conjunto, “en formidables arreglos”.

Su llegada era esperada.

“La cancionista Ella Fitzgerald llegará esta tarde a la capital”, anunció el diario.

Por muchos años, se había intentado traerla. Y por fin, Eduardo Alcaraz la firmaba para una temporada del 7 al 17 de octubre de 1966 en La Fuente, centro nocturno ya extinto, en Insurgentes 890, con dos shows, uno a las 11:30 de la noche y otro a las 2 de la mañana.

“Era un figurón”, recuerda Alberto Zuckermann. “Cantó los standards y algo de Porgy and Bess”.

El pianista se llevó a casa como recompensa adicional el autógrafo de Fitzgerald en el disco Ella in Hamburg, grabado en marzo de 1965, en Alemania, con el trío de Tommy Flanagan.

Zuckermann, de casi 20 años, logró entrar al camerino. Estaba lleno. Venía acompañada de Ed Thigpen, que había dejado en 1965 el trío de Oscar Peterson. Trabajó un año con Fitzgerald, y la acompañaría después en sus giras desde 1968 hasta 1972.

“Tenía un sentido rítmico bárbaro. Improvisaba con esas sílabas, el scat. Lo hacía como si fuera otro instrumento musical: un trombón, un saxofón, y lo hacía maravillosamente”, dice el pianista, quien consigna la presencia de Ella en su libro por publicar, El jazz en México en los años 60.

Fitzgerald (1917-1996) no creía ser la inventora de un nuevo estilo. Simplemente cantaba.

“El jazz me hace falta, pero me obliga a trabajar más”, decía quien mañana hubiera cumplido 100 años.

Después de la temporada en La Fuente, volvería en 1967, esta vez a El Patio, en Atenas 9, que promocionaba el regreso de la “Incomparable Reina del Jazz” con su conjunto, The Carson Trio, con Donald Carson en el piano, del 24 de noviembre al 9 de diciembre.

Fitzgerald volvería por tercera vez, ya no a la escena nocturna de la Ciudad de México, sino para presentarse en un estadio de beisbol en Guanajuato.

Invitada al Cervantino de 1979, casi al cierre del festival, que ese año también trajo a Mstislav Rostropóvic con la Sinfónica de Washington y la pianista Martha Argerich como solista, además del guitarrista español Narciso Yepes y, casi, Leonard Bernstein, quien al final canceló por “complicaciones estomacales”.

Fitzgerald, de 62 años, tuvo en aquella ocasión una llegada accidentada. Nadie le advirtió sobre las casi cinco horas de camino entre la Ciudad de México y Guanajuato. Llegó más tarde de lo previsto.

“Frente a nosotros, envuelta en enorme caftán de dibujos café y blancos. Atrás de los gruesos lentes, sus ojos se entrecerraban. Las manos inquietas no dejaban de moverse: iban del cabello a la cadenita, a la cruz que pende sobre su pecho”, la describió en el Castillo de Santa Cecilia la reportera de unomásuno Nadia Piemonte, quien la entrevistaría.

“¿Qué recuerdos tiene de las viejas generaciones de jazzistas, de aquellos famosos nombres, de Sarah…?” “Que no la oiga Sarah (Vaughan) hablar de vieja generación”, interrumpiría la cantante: “Nosotros no creemos ser vieja generación. ¿Para qué cantaríamos si nos sintiéramos vieja generación? El jazz no es una música que pueda considerarse vieja”, respondía.

“Hacemos lo que nos gusta, lo que prefiere el público. Yo soy tan popular ahora como no lo he sido jamás”.

Fitzgerald comenzó a cantar en 1934, cuando se presentó como bailarina en un concurso de aficionados de canto y baile en el Teatro Apolo de Harlem y, fue tanto el miedo, que se le entumieron las piernas y de último minuto decidió cantar. Ganó el concurso.

Chick Webb, quien la descubrió, le dio su primera oportunidad.

Con 45 años de carrera, estaba en la cima cuando vino a Guanajuato. Asociado su nombre a las bandas de Duke Ellington, “un genio”, y Count Basie, con el que siempre se extasiaba, y abordado el cancionero de Cole Porter y grabado con Louis Armstrong.

“Olvidaba líneas de mis canciones. Y cuando grababa parecía estar en un escenario. ¡Cómo nos hacía reír”, le dijo a Piamonte sobre Satchmo.

“Ella Fitzgerald cantó en un estadio para más de ocho mil personas quienes no entendieron la letra de la mayoría de sus canciones pero que sintieron el alma de su música”, reportó Excélsior.

La lluvia estuvo a punto de frustrar el primer concierto en el parque deportivo José Aguilar y Maya, inaugurado en 1954, cuando era Gobernador Aguilar y Maya. El terreno estaba enlodado y el público se apretaba para no mojarse.

Subieron primero los músicos de Fitzgerald… “Media hora después entró la reina en escena. Sus canciones, tan conocidas, su estilo, tan de ella, y la emoción, hicieron olvidar por momentos la lluvia que caía a cántaros sobre la improvisada lona que con el viento parecía estar por caerse de un momento a otro”, reportó Piamonte sobre el concierto del 17 de mayo.

“Abajo, en lo que sería donde se pone el pitcher, pusieron un gran escenario y ahí es donde estaba Ella Fitzgerald”, recuerda Raúl de la Rosa, promotor cultural y productor de festivales. Quizá no fueron las ocho mil personas que reportó la prensa. “El estadio estaba acotado. Lo recordaría si el estadio hubiera estado lleno”.

Para el segundo concierto, el viernes 18, Guanajuato estaba repleto de turistas y un público numeroso llegó a estadio. Una “genialidad” lo que hizo Fitzgerald con la samba. El micrófono dejó de funcionar en dos ocasiones, pero los gritos, los silbidos del público, la hicieron volver para el encore.

Fitzgerald, en Guanajuato, reflexionaba: “Tengo que pensar en mi pasado para seguirme manteniendo. En los días de hambre…”. Siempre sencilla: “No tengo más que amor y canto”.

La Primera Dama de la Canción moriría en 1996, a los 79 años.

Fuente: Reforma

Catalanes regalan libros y flores en un domingo de Sant Jordi

Por Adela Mac Swiney González

Con la coincidencia del 23 de abril como fecha de la muerte y entierro en 1616 de dos genios de las letras como William Shakespeare o Miguel de Cervantes, España celebra el Día del Libro con diversas actividades en toda su geografía.

Desde 1926, hace más de 90 años, cuando el entonces Rey de España, Alfonso XIII, firmaba el Real Decreto por el que se instituía la “Fiesta del Libro español”, se celebra esta efeméride con diferentes actividades, cuenta-cuentos y talleres en bibliotecas y librerías.

Este señalado evento, que fue iniciativa, en Barcelona, noreste español, del escritor español Vicente Clavel, es conmemorado el 23 de abril al coincidir con la fecha de la muerte y entierro en 1616 de Shakespeare o Miguel de Cervantes, aunque también nacieron o murieron en ese día otros escritores eminentes.

Entre ellos están Maurice Druon, K. Laxness, Vladimir Nabokov, Josep Pla o Manuel Mejía Vallejo.

Esta celebración se hizo mundial en 1995 cuando la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco), adoptó la misma fecha para el Día Internacional del Libro.

Aquí en España, Cataluña celebra la efeméride que coincide con su tradicional Día de Sant Jordi, patrón de Alemania, Aragón, Bulgaria, Cataluña, Etiopía, Georgia, Grecia, Inglaterra, Líbano, Lituania, Países Bajos, Portugal, Eslovenia y México, y es tradicional que los enamorados y personas queridas se intercambien una rosa y un libro.

En diversos puntos de Cataluña se instalaron puestos de venta de rosas y libros.

Miles de personas pasearon entre puestos buscando su obsequio no sólo para la persona amada, también para la familia o los amigos. Por las calles principales de la ciudad se instalaron espacios con las últimas novedades editoriales y autores consagrados llegaron de distintos puntos a firmar ejemplares.

A la ciudad condal llegaron el griego Petros Márkaris, los italianos Donna Leon y Federico Moccia, la estadunidense Siri Hustvedt y la francesa Yasmina Reza, a quien se sumó el recién galardonado con el Premio Cervantes, Eduardo Mendoza.

Tampoco faltaron los hispanistas Paul Preston e Ian Gibson, el italiano Valerio Massimo Manfredi, la irlandesa Marian Keyes, el francés Olivier Bourdeaut, el músico James Rhodes, la neoyorquina Raquel Palacio o la escritora, compositora y cantante danesa Madame Nielsen.

Entre los habituales de esta gran efeméride estuvieron David Trueba, Santiago Posteguillo, Enrique Vila-Matas, Javier Cercas, Rosa Montero, Carme Riera y el premiado Fernando Aramburu, autor de “Patria”, que aborda casi 40 años de desarrollo de la lucha armada de ETA.

Las expectativas de ventas de libros en esta jornada tumultuaria superan el millón y medio de ejemplares y de hecho, de las ventas de Sant Jordi depende entre el 5 y 8 por ciento de la facturación anual para el libro en castellano.

El libro en catalán aprovecha la efeméride y las ventas de este día suponen un 15 por ciento del año. Ambos porcentajes se traducen en unas previsiones de venta por valor de 22 millones de euros, lo que representaría un cinco por ciento más que el año pasado.

Independientemente de esto, de acuerdo a un análisis del portal de estadísticas Statista, este año habrá en España 5.3 millones de lectores de libros electrónicos, 300 mil personas más que en 2016.

Además, la venta de libros en formato digital generará 201 millones de euros, 11 más que el año pasado. Se estima que en 2021 la audiencia de este sector alcance los seis millones de personas y la facturación, los 235 millones de euros.

En cuanto a las flores, el otro elemento distintivo de Sant Jordi, el Mercado de Flor y Planta Ornamental de Catalunya prevé que se venderán un total de seis millones de rosas, una cifra inferior a la de los últimos años, en los que se vendían unos siete millones de rosas.

El descenso se debe a que este año la festividad se celebra en domingo, de manera que se dejan de distribuir muchas rosas que se regalan los días laborables en tiendas y puestos de trabajo.

Son muchas las actividades que tendrán lugar por este día, entre ellas la Feria Internacional de la Edición Contemporánea que en Barcelona reunirá a editores y autores de Francia, Italia, México, Alemania o Argentina.

El viernes pasado, por la noche, miles de españoles participaron en la Noche de los Libros, con actividades en distintas instancias como el Instituto Cervantes, Casa de América, el Círculo de Bellas Artes y el Fondo de Cultura Económica, entre otras.

Analizan influencias de Juan Rulfo y García Márquez

El narrador y ensayista Eduardo Antonio Parra (Guanajuato, 1965) aseguró que la generación de escritores anterior a la suya se apartó de la escuela de Juan Rulfo (1917-1986)y Gabriel García Márquez (1927-2014) porque la influencia y el peso de esos autores era muy grande. “En los años 90, nosotros ya habíamos asimilado de otro modo esas influencias”.

Entrevistado en el marco de la Fiesta del Libro y la Rosa 2017, en la explanada del Centro Cultural Universitario, donde participó en la mesa de diálogo “Juan Rulfo y García Márquez. Cómo escribir después de ellos”, junto a los también escritores Mónica Lavín, Antonio Ortuño y Ana García Bergua, Parra recordó su propio caso.

Puso en relieve la transformación del quehacer literario en español a partir de la obra de Juan Rulfo y Gabriel García Márquez y cómo, desde su punto de vista, “al principio hubo numerosos imitadores, luego vino un alejamiento bastante prolongado, y posteriormente vinieron nuevas generaciones que comenzaron a asimilar toda la esencia de esas obras”.

Abrevaron, dijo, del espíritu y conciencia de las obras de esos autores, pero no lo más vistoso ni los temas. “Rulfo y García Márquez, desde el inicio de sus respectivas carreras literarias, comenzaron a influir en numerosos escritores, siempre de diferente manera”.

Detalló que influyeron de otra manera en las generaciones posteriores. “No se parecen sus obras, pero sí se nota claramente esa escuela literaria en las técnicas y en el uso de lenguaje, entre otros elementos que conforman los textos”, añadió Parra, egresado de la sólida carrera de Lengua y Literaturas Hispánicas de la Universidad Regiomontana.

Eduardo Antonio Parra, autor de relatos, ha sido traducido al inglés, francés, italiano, danés y alemán y quien ha sido becario del Centro de Escritores de Nuevo León, 1990; del FONCA, en cuento 1996, y en novela 1998; del Centro Cultural Casa Lamm/Centro de Escritores Juan José Arreola, 2000, y de la Fundación Guggenheim, 2001, aseveró:

“En la década de los años 90 del siglo pasado, cuando la generación a la que pertenezco irrumpió en el escenario literario nacional, ya habíamos asimilado de otra manera esas poderosas influencias. Leídos con mucha atención, adaptábamos la esencia de esos dos autores a nuestra propia temática, realidad, intereses narrativos, universo e imaginación”.

Eduardo Antonio Parra ganó el Concurso Nacional de Cuento 1995 de Guasave, Sinaloa; obtuvo el Premio Internacional de Cuento “Juan Rulfo” 2000 por “Nadie los vio salir”, otorgado por Radio Francia Internacional; el Premio Nacional de cuento “Efrén Hernández” 2004, y el Premio “Antonin Artaud” 2010 por “Sombras detrás de la ventana”, entre otros más.

Y es autor, entre otros libros, de “Los límites de la noche” (1996), “Tierra de nadie” (1999), “Nadie los vio salir” (2001), “Parábolas del silencio” (2006), “Sombras detrás de la ventana. Cuentos reunidos” (2009), “Nostalgia de la sombra” (2002), y “Juárez. El rostro de piedra” (2008). Con esa experiencia y reconocimiento, Parra elevó la voz para decir:

“La sombra de Juan Rulfo ha estado siempre presente en mí y en mi obra. Su influencia es evidente, aunque la temática que yo abordó en mis libros es muy distinta a la que él empleó para edificar su obra monumental. Nunca supe qué quería yo tomar de él, pero a final de cuentas tomé el uso del lenguaje y la construcción de las atmósferas”, confesó.

Finalmente, sostuvo que los temas que tocó Juan Rulfo en sus cuentos y novelas le subyugan, los ambientes rurales, “aunque cada vez es más difícil escribir sobre ellos porque cada vez vivo más en las grandes ciudades, sin embargo, de niño los experimenté, por lo que sí los podría abordar”.

Juan Pablo y Juan Carlos Rulfo evocan vida e imagen de su padre

Juan Pablo Rulfo expresó que ser hijo del escritor mexicano Juan Rulfo (1917-1986) lo asimila de manera plena, orgullosa y humilde. “La cercanía con un autor de esas dimensiones es un orgullo que, sin embargo, pesa mucho”, añadió.

Al tomar parte en una charla, durante el segundo día de actividades de la Fiesta del Libro y la Rosa 2017 en la zona cultural de Ciudad Universitaria, Juan Pablo subrayó que intenta hacer honor a ese regalo de vida. “Mi padre tenía una personalidad ambivalente del aquí y el otro lado”, subrayó.

En la más profunda evocación, recordó que su padre siempre fue muy parco en diversos aspectos de su vida, por ejemplo, hablaba poco y prácticamente toda la comunicación familiar se daba en silencio. “Siempre fue una persona que comía en cantidades pequeñas, procurando llevar una vida sana”.

Hizo remembranzas de su vida infantil y juvenil en el hogar paterno y en ese sentido, dijo que hasta la fecha tiene un déficit de sueño porque a su papá le gustaba trabajar hasta muy altas horas de la noche, “y yo tenía que levantarme temprano para ir a trabajar a una imprenta que se encontraba en Iztapalapa, lejos de la casa”, abundó.

Compartió que al autor de “El llano en llamas” y “Pedro Páramo” no le gustaba que le preguntaran de su vida, más bien le gustaba observar y preguntar a los demás. Era tanta su capacidad de observación, que con sólo mirar a un indígena podía saber a qué grupo étnico de México pertenecía.

Ahí mismo, su hermano Juan Carlos Rulfo, quien también participó en el conversatorio, habló del video que realizó en torno a su padre y su obra. Se transmitió un fragmento del trabajo que recoge los orígenes de la familia y de la literatura desarrollada por el escritor mexicano Juan Rulfo.

Explicó que es un documental realizado como parte de las actividades conmemorativas por los 100 años del nacimiento de su padre, efeméride que se celebra este 2007, pues Juan Rulfo nació el 16 de mayo de 1917 en el estado de Jalisco, y desde joven viajó por toda la geografía nacional.

“Mi padre tuvo muchas horas nalga de contemplación”, dijo el documentalista.

Entregan el Cervantes a Eduardo Mendoza

Desde que Eduardo Mendoza pisara la Universidad de Alcalá de Henares para recibir el Cervantes, no paró de mostrar su ironía y humor: “Soy muy teatrero, me gusta disfrazarme” o “he traído a la familia para que me critique y a los amigos para que me hagan la ola”.

Estas frases del autor barcelonés (1943) se unieron a la reivindicación del humor que sobrevoló todo su discurso de agradecimiento del Premio Cervantes, el galardón más importante de las letras en español, que el año pasado recayó en el mexicano Fernando del Paso.

Acompañado en la ceremonia por sus hijos Ferrán y Alejandro y por su primera esposa, Anna Soler, Eduardo Mendoza, muy elegante, vestido de chaqué y corbata gris, como su pelo, y algo nervioso, tomó aire y comenzó a leer su discurso.

“No creo equivocarme si digo que la posición que ocupo aquí, en este mismo momento, es envidiable para todo el mundo, excepto para mí”, espetó Mendoza, uno de los premios Cervantes más leído.

Y ya algo más tranquilo reivindicó la excelencia del humor en la literatura que practica en sus escritos “con reincidencia”, al tiempo que negó que se trate de un género menor, “como a menudo se considera”.

En su discurso durante la ceremonia, presidida por los reyes de España en el Paraninfo de la Universidad de Alcalá de Henares, Mendoza también se declaró un fiel lector de Cervantes y asiduo del Quijote, a cuyas páginas, confesó, acude con mucha frecuencia, y centró su intervención en cuatro de las relecturas que ha hecho a lo largo de su vida de la obra.

En su intervención desgranó, con muchas pinceladas de humor, lo que estas sucesivas lecturas del Quijote le han aportado a lo largo de su vida, desde la primera obligada en el colegio, donde casi contra su voluntad se rindió a su encanto, hasta la última, que emprendió de nuevo de “un tirón” al saberse ganador del premio que recibió este jueves.

De su primer contacto con Cervantes recordó Mendoza que la lectura del Quijote “fue un bálsamo y una revelación” y ello pese a que eran unos años en los que la figura del hidalgo había sido secuestrada por la retórica oficial para convertirla en el arquetipo de nuestra raza y el adalid de un imperio de fanfarria y cartón piedra.

También rememoró con cariño a todas las personas que le han apoyado en su carrera y tuvo unas palabras para dos: el poeta Pere Gimferrer -“me dio la primera oportunidad y es mi editor vitalicio y mi amigo incondicional”, dijo- y la agente literaria Carmen Bacells -“cuya ausencia empaña la alegría de este acto”, afirmó-.

Por su parte, el Rey Felipe, en su discurso, elogió a Eduardo Mendoza como “maestro en el manejo del idioma” y “verdadero biógrafo” de Barcelona, una ciudad que ha propiciado “un extraordinario ecosistema cultural” y donde, como en su obra, la convivencia entre el castellano y el catalán es algo natural.

El Monarca también ensalzó al escritor como un “verdadero artesano del lenguaje”, que usa como una herramienta de precisión ajustada a los diferentes registros idiomáticos de sus personajes para acercar al lector a diversas realidades, desde la de los diferentes grupos marginales a la de las clases altas, en diferentes épocas y en diferentes lugares.

El Ministro de Cultura, Íñigo Méndez de Vigo, defendió que parte de la grandeza de la prosa de Mendoza está en “ese limbo” que hace imposible tomarse totalmente en serio sus novelas, aunque sea todavía más imprudente tomárselas totalmente a broma.

“Es posible que su aportación más notable a las letras del momento sea esa lección: que leer a un autor es un ejercicio entretenido en sí y que nada obliga al lector a catalogar lo que está leyendo según unos parámetros previamente establecidos”, destacó.

A la ceremonia del Cervantes, además de los reyes, asistieron la vicepresidenta de Gobierno, Soraya Sáenz de Santa María; el director de la Real Academia de la Lengua, Darío Villanueva; y el director del Instituto Cervantes, Juan Manuel Bonet.

Entre la pequeña representación literaria, estuvieron los escritores Pere Gimferrer, Soledad Puértolas y Carme Riera.

Mendoza, de 74 años, es mejor conocido por su novela La verdad sobre el caso Savolta (1975) y La ciudad de los prodigios (1986).

El Premio Cervantes, dotado con 125 mil euros (alrededor de 2.5 millones de pesos), suele alternarse cada año entre escritores españoles e hispanoamericanos.

Presentan el libro “En el nombre sea de la patria” (FOTOS)

El gobernador Tony Gali y el presidente municipal Luis Banck, encabezaron la presentación del libro “En el nombre sea de la Patria, Puebla en el Proceso Constituyente 1913-1917”.

En su mensaje, el gobernador Tony Gali recordó que Puebla siempre ha sido un punto clave y representativo de la nación, por lo que celebró la edición de la obra que hoy se presenta, la cual contiene en el prólogo, la aportación del cronista Pedro Ángel Palou.

Durante el evento, el ejecutivo del estado y el alcalde de Puebla, entregaron la Cédula Real a Luis Maldonado, presidente de la Academia Nacional de Historia y Geografía (ANHG).

Asimismo, otorgaron este reconocimiento a la legisladora Cristina Gaytán, presidenta de la Comisión de Cultura del Congreso de la Unión.

El mandatario estatal resaltó que el conocimiento de la historia y el acercamiento a la cultura son fundamentales en el camino hacia el progreso, ya que se narran los valores e ideales de mujeres y hombres que recuerdan el carácter heroico de los poblanos.

En tanto, el presidente municipal Luis Banck, destacó la compañía en el Salón de Cabildos de Palacio Municipal, del gobernador Tony Gali.

“Hoy tenemos el grandísimo honor de que nos acompañé quien fue Alcalde muy querido de esta Ciudad, ahora investido como gobernador Constitucional del Estado de Puebla”, manifestó.

En el contexto del Centenario de la Constitución de 1917, el Alcalde Luis Banck, señaló que los diputados federales, Luis Maldonado Venegas y Cristina Gaytán Hernández, promotores del libro que hoy se expone, son a su vez destacados impulsores de la cultura en México.

“Luis ha realizado una prolífera labor, para difundir la historia, cultura y arte de nuestro país”, dijo. Agregó que la legisladora Gaytán, ha hecho una trayectoria de vida por la provisión de servicios básicos en comunidades de escasos recursos.

Asimismo, Tony Gali y Luis Banck reconocieron la trayectoria del Presidente del Consejo de la Crónica, Pedro Ángel Palou, por su aportación a la investigación histórica de Puebla.

El presidente de la ANHG, Luis Maldonado Venegas subrayó la gran labor de los mandatarios por hacer de Puebla un referente del turismo en el país y el mundo, “de Puebla se habla bien en todos lados y se muestra el interés de otros, por tocar esta tierra”, expresó.

El libro “En el nombre sea de la Patria, Puebla en el Proceso Constituyente 1913-1917”, narra la valiente y decidida actitud de los generales poblanos entre la usurpación de la presidencia por Victoriano Huerta. Cada texto describe la visión de quienes tomaron las armas y llamaron a la sociedad a defender la República ante el régimen huertista en la que la Sierra de Puebla y la capital, tuvieron un rol protagónico.

En el evento estuvieron presentes: Roberto Flores Toledano, Magistrado, Presidente del H. Tribunal Superior de Justicia del Estado; Mario Riestra Piña, Secretario General del Ayuntamiento; María Esther Torreblanca, Síndica Municipal; Jorge Cruz Bermúdez, Secretario General de la Academia de Historia y Geografía, así como el Editor del libro, Rodrigo Fernández Chedraui.

También asistieron los regidores: Oswaldo Jiménez, Coordinador de Regidores del Ayuntamiento; Gustavo Espinosa, Presidente de la Comisión de Patrimonio y Hacienda Pública del H. Ayuntamiento de Puebla y Miguel Méndez, Presidente de la Comisión de Turismo, Arte y Cultura del Ayuntamiento.


Fotos: Es Imagen / Ángel Flores

La ópera es un arte dinámico abierto a la experimentación: Sergio Vela

Por Manuel Bello Hernández

Convencido de que la ópera es una obra dramática expresada a través de la música, el director y concertista mexicano Sergio Vela aseguró que en pleno siglo XXI se trata de un concepto dinámico abierto a la experimentación.

“La ópera nunca ha sido un término cerrado que no admita replanteamientos, las técnicas multimedia y la amplificación son cuestionamientos que se hacen en torno al quehacer operístico, un arte vivo”, expresó el ex director de la Ópera de Bellas Artes.

El actual director del Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México que al ser un ente vivo, cabría cualquier experimentación que se haga en la ópera y podríamos decir que se trata de una ópera experimental, pero sigue siendo ópera.

Rechazó que el termino ópera se haya desvirtuado, por el contrario, indicó que se trata de un concepto dinámico, “porque es algo que está inmerso en la historia, entonces, evidentemente no puede cesar la manera en cómo entendemos y hacemos ópera, no puede ser la del siglo XVII, ni la del XVIII, XIX o XX”.

“Se trata de hacer obras de nuestro propio tiempo e ir evolucionando. Si Richard Strauss hubiera estrenado ‘Elektra’ en el siglo XVII seguramente lo hubieran metido a un manicomio, cuando lo hizo de cualquier manera pensaron que era un extremo, pero solo era una apertura a nuevas posibilidades”.

“A Wagner lo denostaron con ‘Tristán e Isolda’, incluso algunas audacias del propio Mozart fueron en su momento poco comprendidas. De tal manera que se trata de algo que va creciendo y mutando en el trascurso de los años”, explicó.

Respecto a los retos que actualmente enfrenta el quehacer operístico en México, Sergio Vela consideró que el principal problema no tiene que ver con la infraestructura sino con la estructura operativa.

El director y concertista comentó que en el país se cuentan con los teatros y recintos adecuados para montar obras operísticas, sin embargo falta establecer estructuras adecuadas para la gestión y programación anticipada, las reglas administrativas y los recursos económicos.

Vela expresó su confianza porque esta situación evolucione, “se trata simplemente de tomar conciencia que necesitamos hacer más y mejores cosas”, concluyó.

Colección Uriarte Talavera-UDLAP recorre Estados Unidos

“El Cinco de Mayo de 1862, Talavera Contemporánea” colección creada en 2012 con motivo del aniversario de la batalla del 5 de Mayo en Puebla, por Uriarte Talavera en colaboración con la Universidad de las Américas Puebla, continúa su itinerancia a cinco años de su inauguración. Este 2017 inició en la ciudad de Nueva York en el Instituto Cervantes, el pasado 1 de marzo, gracias al apoyo del consulado general de México en Estados Unidos, así como de la Secretaría de Relaciones Exteriores.

“El Cinco de Mayo de 1862, Talavera Contemporánea”, curada por la crítica e investigadora de arte Sylvia Navarrete, fue exhibida por primera vez en el Museo Franz Mayer en la ciudad de México; está formada por 64 piezas de talavera, así como 11 murales creados por 38 artistas de gran trayectoria nacional e internacional, 6 de los cuales son artistas UDLAP: Sergio González Angulo, Joaquín Conde, Miguel Pérez, Carmen Puente, Marna Bunnell y Aída Aguilera.

“La finalidad de esta muestra fue invitar a artistas que no tuvieran nada que ver con esta técnica y experimentar en ella, el objetivo era que todos aprendiéramos y renováramos el lenguaje de este tipo de técnicas tradicionales con la aportación de artistas contemporáneos. La Universidad de las Américas Puebla nos ayudó en sobremanera, con archivos gráficos, textos y bases documentales, a partir de las cuales, los artistas pudieron elaborar sus imágenes” expresó la curadora de la exposición, Sylvia Navarrete.

Durante el proceso creativo los artistas participaron junto a los artesanos de Uriarte Talavera, en la molienda de minerales puros para crear los colores, crearon formas de naturaleza escultórica en el torno, dieron espacio al secado de las piezas, lijaron y esmaltaron sus obras; para que finalmente estamparan el dibujo, lo delinearan y pintaran. La UDLAP además aportó archivos gráficos, textos y bases documentales, a partir de las cuales, los artistas pudieron elaborar sus imágenes.

Para acompañar la exposición, se realizó un catálogo ilustrado por Alejandro Magallanes y coeditado por RM, el cual incluye ensayos de Raúl Bringas, catedrático UDLAP, acerca de la Batalla del 5 de Mayo; así como un texto del escritor Mario Bellatín y de la curadora Sylvia Navarrete, en torno al proceso creativo de cada artista. La publicación contiene 200 reproducciones a color y en blanco y negro de las obras, tomas de los talleres de Uriarte Talavera y algunas relativas a la Batalla de Puebla; así como un DVD con el proceso de creación in situ de las obras.

La colección se ha presentado por diversos lugares de Estados Unidos como San Antonio y Brownsville, Texas, así como en Detroit, Michigan; y continuará haciéndolo, “sobre todo por la relevancia que ha tomado la vinculación con la comunidad latina en los últimos tiempos” explicó Marie France Desdier Fuentes.

Colombia conmemora muerte de Gabo con lectura de “Cien años de soledad”

Colombia conmemora el tercer aniversario del fallecimiento del Nobel de Literatura Gabriel García Márquez (1927-2017) con una serie de lecturas de fragmentos de la novela “Cien años de soledad”, la obra maestra del escritor colombiano.

Una de las principales conmemoraciones se realizará en Aracataca, su pueblo Natal, en donde se tiene programado conversatorios con escritores, compositores, familiares y amigos de García Márquez.

La poetisa mexicana, Edith H. Villanueva, es una de las invitadas especiales a los actos en Aracataca, en donde ofrecerá un recital en honor al autor de “Cien años de soledad” y “El coronel no tiene quien le escriba”.

En esta celebración el municipio de Aracataca también hara memoria a los 90 años del natalicio de García Márquez, los 50 años de la primera edición de “Cien años de soledad” y los 38 años de recibir el Premio Nobel de Literatura en 1982.

La Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI), por su parte, honrará a García Márquez en el tercer aniversario de su muerte, los 50 años de “Cien años de soledad” con lecturas colectivas que se harán en alianza con el Club de Lectura La Hojarasca, de Sinaloa, México, y la Carreta Literaria.

Esta actividad estarán abiertas al público y cuentan con el apoyo de la FNPI, el Instituto de Cultura y Turismo de Bolívar (Icultur), la Gobernación de Bolívar, el Instituto de Patrimonio y Cultura de Cartagena (IPCC) y la Alcaldía de Cartagena.

Las lecturas se realizan durante todo el día de este lunes en Cartagena y diferentes municipios del departamento de Bolívar, en el caribe colombiano.

“Esta lectura continua es una iniciativa del Club de Lectura La Hojarasca de Culiacán, Sinaloa, un colectivo que desde hace 15 años realiza un homenaje a Gabo en una semana cultural que lleva su nombre”, señaló la FNPI.

Retratan a Borges desde la caricatura

Intelectual, Nobel frustrado, filósofo, traductor. Muchas son las etiquetas que se pueden atar al escritor argentino Jorge Luis Borges, un personaje que, además de escapar a los límites de la literatura, fue y es lugar de revisión para artistas de otros ámbitos, incluidos los caricaturistas.

No es fácil retratar el caleidoscopio que era Borges desde una sola perspectiva. Por ello, desde este mes, a punto de cumplirse 31 años de su muerte, los muros del museo de arte gráfico e ilustración más importante de Buenos Aires, el Museo del Humor, se han llenado de creaciones gráficas que repasan desde la relación entre Borges e internet hasta sus lazos con los referentes culturales de la época.

“Fue una persona muy interesante para el artista plástico, para el caricaturista (…) en el sentido de que fue un personaje”, explicó Hugo Maradei, director del Museo del Humor de Buenos Aires, que acoge hasta el 14 de mayo la muestra Borges Ilustrado.

“Aparte de su gran valor literario, él era una persona conflictiva, políticamente incorrecta y que decía lo que se le venía a la mente y, en su tiempo, era muy nombrado por ese tipo de situaciones”, amplió.

La exhibición mezcla tanto los dibujos y caricaturas que retratan a Borges (1899-1986) como figura pública, como varias ilustraciones que, de una manera o de otra, se relacionan con su obra.

Entre las piezas expuestas destacan las xilografías realizadas por Antonio Berni, gran referente de la pintura argentina del siglo 20, para una edición en español de Hojas de hierba de Walt Whitman que fue traducida por el autor de El aleph.

“Ahí se dio la unión de dos de nuestros artistas máximos”, apuntó Maradei.

Si bien sus textos no fueron normalmente ilustrados, en la muestra hay originales de imágenes que acompañaron a libros como los Nuevos cuentos de Bustos Domecq, que Borges escribió junto con su gran amigo Adolfo Bioy Casares.

En ese apartado se ubican también las obras en las que el artista Carlos Páez Vilaró plasmó un “conventillo” uruguayo (vivienda colectiva de construcción precaria) y que después sirvieron a Borges de motivo para escribir el artículo “Los morenos”, en el cual hablaba de los habitantes de raza negra del lugar.

La vida cotidiana de Borges también tiene un lugar en la muestra gracias a una recreación del bar Royal Keller, que descansa sobre otra de las paredes del museo.

“Ahí se reunía la gente del grupo Florida -al cual pertenecía Borges-, que fue un grupo literario muy importante en los años 30”, compartió Maradei.

Pero más allá de la vida literaria e intelectual, Borges Ilustrado busca mostrar también al Borges “personaje” dentro de la sociedad argentina.

“Permaneció en el país y aparte se lo ligó más con una corriente de derecha”, explicó el responsable del museo al comparar al escritor con otros contemporáneos.

Ese Borges a la vez polémico y admirado aparece en forma de caricaturas, tanto antiguas como modernas.

Una de las más renombradas es la que hace alusión a su puesto de aspirante frustrado al Nobel de Literatura.

El caricaturista Andrés Cascioli le retrató con una careta para la revista Humor Registrado, una de las más importantes de su época, con motivo de la adjudicación del Nobel de la Paz a otro argentino, Adolfo Pérez Esquivel, en 1980.

“(Cascioli) hace la situación como si la única forma que le otorgarían el premio Nobel a Borges sería a través de que se ponga una careta de Pérez Esquivel”, detalló Maradei.

Los vínculos de Borges con la cultura van, sin embargo, más allá de su época, tal y como demuestra una premiada caricatura realizada por Alfredo Sábat para el diario La Nación en 2015, en la que una pupila convertida en “@” apunta a la relación entre su obra y la red.

“Ilustra un artículo que parangonaba a Borges, a través de su creación la Biblioteca de Babel, con el mundo de internet, con Google”, aportó Maradei.

La muestra pone así el acento en la trascendencia de Borges como artista, sabio y personalidad, como una figura irrepetible que fue capaz de ser a la vez especialista en las culturas más antiguas y adelantado a su época y a la nuestra.

“Eran gente que estaba más allá del bien y del mal y también más allá del común de los mortales, eran gente un poquito más superior que todos (…). Estas personas especiales aparecen una vez por siglo o dos por siglo en cada nación, con suerte”, concluyó Maradei.

Alfombristas exponen su arte en el museo de Santa Mónica (FOTOS)

Los reconocidos alfombristas de Huamantla, Tlaxcala, por tercer año consecutivo llevan su arte efímero a las salas y patios del Museo de Arte Religioso Ex Convento de Santa Mónica, donde presentan a los visitantes hermosas piezas alusivas al recogimiento propio de la Semana Santa.

Alejandro Lira, miembro del colectivo Alfombristas Mexicanos, en entrevista con Notimex, detalló cada una de las piezas que conforman esta muestra que debido a sus característica solo permanecerá hasta el viernes 28 de abril.

“La temática es, de acuerdo al Nuevo Testamento, sobre las siete casas que recorrió Jesús antes del Viacrucis, es decir, el recorrido que hizo desde el momento en que lo apresaron en el Monte de los Olivos hasta el momento en que lo colocaron en la cruz”, citó.

Cada una de las alfombras montadas simbolizan cada una de las siete casas, todo conforme a una investigación previa que desarrollaron desde enero pasado, después lo plasmaron en diseño, eligieron los elementos y los colores.

En el patio de Claustro los cerca de 20 artistas recrearon la Oración en el Monte de los Olivos. El espectador puede observar figuras abstractas y el rostro de Jesús haciendo oración al amanecer, y una alegoría al cielo amaneciendo, con estrellas, con luz y hojas de olivo.

En el siguiente claustro se presenta la Casa de Anás donde llega Jesús y es abofeteado e injuriado. Este tapete lo representan con colores que remiten a la violencia de Anás.

En la sala de Coro Bajo, para representar la Casa de Caifás, donde Jesús es condenado por los fariseos, los alfombristas optaron por representar esta escena en colores blanco y negro; mientras que en la sala de Coro Alto se exponen un tapete alusivo al momento en que Poncio Pilatos se lava las manos y condenan a Jesús.

En la sala Místicas y Coronadas se exhiben tres alfombras. Se trata de la quinta casa, cuando llegan ante Herodes y quien a manera de burla le coloca una nueva vestimenta; en la sexta casa le imponen una corona de espinas.

En la última casa de este museo federal, el visitante puede observar una obra de un cristo cargando una cruz, un diseño logrado con olotes de maíz de diversos colores.

Durante tres días de trabajo, 20 artistas voluntarios y originarios de Huamantla con elementos como olotes de maíz, arena, granillo y semillas en diversos colores han logrado plasmar esta exposición que está abierta al público desde el Viernes Santos, 14 de abril, hasta el próximo 28 de abril.

Abundó que la mayoría de los materiales son reciclados, toda vez que estos artistas recientemente participaron con una alfombra monumental titulada “Döni: Alfombra Jardín Efímero FYJA 2017”, la cual midió mil 500 metros cuadrados que estuvo en el Monumento a la Revolución, en la Ciudad de México.

“Este es el tercer año que participamos y cada vez el reto es mayor porque los temas van subiendo de complejidad, pero al final ese es el objetivo del colectivo que conformamos y que se llama Alfrombristas Mexicanos, el poder dar a conocer la expresión del arte efímero que es el alfombrismo como una actividad llena de valores que fomenta la tolerancia, el trabajo en equipo y que es incluyente, para poder expresar mensajes como comunidad”, destacó.

Por su parte, Víctoria Huitzil Alvarado, responsable del Área de Servicios Educativos del Museo de Arte Religioso Ex Convento de Santa Mónica, dio a conocer que es el tercer año consecutivo que los alfombristas de Huamantla, Tlaxcala, exponen su arte efímero.

Recordó que en el primer año el tema de la muestra fue “La Pasión de Jesús”, el segundo año fue “Judas de Semana Santa y la serie de los siete pecados capitales”, y este tercer año el título de la exposición es “La visita de las siete casas”.

“Como es arte efímero no lo podemos conservar por mucho tiempo, por ello la muestra solo permanecerá una semana, debido a que las alfombras están expuestas a la intemperie; la lluvia, el viento y el sol las deterioran”, acotó.

Los visitantes que acudan al Museo de Arte Religioso Ex Convento de Santa Mónica; de martes a domingo de 10:00 a 17:00 horas, también podrán disfrutar de recorridos guiados por el recinto, y las muestras temporales “Las puertas del libro”, y “Los Santos Patronos de Puebla”.

Por Ángeles González Bretón / NTX

Tres siglos de tatuajes en Nueva York

La tradición de los tatuajes, arte para unos, acto de rebeldía para otros y algo impensable para muchos, es el centro de una exhibición en Nueva York que cuenta la historia de una costumbre que se arrastra desde hace tres siglos.

Tattooed New York, en el Museo y Biblioteca Sociedad Histórica, cuenta al público a través de más de 250 piezas —fotos, pinturas, objetos, videos e instalaciones— 300 años del tatuaje en el territorio que ahora ocupa esta ciudad.

Los tatuajes, que hace más de un siglo eran vistos como algo de marginales, son algo común hoy en día y los muestran famosos, entre ellos Rihanna (que tiene más de veinte), Lady Gaga o Ricky Martin, Angelina Jolie, Scarlett Johansson o el futbolista David Beckham.

El mundo de la moda tampoco escapa a ellos, ya que son muchos los diseñadores los que los han llevado a la pasarela.

La exhibición hace un recorrido desde 1700, con los nativos americanos, como las tribus Iroquois, al norte de lo que hoy es Nueva York, que usaban el pigmento del hollín o molían minerales para tatuarse.

Lo hacían con frecuencia para celebrar triunfos militares, para protegerse durante una batalla, o como parte de sus rituales curativos o religiosos.

Flores, pájaros, mariposas, tigres, águilas, calaveras, diablos, mujeres, parejas, banderas o dibujos de motivos religiosos, entre muchos otros, figuran ente la gran variedad de diseños que elige una persona para tatuar su piel, desde la cabeza hasta el tobillo, como muestra Tattooed New York.

La exhibición recoge también cómo marineros y soldados no abandonaban un puerto o tierras lejanas sin llevar con ellos un tatuaje, como el de un dragón si había visitado China.

También eran símbolo de valentía, como la pantera, o la buena suerte, y entre los más populares estaban el gallo y el cerdo en el pie, para protegerles de ahogarse.

Tatuarse un ancla era símbolo de estabilidad y el de una brújula para indicar que siempre podrían navegar a casa.

Durante más de un siglo, los tatuajes permanecieron como una forma fácil, confiable e importante de identificar a los hombres en el servicio militar, incluyendo a aquellos que morían en batalla, destaca la muestra, que tiene como curador a Cristian Panaite.

Durante la Guerra Civil (1861-1865) Martin Hildebrandt, considerado el primer artista de esta tradición en Nueva York, tatuó los nombres de miles de soldados de la Unión y de la Confederación en sus brazos y pechos, señala además la exhibición.

Muestra también fotos de mujeres que, en pleno siglo 18, llevaban el cuerpo tatuado, desde el cuello hasta los tobillos, y se atrevían a mostrarlo, como Nora Hildebrandt, que lucía más de 365 diseños.

Hildebrandt se unió al circo Barnum & Bailey, siendo la primera mujer que lucía su cuerpo tatuado en Estados Unidos.

También se destaca a Mildred Hull, la primera y única artista en tener su tienda de tatuajes en el Bowery, un vecindario de Nueva York donde proliferó este arte en las barberías.

Hull tenía más de 300 tatuajes en su cuerpo, entre ellos 14 ángeles en su espalda y 12 geishas en sus piernas.

“Muchas mujeres tatuadas eran fuertes, independientes, que manejaron con destreza sus carreras”, sostiene el curador.

Entre los objetos que se exhiben está la primera “pluma eléctrica” inventada por Thomas Edison, que sirvió de base para la que fabricó Samuel O’Reilly en 1891, con la que revolucionó el mundo del tatuaje.

El 1 de noviembre de 1961 el Departamento de Salud declaró ilegal el hacer tatuajes, atribuyéndole los 13 casos de Hepatitis B surgidos.

Esa medida llevó a algunos artistas a mudarse fuera de la ciudad y a otros a la clandestinidad, trabajando desde sus hogares, una escena que también ha sido recreada con una instalación como parte de la exhibición.

No fue hasta más recientemente, en febrero de 1997, que se levantó la prohibición, una época en que surgieron varios artistas.

De acuerdo con el Museo y Biblioteca Sociedad Histórica, que mostrará la exhibición hasta finales de este mes, hay más de 270 estudios de tatuaje en ese ciudad, donde han venido muchas estrellas para conseguir el suyo.

Cumple 142 años la Academia Mexicana de la Lengua

La Academia Mexicana de la Lengua celebra este jueves el aniversario 142 de su fundación, que la convierte en la tercera más antigua de Latinoamérica, destacó la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

La emérita del Instituto de Investigaciones Filológicas de la máxima casa de estudios, Concepción Company, explicó que entre las funciones de la academia destaca estudiar la lengua, describirla, controlar en cierta medida sus irregularidades y generar herramientas como diccionarios y manuales.

Indicó que es una de las 22 academias de la lengua española del mundo, las cuales se agrupan en la Asociación de Academias de la Lengua Española, creada por iniciativa del expresidente Miguel Alemán Valdés, en 1956.

Sobre algunas de las labores que realiza, la universitaria refirió que se encuentran las consultas sobre el uso correcto de la lengua y se emiten recomendaciones.

“Se prefiere tal forma o es deseable usar una construcción y no otra. Una pregunta recurrente es: ¿cómo se dice haya o haiga?, ambas formas son correctas, pero si dice haiga en condiciones urbanas probablemente va a quedar marcado, pero si lo dice en un ambiente rural, no pasa nada”, indicó.

En un comunicado, la filóloga señaló que “lo que nos debe regir es el uso. Hay que estar orgulloso del español de México y estar orgulloso de que hablamos un dialecto distinto de los españoles”.

Indicó que la Real Academia Española no rige los usos de la lengua en México sino las academias locales, a través de la asociación, laboran en conjunto en un nivel de igualdad.

Precisó que esas entidades realizan funciones esenciales como la descripción de la lengua que se habla en cada país, qué las diferencia o qué comparten con el español general, además crean herramientas de consulta general como el Diccionario de la Lengua Española y los diccionarios identitarios, como el de Mexicanismos.

De igual forma, destacó la labor de miembros indigenistas al interior de la AML, pues a ésta institución también le interesa el patrimonio intangible que significan las 67 familias lingüísticas originarias de México, y que dan vida a casi 300 lenguas diferentes y sus vocablos que han enriquecido al español mexicano.

Además de estas labores, mencionó que una función social primordial de la AML es la adecuada aplicación de la lengua, dependiendo del contexto del hablante.

“Si yo llego a una entrevista de trabajo y digo: ‘Quihubo, ¿cómo estas, qué pasó mi buen?’, el señor que me hace la entrevista no me daría trabajo, porque no estoy usando el código adecuado para la situación comunicativa adecuada. El juego de la lengua es único, pero tiene subjuegos y hay que saber en qué situaciones usarlos”, finalizó.

Complejo Universitario alberga la exposición “Where Are U?”

“Where are U?” es el cuestionamiento que hace el artista César López con su exposición homónima, una propuesta artística que alberga la Galería de Arte del Complejo Cultural Universitario de la BUAP hasta el 21 de mayo.

Flavio Guzmán Sánchez, encargado de despacho de la Vicerrectoría de Extensión y Difusión de la Cultura de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP), reconoció las iniciativas que ha tenido el Complejo Cultural Universitario de promover el talento joven “pero particularmente el talento poblano, porque es algo muy importante y que está caracterizando a la Universidad”.

Destacó que esta obra está en diferentes partes, imágenes que van desde las salas de exhibición del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York hasta el Glaciar de Perito Moreno, en el Calafate, Argentina, fusionados con el colorido cabello de mujeres que observan obras de arte o la naturaleza.

El curador de la obra es Ernesto Bejarano, coordinador de museografía del Antiguo Colegio de San Ildefonso, quien explicó que “Where are U?” es un proyecto que lleva casi cinco años en desarrollo a partir de dos estancias que realizó el artista César López en Nueva York y Argentina.

La muestra se compone de 43 fotografías en diferentes formatos, cinco videos, 14 pinturas y una instalación con más de 400 fotografías de su cuenta de Instagram.

El proyecto está dividido en tres ejes temáticos. El primero denominado “Where are U?”, que da nombre a la exposición, es un proyecto fotográfico que inició en la residencia que hizo en Nueva York , tomando fotos en diferentes museos.

En esta parte incluye las visitas que hizo a las salas de exhibición del MoMA donde descubre una escena que se compone de dos elementos: la pintura “La noche estrellada” de Vincent van Gogh y una mujer que la observa, “la silueta de la mujer y el color de su cabello coinciden con la cromática y texturas del lienzo”, citó.

Esta parte también incluye fotografías de gran formato donde se muestran paisajes de otra residencia que hizo en Argentina, en la zona del Calafate en el Glaciar de Perito Moreno.

“Ante la ausencia de una modelo se retrata a sí mismo, recreando a la mujer imaginaria que ha fotografiado en múltiples ocasiones”, dijo.

La segunda parte es algo más íntimo del artista, el “Where am I?”, que es una respuesta de César López desde la pintura “un acto muy íntimo y personal” que expone por primera vez.

“Es la exposición más fotográfica que tengo, pero la asumo como una exposición de paisaje y reflexión. De eso se trata el arte, de siempre reflexionar”, comentó el artista César López.

Una tercera parte es una propuesta alternativa, un cuarto lleno de fotografías de su Instagram @patolini.

“El Instagram se ha vuelto como mi gimnasio para poder capturar y tener ojo. Graciela Iturbide me decía que hay dos tipos de fotografía: ‘la que se busca o la que se encuentra´. Y el Instagram me gusta porque es la que se encuentra, la democrática”, explicó.

La curaduría de la obra estuvo a cargo de Ernesto Bejarano, coordinador de museografía del Antiguo Colegio de San Ildefonso y responsable del montaje de la reciente exposición “Candida Höfer en México”.

La museografía es autoría de Gustavo Prado, subdirector del Foto Museo Cuatro Caminos, curador de exposiciones como “Pose. Fotografía de moda México hoy” y colaborador en proyectos como “Björk Digital México”.

La exposición estará abierta hasta el 21 de mayo y se podrá visitar de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas, en la Galería de Arte del Complejo Cultural Universitario de la BUAP. La entrada es gratuita.

La Decena Roja, novela basada en los primeros días de la Revolución Mexicana

La Universidad Iberoamericana Puebla, a través del Departamento de Humanidades, llevó a cabo la presentación de la novela corta La Decena Roja. El combate de la ciudadela narrado por un extranjero, escrito por Porfirio Barba Jacob en 1913 y recuperado por la editorial Cariátide, conformada por catedráticos de la institución.

El coordinador de la Licenciatura en Literatura y Filosofía, José Alberto Sánchez Carbó, agradeció la presencia de Marcos Daniel Aguilar y de Sebastián Pineda, catedráticos de la Ibero Puebla y miembros de Cariátide, editorial independiente que recuperó dicha novela, previamente ubicada en la Universidad de Harvard.

Marco Daniel Aguilar, coeditor, autor y reportero de televisión, inició su participación haciendo referencia al trayecto del escritor colombo-mexicano, Barba Jacob, quien basó su escrito en la perspectiva que obtuvo al presenciar los primeros diez días de la Revolución Mexicana en febrero de 1913, convirtiendo así su texto, en la primera novela escrita y publicada reflejando los sucesos llevados a cabo a través de la Revolución Mexicana.

Del mismo modo, Aguilar mencionó que Jacob fue un autor con gran influencia sobre los pensadores mexicanos más reconocidos como Alfonso Reyes Heroles, José Vasconcelos y sobre otros movimientos como el muralismo, con Diego Rivera.

Por su parte, Sebastián Pineda Buitrago, investigador, ensayista colombiano y catedrático de la Ibero Puebla, fue el encargado de realizar el prólogo de la novela en la edición publicada por la editorial Cariátide, de cual Sebastián forma parte. Pineda Buitrago habló acerca del contexto social, cultural y geopolítico en el cuál fue escrita la novela La Decena Roja.

Asimismo, Pineda Buitrago expuso una serie de fotografías capturadas a lo largo de los primeros días de la Revolución, mostrando un momento en la historia mexicana caracterizado por el fratricidio que se llevó a cabo, así como la presencia del presidente Francisco I. Madero en dichos sucesos y contrastándolo con las líneas escritas hace 100 años por Jacob. “Siempre resulta muy llamativo revivir a los autores a través de las presentaciones de libros”.

Por último, Ricardo Cuéllar, poeta colombiano, habló acerca del prólogo realizado por Sebastián Pineda, explicando a profundidad lo que éste expresa en sus líneas. La participación de Cuéllar se centró en la vida del autor, haciendo mención de algunas otras obras realizadas por Jacob y recitando fragmentos de varios de los poemas a manera de cierre.

Alberto Blanco gana Premio Xavier Villaurrutia de Escritores 2016

Por su obra “El canto y el vuelo”, una serie de 12 ensayos que exploran distintos tiempos y espacios con notable libertad imaginativa, el escritor mexicano Alberto Blanco resultó ganador del Premio Xavier Villaurrutia de Esceitores para Escritores 2016.

De acuerdo con el jurado, integrado por Jorge Aguilar Mora, Adolfo Castañón y Angelina Muñiz-Huberman, se trata de un libro singular, abierto a grandes e inesperados horizontes, a un mundo alimentado de ideas intensas y armadas con la sintaxis de realidades disímbolas, en el que se va de la ecología al sueño, de la pobreza al silencio, y del humor a la ciencia.

Sobre este reconocimiento, Blanco (México, 1951) explicó que el libro es el tercero de una poética que le llevó décadas de práctica, escritura, reescritura, lecturas, intuiciones, dudas, descubrimientos, consideraciones y reconsideraciones.

“Se podría decir que ‘El canto y el vuelo’ es una reflexión sobre la práctica de la poesía que ha tenido una larga, lenta y gozosa maduración, y que forma, junto con los dos volúmenes previos, un solo libro en realidad: “El llamado y el don” (2011), “La poesía y el presente” (2013) y “El canto y el vuelo” (2016).

En este sentido, el Premio Villaurrutia se puede entender como un reconocimiento al proyecto en su conjunto, consideró Blanco, quien detalló que el primer volumen reflexiona sobre las relaciones entre la poesía y una serie de temas enraizados en el pasado, como son el mito, el lenguaje, el significado, el conocimiento, la tradición, la escritura, la traducción y la inspiración”.

Centrándose en el aquí y ahora, en el segundo volumen de esta trilogía, profundiza en las relaciones de la poesía con otras artes, como la música, y sobre diversas facetas de las artes visuales: la imagen, el dibujo, el collage o la arquitectura.

Mientras que “El canto y el vuelo” se abre hacia el futuro, explora las relaciones entre la poesía y distintos campos, como la ciencia, la ecología, la pobreza, la velocidad, el margen, el humor, el azar, el yo, el sueño y el silencio.

La Coordinación Nacional de Literatura del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) recordó que Alberto Blanco es un autor que rebasa las fronteras de la poesía con su trabajo como artista visual, músico, ensayista y traductor.

Su obra ha sido traducida al inglés, francés, alemán, holandés, sueco, danés, búlgaro, rumano, ruso, italiano, japonés y portugués.

A lo largo de su trayectoria ha sido reconocido con los premios Iberoamericano Bellas Artes de Poesía Carlos Pellicer para Obra Publicada 1988, por “Cromos”, y Nacional de Literatura José Fuentes Mares 1989, por “Canto a la sombra de los animales”.