El Museo Amparo aloja la exposición “José de Ibarra, el lenguaje del afecto”

El Museo Amparo se complace en presentar la exposición José de Ibarra, el lenguaje del afecto, una revisión de la obra del artista a través de los afectos y su legado en el arte pictórico novohispano del siglo XVIII.

José de Ibarra (1685-1756), fue uno de los pintores novohispanos más importantes del siglo XVIII que impulsó cambios dentro del grupo de pintores de Ciudad de México, impulsando un cambio artístico al abordar la figura humana mediante una pincelada suelta y ligera, y representar rostros que expresan diversas emociones.

Haciendo una interpretación a través de los afectos, las curadoras Paula Mues Orts y Berenice Pardo Hernández presentan la obra de José de Ibarra, quien en su técnica y a través de los gestos de rostros y de manos, así como de una paleta cromática que exalta los sentimientos, exploró otras maneras de comunicar las emociones. Esta exposición monográfica se centra en el reconocimiento y explicación de esas herramientas plásticas e intelectuales.

José de Ibarra, el lenguaje del afecto muestra obras de distintas colecciones públicas y privadas, entre las que destacan la Colección del Museo Amparo, Biblioteca Palafoxiana y Basílica Catedral de la Inmaculada Concepción en Puebla, así como templos de Guanajuato y Ciudad de México, y obras del Museo Nacional de Arte, Museo Nacional de Historia y de la Catedral Metropolitana.

Esta exposición pretende aportar reflexiones profundas pero ágiles y didácticas sobre el papel del pintor José de Ibarra como promotor del cambio pictórico en su momento y de la modernización de un lenguaje pictórico sistematizado, el cual transmitió de manera efectiva la complejidad de las emociones: afectos y pasiones.

En las Galerías 1 y 2 del Museo Amparo se presentan seis núcleos temáticos que ayudan a aproximarse a los afectos, al estilo personal de José de Ibarra y a su legado en la pintura novohispana del siglo XVIII, estos son:

1. Afectos y pintura. Introduce a la obra de José de Ibarra a través de una relación con sus contemporáneos y las representaciones de los afectos en la pintura.
2. En busca de un lenguaje personal. Presenta obras de distintas épocas pictóricas del artista desde sus primeros trabajos hasta su lenguaje de madurez.
3. Prestigio y patrocinio. Ejemplifica cómo el reconocimiento del artista le consiguió alianzas con clientes de gran importancia que impulsaron su carrera.
4. Academias: estudio de modelos y pasiones. Muestra la adopción de modelos italianos y franceses modernos ligados a una academia pictórica independiente que José de Ibarra congregó.
5. Legados pictóricos. Expone la forma en que la representación de los afectos fue un lenguaje común entre los maestros de Ibarra y algunos de sus discípulos.
6. Afectos: gesto y color. Presenta tres obras paradigmáticas del pintor en el uso del color y la gestualidad para comunicar y evocar emociones.

José de Ibarra, el lenguaje del afecto se exhibe en las Galerías 1 y 2 del Museo Amparo hasta el 23 de mayo de 2022. La exposición contará con un programa público impartido por diferentes especialistas.

José de Ibarra (Guadalajara, 1685 – Ciudad de México, 1756)
Nació el 16 de abril de 1685, fue hijo de afrodescendientes, ambos libres. Su padre, cirujano barbero, mudó a la familia a Ciudad de México hacia 1700, ya viudo. Este cambio subió su estatus social y, desde entonces, fueron nombrados españoles, aunque eran mulatos. El primer maestro de Ibarra fue el también mulato Juan Correa, aunque después trabajó como
oficial con los hermanos Nicolás y Juan Rodríguez Juárez. Ellos promovieron una academia de pintura que heredaría Ibarra y que tendría consecuencias importantes para el arte. Su taller fue reconocido por miembros del clero, intelectuales y colegas. Tuvo gran fama de retratista y entre los artistas del pincel fue un líder intelectual y profesional.

INAH reconoce tesis sobre importancia del efecto emocional de las pinturas novohispanas durante su restauración

Una composición efectiva, la gestualidad expresiva y una paleta cromática armónica son elementos que distinguen la obra del pintor novohispano José de Ibarra (1685-1756), los cuales logran transmitir afectos y emociones, pero también son herramientas para entender el proceso creativo y contemplar las particularidades plásticas y artísticas de una obra durante los procesos de restauración, a fin de realizar una intervención más ética y crítica.

Esta propuesta, plasmada por la estudiante de la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía (ENCRyM), Huguette Palomino Plaza, en su tesis de titulación en la Licenciatura en Restauración, fue acreedora a la mención honorífica en los Premios INAH, otorgados por el Instituto Nacional de Antropología e Historia, en el área de Conservación de Bienes Muebles.

Bajo el título Intención, afectos y colorido: la secuencia técnico pictórica de José de Ibarra, la investigación de la restauradora sobre la labor creativa del artista nacido en Nueva Galicia, hoy Guadalajara, propone una metodología de aproximación a la pintura de este artista que, según ella, podría aplicarse en los trabajos de algunos pintores novohispanos del siglo XVIII, contribuyendo a una mejor conservación del patrimonio pictórico de esa centuria.

Para la egresada de la ENCRyM dicha mención en el Premio INAH Paul Coremans, la enorgullece por tratarse de un trabajo al que dedicó mucho tiempo. Tras salir de la escuela en 2015, enfrentó situaciones complicadas como la gestión de los análisis que se reflejan en su proyecto, aunado a la contingencia sanitaria derivada de la covid-19, que ocasionó que sus asesores quedaran varados en Europa, retrasando la conclusión de su propuesta; “estoy muy contenta de recibir este reconocimiento”.

El objetivo inicial de su tesis, comentó, era analizar la técnica de manufactura y proceso pictórico del pintor novohispano, a través del estudio de una de sus series pictóricas sobre la vida de la Virgen María, proveniente de la Capilla de la Comprensión de Tlacotes, en Zacatecas, e integrada por 11 obras que fueron restauradas en la ENCRyM, de 1997 a 2002 y de 2015 a 2017.

A partir de los informes de dichas intervenciones, reunió gran cantidad de datos derivados de la metodología de acercamiento a las obras, resultado del Seminario Taller de Restauración de Pintura de Caballete de la escuela, la cual contempla análisis visuales y organolépticos, observación con luces especiales, toma de muestras, identificación textil y de maderas, microquímica y radiografías.

Sin embargo, detalló que para articular y dar sentido a estos escritos, se apoyó en la obra del historiador del arte Michael Baxandall, quien concebía los cuadros como una fuente rica y compleja, los cuales requieren un estudio de su contexto histórico y artístico para ser comprendidos del todo.

“Por ello, me di a la tarea de organizar y ampliar las investigaciones preexistentes de los estudiantes, con base en la tratadística de la época, de autores europeos, principalmente españoles como Francisco Pacheco, Francesco de Lana y Antonio Palomino, cuya obra conoció Ibarra. Retomé la estructura de El Arte Maestra, tratado italiano traducido por el pintor novohispano para ordenar cronológicamente el proceso creativo en cuatro capítulos: Invención, Diseño, Colorido y Maneras de pintar”, detalló.

En el análisis realizado, Palomino Plaza hizo énfasis en la secuencia de los estratos pictóricos, en la comparación con las recetas de los tratados, en la observación a simple vista de los efectos logrados y en una interpretación subjetiva del efecto emocional que se buscaba transmitir.

“En mi primera hipótesis destacaba el concepto de secuencia técnico-pictórica, para saber, en orden cronológico, cómo fue el proceso de creación, pero me di cuenta de cuán importante era la parte de la intencionalidad y los afectos del autor, y de cómo lograba una pintura más emocional y efectiva, en cuanto al mensaje que emanaba de la misma”.

De esta manera, la obra restaurada y la materia son la base para la reconstrucción del proceso creativo, de manera análoga al uso del concepto de “unidad potencial” que menciona el teórico de la restauración Paul Philippot, donde la pintura en su estado deteriorado es el principal fundamento para prever con solidez el estado al que será restituida.

Con este paralelismo, la restauradora propuso una serie de consideraciones, como realizar un análisis que contemple la imagen potencial, las intenciones, los afectos y el colorido, entre otras, necesarias para el tratamiento de obras del artista o de su círculo cercano.

“Es necesario desarrollar una sensibilidad particular para reconocer los recursos plásticos, artísticos y estéticos que se buscan conservar en una restauración que prioriza el juicio crítico y que pretende evitar falsos históricos por la falta de atención a veladuras, perspectivas, luces y sombras, volúmenes y recorridos visuales, características trascendentales en la carrera artística de Ibarra y de los pintores de las academias independientes del siglo XVIII”, puntualizó.

Ibarra fue alumno de los hermanos Juan y Nicolás Rodríguez Juárez, pintores novohispanos que estuvieron relacionados con la creación de academias independientes (antes que la de San Carlos) desde finales del siglo XVII, de las que José de Ibarra fue uno de los principales impulsores.

“Una de las conclusiones de la tesis fue darme cuenta del uso que Ibarra hacía del color, además, el tema de cada obra está bien planeado en términos de composición, la que se ve determinada por el tipo de gestualidad, de rostros y manos de los personajes, para poder transmitir un mensaje particular, pero el colorido es lo principal de su obra”, finalizó.

La Capilla del Arte UDLAP impulsa el arte a través de su agenda cultural en línea

Este espacio cultural ofrece una amplia cartelera cultural que cada mes reúne el talento de grandes artistas de diversas disciplinas

Capilla de Arte espacio cultural de la Universidad de las Américas Puebla continúa promoviendo el arte y la cultura a través de sus plataformas digitales, por lo que este 2022 arrancó con una serie de actividades divididas en sus tradicionales Miércoles Musicales, Viernes de Movimiento y Domingos Creativos.

Este espacio cultural, caracterizado por su variada oferta, inició el 2022 con una cartelera llena de eventos especiales, todos con grandes enseñanzas y talento. En primer lugar, la Capilla del Arte UDLAP inició con el taller Pigmentos y Colores el cual tuvo como objetivo, mostrar de manera rápida y concisa cómo crear una obra de arte a través de pigmentos naturales, posterior a esto y en conjunto con Cultura UDLAP albergó el concierto en línea con los ganadores del MetOpera Laffont Competition, Distrito México.

Así mismo, en su primer Miércoles Musical del año contó con la participación del guitarrista Frank Vergara quien interpretó How sad I am without you de Viktoriia Lihashevska y Asturias de Isaac Albéniz, mientras que en su primer Viernes en Movimiento se presentó la Videodanza 2042 a selfish study de la estudiante de Danza Nadia Guavi y el 16 de enero se estrenó la primera parte de la cápsula El meme como arte. Esta semana Capilla del Arte UDLAP, en el marco de Viernes de Movimiento, proyectará la pieza de videodanza “Dos historias” de Fátima Morales, la cual representa una metáfora de la dualidad en una persona. Por su parte, el domingo 23 de diciembre contará con un taller de gráfica desde casa impartido por Diana Paola estudiante de Artes Plásticas de la UDLAP.

Finalmente, para cerrar el mes de enero, la Capilla del Arte UDLAP presentará otro taller de la mano de Diana Paola estudiante de Artes Plásticas sobre grabado, también continuará la segunda entrega de la cápsula El meme como arte, así como una videodanza titulada Yo tenía un cuerpo, realizada por la estudiante de Danza Nadia Guavi y el evento virtual: Una flor en la laguna (suite Montebello) de Julio César Oliva/ Otoño porteño (cuatro estaciones porteñas) de Astor Piazzolla. Todos estos eventos están disponibles en su página de Facebook https://www.facebook.com/CapilladelArte

Gracias a esta constante gestión e impulso del arte local y nacional, Capilla del Arte UDLAP cuenta ya con un amplio repertorio virtual de talleres, charlas, videodanzas y festivales tal como Cameralia 18° Festival de Música de Cámara 2021, los cuales están disponibles de manera gratuita a través de su página de Facebook oficial https://www.facebook.com/CapilladelArte/videos

Si deseas conocer más sobre las actividades culturales de la Universidad de las Américas Puebla visita: https://www.udlap.mx/eventos/

IMACP presenta el «Primer encuentro de Maricahi Poblano»

Se transmitirá en las redes sociales del IMACP del viernes 21 al 23 de enero del 2022.

En reconocimiento a la trayectoria de los músicos del género regional mexicano, el Ayuntamiento de Puebla, a través del Instituto Municipal de Arte y Cultura (IMACP) realizará el “Primer encuentro de Mariachi Poblano”, para festejar con motivo de su día internacional y difundir esta tradición acústica y vocal al público poblano, mexicano y extranjero.

Facebook será la plataforma que la ciudadanía podrá visitar desde las 12:00 horas del 21 de enero para conocer sus historias y legado en la ciudad de Puebla mediante un corto documental, para Eduardo Rivera Pérez, Presidente Municipal, fomentar este tipo de actividades es de suma importancia para conservar la identidad y las tradiciones.

El viernes 21 de enero a las 19:00 horas será la presentación del mariachi “Alma Ranchera”, el sábado 22 de enero 12:00 horas será el turno de “Real de México” y “Mariachi Puebla”, mientras que a las 19:00 horas participará la agrupación de mujeres “Femenil Mariachi Puebla”, concluyendo el encuentro con el “Internacional Mariachi Puebla”.

Cabe destacar que el mariachi está inscrito desde 2011 como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, la declaratoria por parte de la UNESCO se denomina “El Mariachi, música de cuerdas, canto y trompeta”.

Seis películas mexicanas participarán en el Festival Internacional de Cine de Berlín

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine), presenta al talento mexicano que participarán en el Festival Internacional de Cine de Berlín en su edición número 72º, que se llevará a cabo del 10 al 20 de febrero de 2022 con actividades en línea y presenciales en la capital alemana.

En esta edición del festival, México participa con seis producciones: dos nacionales y cuatro coproducciones internacionales; de estas dos son cortometrajes y cuatro, largometrajes. Además, seis jóvenes promesas del cine mexicano participarán en el programa Berlinale Talents y cinco productores, en el Programa de Visitantes del Mercado de Coproducción.

En la Selección oficial en competencia participará la película mexicana Manto de gemas (México / Argentina / EUA, 2021), de Natalia López Gallardo, ficción apoyada por el Fondo para la Producción Cinematográfica de Calidad (Foprocine) y el Estímulo Fiscal a Proyectos de Inversión en la Producción y Distribución Cinematográfica (Eficine Producción), que tendrá su premier mundial en este evento. En esta ópera prima, tres personajes enfrentan la violencia del crimen organizado: Isabel ayuda a encontrar a la hermana desaparecida de su ayudante; María quiere recuperar a su hermana y Roberta, comandante de policía, busca sacar a su hijo del narcotráfico.

En la sección Panorama participará la nueva entrega de la directora Alejandra Márquez Abella, El norte sobre el vacío (México, 2022), que recupera la historia del ya legendario Alejo Garza Tamez, el empresario y cazador de Tamaulipas que en 2010 enfrentó al crimen organizado para no perder su rancho. Esta película también fue realizada con el Eficine Producción.

La sección Generation Kplus cuenta con dos títulos mexicanos: la premier mundial de El reino de dios (México, 2022), de Claudia Sainte-Luce, en el que Neimar, un niño que vive en el campo, atraviesa una disyuntiva entre la fe y la desilusión; y el cortometraje Alma y Paz (México / EUA, 2021), premier internacional de Cris Gris, sobre el vínculo íntimo de una niña con su madre muerta.

Por su parte, en la sección Generation 14plus, que presenta películas para audiencias juveniles, tendrá su premier europea Beba, coproducción entre Estados Unidos y México, de Rebeca Huntt. Esta película sigue los pasos de una adolescente latinoamericana que vive en Nueva York y en un ácido coming of age (proceso de maduración de un personaje joven) descubre las herencias históricas, sociales y generacionales que ha heredado.

Finalmente, en la Sección Berlinale Shorts participa Four Nights, de Deepak Rauniyar, coproducción con Estados Unidos y Nepal que narra la historia de dos nepalíes que llegan a Estados Unidos en pos de lograr sus sueños como creadores de cine.

El cine mexicano también participará en las actividades para la industria de este festival. En el programa Berlinale Talents, plataforma para establecer relaciones de negocios (networking), habrá presencia de seis jóvenes colaboradoras y colaboradores de la industria nacional: Arturo Salazar, Kevin Smithers, Miguel Ángel Sánchez, Fabiola Santiago, Analía Goethals y Regina Serratos.

En el Programa de Visitantes del Mercado de Coproducción, el cual incluye a productores de todo el mundo que buscan aumentar sus conocimientos sobre coproducción internacional, participarán, con apoyo del Imcine, las y los productores mexicanos: Ana Laura Calderón, Gabriela Maldonado, Juan Manuel Sepúlveda, Carlos Hernández y Gabriel Stavenhagen.

Por su parte, el Imcine contará con un stand virtual dentro del European Film Market (EFM) para apoyar la presencia del talento mexicano y promocionar recientes producciones nacionales ante diversos actores de la industria cinematográfica internacional. Debido a la emergencia sanitaria, todas las actividades de la industria se llevarán a cabo en línea del 10 al 17 de febrero.

Directoras ya consagradas, creadoras y creadores emergentes y talentos de distintas ramas de la industria continúan proponiendo una amplia diversidad de temas, tonos y miradas que caracterizan a la cinematografía mexicana. Con la participación de estas seis producciones en el 72° Festival Internacional de Cine de Berlín, el cine mexicano sigue dando muestras de su novedad, su actualidad y su diversidad en las pantallas del mundo.

Desarrolla la UNAM un catálogo novedoso de retablos novohispanos

En América, el patrimonio retablístico es abundante; México ocupa un lugar importante por el número de retablos novohispanos que se conservan en los centros históricos de ciudades episcopales como la Ciudad de México, Puebla, Oaxaca y San Cristóbal de las Casas; al igual que de la antigua y la nueva Guatemala, en el vecino país del sur, afirmó Franziska Neff, del Instituto de Investigaciones Estéticas (IIE) de la UNAM.

Conjuntan arquitectura, escultura y pintura, y ahí radica su riqueza; constituyen una parte esencial del legado cultural del antiguo virreinato de la Nueva España en diversos países del continente. En ellos se despliegan la ornamentación y el gusto barrocos, con marcadas características de identidad de las diferentes regiones, lo cual indica procesos de intercambio y apropiación de formas y discursos, añadió.

La universitaria investiga el “Repertorio ornamental y estrategias compositivas de los retablos en Hispanoamérica, siglos XVII y XVIII”, mediante el cual elabora un catálogo –hasta el momento es el que contiene más información adicional–, de 170 piezas de México y de Guatemala.

La meta de ese registro, explicó la experta, además de ofrecer material para que los académicos realicen investigaciones en la materia, es contribuir a la difusión y conservación del patrimonio cultural; incluye los de centros históricos de ciudades episcopales (que cuentan con una catedral) del antiguo virreinato de la Nueva España (Ciudad de México, Puebla, Oaxaca y San Cristóbal de las Casas en nuestro país, al igual que de La Antigua y la Nueva Guatemala, en el vecino país del sur).

El principal aporte del proyecto es la sistematización de la información en un catálogo con base en registros fotográficos, dibujos de alzados y de plantas, así como dibujos de detalles arquitectónicos; el boceto es la herramienta principal por su capacidad de síntesis y facilidad de reproducción. Además, se acompaña con investigación formal y comparativa de los retablos, que aportará datos novedosos y abrirá vías de investigación.

En este caso, el material que se reúne es más amplio del que se suele usar en otros catálogos porque a la ficha y a las panorámicas se anexan otras representaciones visuales; “hacemos dibujos de las plantas de los retablos, de los ornamentos, para que sirvan de material para la investigación.”

Con las representaciones visuales que estamos agregando, queremos proporcionar material para que se pueda investigar, por ejemplo, con base en comparaciones estilísticas, y determinar las morfologías, características en un sitio y en diferentes regiones, además de realizar atribuciones a talleres o entender los intereses de quienes los encargaban, etcétera, abundó la especialista universitaria.

El trabajo, que a partir de 2019 cuenta con el financiamiento del Programa de Apoyo a Proyectos de Investigación e Innovación Tecnológica de la UNAM y concluirá en breve, originalmente incluía también el registro de este tipo de obras en Lima y Cusco, Perú, durante el año pasado; sin embargo, debido a la pandemia no se pudo realizar en campo por lo que se integró a San Cristóbal de las Casas, Chiapas, que se registrará en la última etapa de la investigación.

Se eligieron las referidas urbes, detalló la especialista, porque donde había una catedral existía un centro artístico; generalmente los mejores creadores trabajaban ahí, porque era el lugar más prestigiado.

Neff y sus colaboradores de diversos países latinoamericanos (incluyendo Brasil), reunidos en un seminario de especialistas en Historia del Arte, Arquitectura y Restauración, registraron importantes intercambios de información. “Los artistas se movían entre ciudades episcopales, y lo pudimos comprobar. Una colega en Guatemala ha encontrado evidencias de que llegaron a esa ciudad algunos provenientes de Oaxaca”.

La historiadora del arte mencionó que la mayoría de las pinturas y esculturas que se conservan de la época virreinal formaban parte de los retablos, esenciales para el culto en los templos y cuyo estado de conservación es variable. Además, aunque en general son una representación del cielo y se parecen, cada uno tiene su individualidad: podemos diferencias entre regiones, los de Guatemala son distintos a los del centro de México.

Hay templos que tienen uno solo; otros llegan a 11. Sus estilos son, principalmente, estípite (con soportes en forma piramidal invertida, con ornamentos) y salomónico (con columnas helicoides; es decir, en forma de espiral, enroscadas en sí mismas).

Franziska Neff mencionó que en la elaboración del catálogo se sorprendieron con los detalles: al momento de analizar las fotografías y hacer los dibujos encontramos cómo se concebían los ornamentos. Es impresionante la variedad y lo ingenioso de la forma en que se lograron, cómo los artistas van jugando y desafían la forma arquitectónica. El tema del retablo, determinado por la imagen central, de Cristo, la virgen María o un santo, se apoya por el tipo de formas que hay en la Arquitectura y los ornamentos; existe un diálogo pensado y diseñado. Están hechos de manera inteligente.

Lo interesante, prosigue, es que no son obras de un solo artista. “No siempre sabemos quién se encargó de qué parte; el ensamblador debería hacer la estructura; el tallador los ornamentos; el pintor, las pinturas, y el escultor, las esculturas. El dorador recubría con láminas de oro, al final. Pero muchas veces un artista podía tener diferentes oficios”, argumentó la universitaria.

Ejemplos destacados de la riqueza retablística incluida en el trabajo se encuentran en sitios como la Catedral de México, los templos de Regina Coeli y Santo Domingo, en el centro de la capital de la República Mexicana; en Puebla, la Parroquia de San José y la iglesia de Santo Domingo; y en La Antigua, Guatemala, la iglesia de San Francisco.

Este registro digital estará albergado en el Archivo Fotográfico Manuel Toussaint del IIE, con acceso a investigadores; por ahora es un proyecto cerrado, pero en el futuro se podrían agregar más ciudades episcopales u otros sitios, aunque para eso se requiere tiempo y recursos, reconoció Franziska Neff.


Fotos: UNAM

El INEHRM ofrece en 2022 oportunidades para impulsar la reflexión histórica

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Estudios Históricos de las Revoluciones de México (INEHRM), dará continuidad en 2022 al reconocimiento e incorporación de los movimientos y actores sociales fundamentales de las transformaciones de México.

En este marco, destaca la conmemoración del centenario de la muerte de Ricardo Flores Magón, precursor indiscutible de la Revolución mexicana, quien fue un incansable luchador social, defensor de la causa de las y los pobres de México y de todo el mundo, y una de las cabezas más visibles de un amplio movimiento social en el que participaron cientos de mujeres y hombres de distintas regiones del país y de diferentes orígenes: obreros, campesinos, mineros, artesanos, comerciantes y profesionistas.

La conmemoración del centenario luctuoso de Ricardo Flores Magón tendrá su momento culminante el 22 de noviembre, pero a lo largo del presente año, el INEHRM llevará a cabo Coloquios académicos, pondrá en línea un micrositio en su página web, ofrecerá varias publicaciones, exposiciones, programas de radio y elaborará, para sus redes sociales, contenidos temáticos digitales.

Otras conmemoraciones históricas se sumarán en 2022, el 5 de mayo, el 160 aniversario del triunfo republicano en la batalla de Puebla. El 18 de julio, el 150 aniversario de la muerte de Benito Juárez García. El 21 de agosto, los 180 años de la muerte de Leona Vicario. El 8 de septiembre, el 160 aniversario luctuoso del general Ignacio Zaragoza, por mencionar algunas, ofreciendo a las y los historiadores una oportunidad idónea para la reflexión.

Cabe recordar que Ricardo Flores Magón, junto con sus hermanos Jesús y Enrique, y sus compañeros del Partido Liberal Mexicano contribuyeron a desenmascarar los crímenes y la represión del régimen porfirista, así como las injusticias del sistema social imperante.

Fueron también quienes formularon el programa revolucionario más completo y radical, que contemplaba las principales demandas económicas, políticas y sociales en favor de las clases trabajadoras.

A través de su prensa y propaganda, de sus ideas antiporfiristas y anarcosindicalistas, formaron a una generación de luchadores sociales que tomaron consciencia de la realidad de la mayoría de la población pobre mexicana y decidieron comprometerse para transformarla.

En línea con los ejes de trabajo de la Secretaría de Cultura por impulsar la preservación del patrimonio histórico, el INEHRM, además, contempla en el presente año dar seguimiento a la conformación del Archivo de Historia oral de los movimientos sociales desde la segunda mitad del siglo XX.

Este proyecto incluye actores del Movimiento de Liberación Nacional, el ferrocarrilero, médico, magisterial, estudiantil, del sindicalismo independiente, la Guerra Sucia, el movimiento campesino, indígena y urbano popular, la Teología de la Liberación, el feminismo, y la Comunidad LGBTTTI+, con el objetivo de no dejar a nadie atrás.

Los temas de historia de las mujeres, de los pueblos originarios, de migración y minorías estarán incorporados en coloquios académicos, micrositios, publicaciones, exposiciones, programas de radio, contenidos digitales.

También, están programadas actividades de Investigación y divulgación histórica en diversas entidades del país, impulsando la descentralización la oferta cultural. Historias locales, libros infantiles sobre personajes y procesos traducidos a lenguas originarias.

Por otra parte, el INEHRM, como integrante de la Comisión Presidencial para la Conmemoración de Hechos, Procesos y Personajes de México, colabora con otras dependencias gubernamentales como la Secretaría de Educación Pública, la Secretaría de Gobernación y el Instituto Nacional para las Mujeres.

Es importante destacar que, durante 2021 el Instituto llevó a cabo 115 actividades académicas, brindó 87 asesorías históricas a los tres niveles de gobierno, publicó 57 libros electrónicos para su descarga gratuita y otorgó 24 estímulos y premios a la investigación histórica, con estas acciones impulsó la reflexión, la investigación y difusión de la historia y la cultura nacionales, y contribuyó a la formación de una sociedad crítica y participativa que valore la realiidad pasada y presente, en el marco de las transformaciones nacionales.

Presenta Cultura exposición “Mirada Ancestral. Arte en 3D”

Está integrada por 29 obras del artista poblano, Bernardino Cerqueda, la cual estará vigente hasta el 20 de febrero en el Museo Regional de Cholula

En el Museo Regional de Cholula, la Secretaría de Cultura presenta “Mirada Ancestral. Arte en 3D”, una exposición integrada por 29 obras del artista poblano, Bernardino Cerqueda, la cual permanecerá hasta el 20 de febrero de este año.

Las obras son realizadas en materiales como óleo y pintura acrílica sobre tela, además de figuras de barro policromado, que representan al México antiguo a través de un mural Maya, la serpiente totonaca, el perro esquematizado, el paraíso de Tláloc y la serpiente bicéfala, por mencionar algunas.

El autor de esta exposición, Bernardino Cerqueda, ha llevado a cabo un extenso trabajo social desde hace algunos años, lo que le ha permitido ser reconocido a nivel nacional, incluso algunos de sus trabajos están enfocados al apoyo a reclusos del Centro de Reinserción Social (Cereso) de San Miguel, donde les acercó la pintura.

La versatilidad de su obra permite ser apreciada en diferentes condiciones, tanto en luz natural como bajo los efectos de luces ultravioleta para observarla en tercera dimensión con lentes especiales, lo que constituye una corriente poco explorada, en la cual, el artista ha innovado con su esencia al ser pionero en México.

Para más información sobre los horarios de la exposición, las y los interesados pueden visitar la página de Facebook: Museos Puebla y Twitter: @PueblaMuseos.

Juan O’Gorman más allá de estereotipos

El legado del arquitecto Juan O’Gorman fue el de artista visionario, con profundo amor por México, mostró su belleza más allá de los estereotipos y cuya obra es parte del circuito de Ciudad Universitaria (considerado Patrimonio Mundial de la Humanidad), aseguró Julieta Ortiz Gaitán, del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM.

Al recordarlo en el 40 aniversario de su fallecimiento (18 de enero), la experta en Historia del Arte dijo que como un seguidor de Le Corbusier puso en práctica la idea de una arquitectura austera que siguiera principios básicos, con construcciones elevadas del suelo, fachadas libres, espacio interior sin compartimentar y azoteas habitables.

“O’Gorman fue un artista muy completo de la primera mitad del siglo XX mexicano, pues además fue pintor. Como arquitecto su obra fue muy significativa porque dio inicio a la arquitectura funcionalista, que viene a hacer a un lado todo el concepto de arquitectura llena de ornamentos”, enfatizó la investigadora.

Bajo estos principios construyó grandes proyectos, entre ellos 26 escuelas primarias en la Ciudad de México, su propia casa en San Jerónimo (la cual fue demolida años después), el reconocido Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo (sus grandes amigos) y la Biblioteca Central de Ciudad Universitaria (CU).

Nació en 1905 en Coyoacán, fue hijo del irlandés Cecil Crawford O’Gorman y hermano del reconocido historiador Edmundo O’Gorman. Estudió arquitectura en la Academia de San Carlos y la Facultad de Arquitectura de la UNAM.

Se sumó a la construcción de CU, la cual marca un hito en la arquitectura al integrar la plástica con arquitectura, pintura y escultura. Con su obra “La Representación Histórica de la Cultura” definió el paisaje de esta casa de estudios, donde mostró su amor por el legado cultural de México, sin estereotipos, afirmó la especialista.

Su creación mide casi cuatro mil metros cuadrados y cada cara del edificio narra una etapa histórica de nuestro país; 99 por ciento del mural está realizado con 150 tipos de piedras de diferentes clases y colores, y solo para el color azul se utilizó vidrio triturado.

“Es una obra de arte y él fue por toda la República consiguiendo piedras de colores para recubrir la Biblioteca, pues pensaba -y no se equivocaba- que para un mural que estaba a la intemperie debía usar una técnica resistente a la lluvia, el aire, la contaminación, y por eso optó por los mosaicos que son teselas, una técnica antiquísima”, recordó la investigadora.

Ortiz Gaitán destacó que aún es posible admirar parte de su trabajo público en avenida Universidad y Eje Central: el mural “Canción a la Patria”, en donde fueron oficinas de la entonces Secretaría de Comunicaciones y Transportes, edificio afectado por los sismos de 1985 y 2017. Actualmente se estudia la manera de rescatar este legado.

Además, O’Gorman ayudó en la planificación del Museo Anahuacalli y, pese a su éxito y reconocimiento, en 1937 dejó la arquitectura para dedicarse por completo a la pintura, por lo que elaboró el “Retablo de la Independencia” así como el “Retablo de la Revolución (Sufragio efectivo no reelección)”, que se encuentra en el Museo Nacional de Historia del Castillo de Chapultepec, manifestó.

También se puede apreciar una réplica de “La conquista del aire por el hombre”, en el Aeropuerto de la Ciudad de México, única parte reconstruida de la obra que el artista creó en 1937 donde representó a Hitler y a Mussolini como serpientes, por lo que las autoridades mexicanas le pidieron cambiarlo; ante su negativa fue desmontada, recordó la investigadora.

La experta en lenguajes artísticos relacionados con el nacionalismo y la identidad, resaltó su visión a futuro, la cual quedó plasmada en su pintura donde mostró lo aprendido en la Academia de San Carlos para manifestar sus inquietudes sociales y nacionalistas.

“Pese a que su papá era muy buen pintor al temple, O’Gorman siempre dijo que su verdadero maestro había sido Diego Rivera, también por su afinidad con Diego y Frida en sus ideales socialistas, y no solo eso, sino el gusto que tenían por revalorar todo lo mexicano en cuanto al arte y la cultura”, subrayó la universitaria.

Además de los grandes murales, de su obra de pequeño formato destacan piezas como “Recuerdo de los Remedios” (1943) o su “Autorretrato” (1950), este último donde plasmó su dualidad de arquitecto y pintor. También hay múltiples obras y dibujos de su hija y de su esposa, algunos de los cuales se pueden contemplar en el Museo de Arte Moderno, o apreciar impresiones en catálogos del Instituto Nacional de Bellas Artes, el Instituto Nacional de Antropología e Historia o Fomento Cultural Banamex.

Estas piezas, añadió Ortiz Gaitán, son más difíciles de apreciar por ser privadas, varias de ellas por encargos, que pertenecen a familias. Sin embargo, la grandeza de su creación de gran formato, especialmente la que se aprecia en Ciudad Universitaria, motivó que el trabajo de O’Gorman sea considerado Patrimonio Artístico de México y que su obra en la Biblioteca Central forme parte de la zona central de Ciudad Universitaria, considerada Patrimonio Mundial de la Humanidad.

La experta universitaria expuso que al final de su vida, sus óleos expresan una gran angustia en sus formas, motivos y paisajes oníricos, muy fantasiosos, y fue de los primeros que anticipó el desastre ecológico que estamos viviendo al poner en sus piezas las fábricas envenenando el paisaje, en lo que llamaba el futuro de la sociedad capitalista.

“Poco a poco se dio cuenta de cómo la urbanización sin planeación avanzaba indistintamente y ver cómo se deterioraba el ambiente y, como estaba en contra de la sociedad de consumo y capitalista, veía las fábricas cómo contaminaban con sus chimeneas; se daba bien cuenta de lo que estaba pasando, y nadie le hacía caso, pero lo valioso del arte es que quedan los testimonios de la obra”, reflexionó Ortiz Gaitán.

En sus últimos días el artista se encontraba deprimido pues su casa de San Jerónimo, la cual estaba insertada en la lava y tenía numerosos motivos con mosaicos, fue destruida por quien compró el inmueble; a esto se sumó el fallecimiento de Frida Kahlo y Diego Rivera, por lo que sentía que su vida iba en declive y también que era incomprendido por varios de sus colegas debido a sus posturas ideológicas, hechos que lo llevaron a decidir el fin a su existencia.

Medio siglo de crítica social a través del cine

A partir de enero de 1972, los 137 minutos de 24 imágenes por segundo cambiaron la historia de la cinematografía: “La Naranja Mecánica” (A Clockwork Orange), del director Stanley Kubrick, se situó como una crítica social permanente a través de una obra artística universal, que el 13 de enero cumplió medio siglo de su estreno.

Así lo expone Adriana Chávez Castro, comunicóloga, crítica y maestra en cine documental por la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC) de la UNAM, quien asegura que la prohibición de la cinta durante casi tres décadas, la volvió mítica.

“Lo que hace especial al filme es la dirección de Stanley Kubrick, la creación de toda una atmósfera, una estética que tiene mucho que ver con la onda psicodélica de los años 60, y ahora como obra de arte universal se ha vuelto atemporal: continúa funcionando porque nos sigue haciendo sentir”, expresa.

La también integrante de la Secretaría de Extensión Académica de la Facultad de Filosofía y Letras (FFyL), quien dirige el cineclub de dicha entidad académica, añade que es una de las grandes obras maestras del séptimo arte, por la innovación en el lenguaje cinematográfico, además de su proyección y crítica social.

“El trabajo meticuloso de Kubrick queda constatado en cada escena, por ejemplo ‘Alex’, el personaje protagónico de este filme, tiene que aventarse desde cierta altura, por lo que para dicha toma se sabe que Stanley lanzó solo la cámara grabando para representar y darle credibilidad a la caída con un POV (cámara subjetiva)”, relata.

Cítrico social

De acuerdo con Chávez Castro, “La Naranja Mecánica” no es solamente la adaptación innovadora de una novela escrita al cine (original de Anthony Burgess), sino el tratamiento estético sonoro con temas y adaptaciones musicales de Henry Purcell y Ludwig van Beethoven.

Cambia la estética de otras, cada toma, cada encuadre tiene sentido en la obra, porque su director era un gran conocedor de las formas cinematográficas, además que en cada escena existe esa crítica social, acota la experta.

“La película retoma el tema de la ultraviolencia, pero básicamente de fondo tiene dos tópicos: la crítica y emprender esta revisión de cómo el libre albedrío puede llegar al ser humano; esta posibilidad de elegir entre el bien y el mal”, destaca.

Aborda la historia de Alex, joven que integra dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el jefe de la banda de los Drugos, quienes aterrorizan su entorno. Es detenido y en prisión se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación, que pretende anular drásticamente su conducta antisocial. La cinta fue tan importante que hasta después de la proyección, el libro se empezó a popularizar.

“Sin duda es un largometraje polémico debido a que después del estreno hay jóvenes en el Reino Unido que tratan de imitar la hiperviolencia, y es incluso cuando Kubrick y su familia reciben amenazas de muerte. Por ello, no se presenta en su momento en festivales, aun cuando cuenta con nominaciones al Oscar, se trunca su exhibición, porque él mismo la retira y es hasta 1999, cuando fallece, que vuelve a circular”.

No solo es la violencia por la violencia, ataja Chávez Castro, es un trabajo que apela a hacernos pensar y reflexionar. Vemos incluso esa crítica visual a los regímenes totalitarios de la primera mitad del siglo XX, por lo que invito a las generaciones que no conocen esta película a que se acerquen y encontrarán en el pasado “un futurismo extraño”.

Es curioso, dijo Alex, representado por el actor Malcolm McDowell, en una escena, quizá premonitoria: “cómo los colores del mundo real solo parecen verdaderos cuando los ves en una pantalla”…“Dios prefiere al hombre que elige hacer el mal, antes que al hombre que es obligado a hacer el bien”…“¿acaso soy un animal o un perro? (…) ¿No soy más que una naranja mecánica?”.

Composición de egresado UDLAP será interpretada en el Carnegie Hall

La obra Pierrot Microbusero del compositor Aarón González Hernández, egresado de la Licenciatura en Música de la Universidad de las Américas Puebla, será interpretada en el Carnegie Hall como parte de la muestra que prepara el Constantinides New Music Ensamble.

Aarón González Hernández, originario de Puebla y orgulloso egresado de la UDLAP, se encuentra actualmente becado por la Universidad Estatal de Luisiana (LSU) donde cursa el segundo año de la Maestría en Composición Musical bajo la tutela de la Dra. Mara Gibson. En entrevista, el compositor poblano, compartió que su obra será interpretada en conjunto con otros colegas compositores de la LSU e integrantes del Constantinides New Music Ensamble como parte de un concierto que fue programado para abril de 2022. “Para mí, este concierto representa mucho y estoy muy contento, este es un pequeño paso de toda una carrera que quiero construir, estoy anonadado de la oportunidad que representa esto para mi futuro profesional”, resaltó.

Respecto a su composición Pierrot Microbusero, el egresado UDLAP destacó que su pieza se contextualiza en dos partes, en primer lugar, responde a la obra Pierrot Lunaire de Arnold Schoenberg, cuyo ensamble estaba constituido por flauta, clarinete, violín, chelo y piano, “ese fue el estándar que se implementó a lo largo del siglo XX y que fue desarrollándose y teniendo ciertas modificaciones. Actualmente el ensamble que yo ocupo es una versión extendida del mismo con flauta, clarinete, cuarteto de cuerdas, piano y percusiones”, explicó Aarón González Hernández.

En segundo lugar, compartió que es importante entender el concepto de microbús que es un método de transporte público común en América Latina, en el que la persona que lo conduce «el microbusero», tiene un playlist muy particular para facilitar su jornada laboral. “Pierrot Microbusero fue elaborada bajo la premisa que yo como compositor fuera el microbusero de todas las personas que experimentarán esta obra en particular. Por lo tanto, utilizando un conjunto del ensamble pierrot, la pieza pretende ser una amalgama de múltiples estilos comúnmente asociados con la música pop / jazz. Especialmente los que se pueden encontrar en América Latina”, explicó.

Respecto al proceso creativo de esta pieza, compartió que realizó particularmente esta obra para poder participar en la selección de composiciones para este concierto. “El concepto de la obra ya lo venía desarrollando desde unos meses antes, intentando implementar música latinoamericana en un ensamble académico-tradicional, todos esos bocetos que realicé antes, me permitieron terminar esta obra en cuatro días”, afirmó. Finalmente, remató mencionando que el objetivo final de su composición “es realmente borrar esta división entre lo que es la música popular y académica”, esta vez en una propuesta que empalma los elementos primarios de cada género que crea algo nuevo.

Actualmente, debido a su estancia que realiza en Estados Unidos, Aaron González Hernández es coordinador del seminario de composición de la LSU y asistente del coordinador del Constantinides New Music Ensemble. Cabe la pena resaltar que durante su estancia en la UDLAP fue parte del programa de Becas Artísticas de la UDLAP, el cual ha beneficiado a jóvenes artistas que como Aaron González destacan por su talento y compromiso con las artes.

Retoma Cultura funciones del ciclo de cine “Akira Kurosawa”

Del 18 al 22 de enero, la Cinemateca “Luis Buñuel” proyectará siete largometrajes, cuya entrada será gratuita

Del 18 al 22 de enero, la Secretaría de Cultura retomará las funciones del ciclo de cine “Akira Kurosawa”, una selección de siete largometrajes japoneses que serán proyectados en la Cinemateca “Luis Buñuel”.

Este ciclo de cine consta de películas dirigidas por el cineasta Akira Kurosawa, considerado por expertos en cine como uno de los realizadores de mayor influencia a nivel mundial, quien es conocido por emplear en sus trabajos lentes de teleobjetivo, obsesionado por el encuadre, la luz y el vestuario.

Durante el ciclo de cine, las y los ciudadanos podrán apreciar cintas como: “La leyenda del judo”, “Yojimbo el mercenario”, “Vivir”, “Escándalo”, “Los siete samuráis”, “Barba roja” y “Kagemusha: La sombra del guerrero”.

El acceso a la Cinemateca “Luis Buñuel”, ubicada en la 5 Oriente número 5, colonia Centro, es gratuito. Para más información sobre la programación de las películas, las y los interesados pueden consultar la página web http://sc.puebla.gob.mx/cartelera?filter_category=3, así como las redes sociales Facebook: Cinemateca Luis Buñuel Puebla y Twitter: @Cinemateca_Pue.

Molière, escritor universal siempre de actualidad: Claudia Ruiz García

A la sátira, crítica y mordacidad de las obras de Jean-Baptiste Poquelin, verdadero nombre de Molière (15 de enero de 1622-17 de febrero de 1673), habría que añadir una característica más: su actualidad, que lo hace ser un autor muy ameno.

El dramaturgo francés “aborda temas que han estado presentes a lo largo de la historia de la humanidad, los mismos problemas, las mismas debilidades de la naturaleza humana que presentan su rostro más desagradable, pero al mismo tiempo, el más cómico. Y todo lo que hace reír merece seguir siendo representado”, afirmala académica de la Facultad de Filosofía y Letras (FFyL) de la UNAM, Claudia Ruiz García.

En efecto, uno de los escritores más universales y traducido a todas las lenguas logró “corregir las costumbres riendo”, como lo señala la expresión latina Castigat ridendo mores, referente a la comedia y la sátira que ponen en ridículo los vicios y defectos humanos, en este caso de la Francia del siglo XVII.

A 400 años del nacimiento de Molière, la licenciada en Lengua y Literaturas Modernas (francesas) por la UNAM, maestra en lingüística por la Université Stendhal III (Grenoble, Francia), y doctora en Letras por esta casa de estudios, menciona que como otros clásicos Poquelin se estudia porque sigue respondiendo interrogantes, porque nos sigue “hablando”.

Por ejemplo, en la comedia “El enfermo imaginario”, para uno de los personajes –caricatura feroz de un médico–, toma un modelo que existe en la realidad en ese momento, un famoso doctor de La Sorbona que está en guerra con los partidarios del cartesianismo y que dice que hay que seguir estudiando a Aristóteles y aprendiendo de memoria. Este modelo podría ser universal, el del conservador, aquel que no quiere incorporar el nuevo conocimiento porque “la tradición dice que tiene que ser así”.

Cuando vemos otra de sus comedias, “Tartufo”, recordamos que a los falsos devotos también los vemos hoy en día por todos lados; “basta ver lo que ocurre en la Iglesia, el doble discurso, para pensar que ese universo está plagado de hipócritas que por un lado hablan de santidad, y por otro, cometen abusos”, menciona la profesora de la FFyL.

Con Molière, añade la universitaria, pasa como con otras grandes figuras, como Shakespeare: su presencia es tal, que opaca a todos los posibles dramaturgos que en su época intentaban hacer representaciones o escribir teatro, y que se quedan a “medio camino”. Es un autor que pasó a la posteridad y cuyos personajes se han quedado en la tradición.

En el teatro de los siglos posteriores, XVIII y XIX, imaginar a algún otro dramaturgo que pudiera estar por encima de Molière no es posible, porque no existe, asegura la experta.

El también actor vivió una situación privilegiada, porque tampoco tuvo rivales en su época. “Es un caso único, como aislado en su siglo, y por eso toda la crítica teatral se concentra en él para decir que ‘es muy hábil en cierto aspecto’, que logra ‘crear un rito en el teatro que es inigualable’, o que ‘el dominio de la especificidad en el lenguaje de cada personaje es fabuloso’”.

Eso permitiría justificar la posición que alcanzó como gran autor de comedia del siglo XVII en Francia, un periodo que se puede equiparar con el Siglo de Oro Español. Así como en España hubo grandes dramaturgos, como Calderón de la Barca o Tirso de Molina de quienes fue lector, Molière creó una especificidad para el caso del teatro francés.

Hoy, existen una serie de adaptaciones de sus obras al cine o, incluso, su biografía novelada, que pueden darnos una visión de este autor irreverente, que integra al teatro una serie de polémicas filosóficas de su tiempo, poniéndolas a nivel accesible para todo el público, porque a sus representaciones no sólo asistía la Corte francesa; en el teatro había también personas de pie, en gayola, hasta atrás, y todos reaccionan ante las situaciones cómicas y serias de sus puestas en escena.

Molière escribía, actuaba, dirigía y hasta llegaba a tener el personaje protagónico. Su repertorio es vastísimo, señala Claudia Ruiz, incluye obras cortas y largas, escritas en verso o prosa. Podía hablar de un falso devoto, de un nuevo rico, un hipocondriaco, un tacaño o un cornudo, “defectos” inherentes a la naturaleza humana, pero que él va “vistiendo” de una manera fabulosa.

El tema de los médicos es importante en su obra y está presente hasta el final de su vida, en “El enfermo imaginario”, que se considera una obra emblemática. Otro tema que viene y va es el de los celos, mediante personajes inseguros, que sufren, que tienen miedo de que las mujeres los traicionen, abunda Ruiz García.

Otro de sus temas es el acceso femenino al conocimiento; en “Las mujeres sabias” hay discusiones acaloradas, actuales, inteligentes, entre protagonistas que no quieren asumir el papel de amas de casa y prefieren dedicarse a la ciencia o la filosofía; y en el otro lado de la moneda está “Las preciosas ridículas”, terrible crítica a esas mujeres que le ponen precio al amor o la amistad. En “La escuela de las mujeres” los padres quieren mantener a las hijas en total ignorancia, porque saben que la educación puede ser un factor de emancipación.

Integrante de una familia acomodada, como hijo de un tapicero de rango en la Corte, Jean-Baptiste Poquelin pronto tuvo claro que no quería ejercer el oficio de su padre; desde muy joven había conocido la pasión del escenario, de escribir e improvisar, y decidió dedicarse al teatro.

Tuvo altibajos; algunas de sus obras fueron aceptadas por la crítica y el público, y otras condenadas; hay una parte de su producción donde sus piezas son “ácidas”, tristes, en contraste con los divertimentos, farsas y comedias, a los que estaba acostumbrado el público, añade la doctora en Letras.

El escritor tuvo la gran fortuna de contar con el aprecio de Felipe I de Orleans, hermano del rey Luis XIV de Francia, quien también asistió a sus presentaciones teatrales. Esa protección, que al final de su vida le había sido retirada, fue decisiva para que pudiera tener un entierro digno (ya que en esa época los actores no podían ser sepultados en el cementerio), luego de morir a causa de tuberculosis. Su epitafio, escrito por él mismo, dice: “Aquí yace Molière, el rey de los actores. En estos momentos hace de muerto y de verdad que lo hace bien”.

BUAP Librerías abre talleres literarios

A partir del 17 de enero de 2022 iniciarán los Talleres Literarios en BUAP Librerías del Complejo Cultural Universitario de la BUAP. Son 12 opciones que incluyen: Redacción contemporánea, Guion literario cinematográfico, Cómo se escribe una canción, Novelas cortas, Narrativa visual, Las mejores cuentistas sudamericanas, Introducción a la escritura poética, Paseos literarios, Novela, Construcción de los sujetos femeninos, Pensar el tango y Filosofando.

Los talleres se impartirán en diez sesiones presenciales, cada clase de dos horas, una vez a la semana, en la Librería del CCU de la BUAP. El objetivo de los talleres es promover la creación y apreciación literaria.

Los lunes se impartirán los talleres Redacción contemporánea, a cargo de Jorge Méndez Núñez, donde los participantes se aproximarán a la organización, corrección y apuntalamiento de ideas a través del lenguaje escrito; y Guion literario cinematográfico, con Elvira Ruiz Vivanco, quien llevará a los alumnos a escribir y “tallerear” un guion. Los martes corresponderán a Cómo se escribe una canción, con Aletya Serrano, para crear la letra y musicalizarla; y Novelas cortas, con José Luis Prado, en el cual se introducirán a la lectura de las novelas cortas para motivar la escritura.

Los miércoles se abrirán los talleres Narrativa visual, con Joaquín Ríos, para fortalecer las capacidades de lectura de comprensión, escritura creativa y la expresión verbal; Las mejores cuentistas sudamericanas, con Damiana Leyva, en el cual conocerán el trabajo de ocho escritoras sudamericanas; e Introducción a la escritura poética, con Mijaíl Lamas, en el cual adquirirán las herramientas críticas para la comprensión y la práctica de la escritura poética.

Los jueves habrá tres opciones: Paseos literarios, dedicado a la obra del escritor argentino Roberto Arlt, “El diamante oculto de la literatura argentina”, impartido por Federico Jesús Flores; Novela, donde se desarrollarán habilidades y conocimientos para escribir una novela bajo la tutela de Benjamín Sandoval Zacarías; y Construcción de los sujetos femeninos, donde se analizarán las obras de cuatro escritoras mexicanas para identificar la construcción de sujetos femeninos y la configuración de roles de género, con Nancy Granados Reyes.

Los viernes se ofertarán los talleres Pensar el tango, en el cual conocerán con la guía de Federico Jesús Flores las producciones e intermitencias del género en cada periodo; y Filosofando, con Francisco Javier Iracheta, donde se familiarizarán con la historia de la filosofía, su aplicación en la vida y cotidianidad.

Los talleres están dirigidos al público en general, estudiantes y profesionistas que quieran conocer más acerca de los temas que se impartirán. Las inscripciones ya están abiertas en BUAP Librerías del Complejo Cultural Universitario, de lunes a domingo, de 10:00 a 20:00 horas. Para mayor información pueden comunicarse al 222 229 5500, extensiones 2665 y 2661, o en la página www.complejocultural.buap.mx

La política cultural de México tiene resonancia en el ámbito internacional: Alejandra Frausto

La secretaria de Cultura federal, Alejandra Frausto Guerrero, dio a conocer detalles sobre la participación de México como sede de la Conferencia Mundial sobre las Políticas Culturales (Mondiacult), la cual se celebrará del 28 al 30 de septiembre de 2022, con actividades en el Complejo Cultural Los Pinos y el Auditorio Nacional.

En conferencia de prensa, la encargada de la política cultural del país recordó que México es sede de este encuentro, el año que se conmemora el 40 aniversario, y cuyos objetivos se enmarcan en la política cultural del presidente Andrés Manuel López Obrador.

“Forma parte del trabajo que hemos venido realizando, de gestionar políticas que ponen a la cultura como un eje de transformación, de beneficio para la humanidad y como un derecho humano; reconociendo la diversidad cultural y a la inclusión como una de las mayores fuerzas de la humanidad. Todo este camino ha valido para que México sea sede, luego de 40 años, de un evento de la mayor relevancia en el ámbito multilateral como lo es Mondiacult”, señaló.

Durante el encuentro, que surge como una oportunidad de revisión y análisis de las políticas culturales de las últimas cuatro décadas y de los nuevos paradigmas que el sector cultural enfrenta a nivel mundial, México aportará al diálogo el tema de cultura comunitaria, el cual tiene como propósito promover el ejercicio de los derechos culturales de personas, grupos y comunidades, principalmente de aquellas que habían quedado al margen de las políticas culturales.

“El ejemplo que nosotros aportamos con el tema de cultura comunitaria está siendo retomado en otros en otros lugares del mundo”, dijo Frausto Guerrero e informó que actualmente la Secretaría de Cultura está por inaugurar tres semilleros creativos internacionales, que se encontrarán en las ciudades de Detroit, en Michigan, y en Washington D.C., en Estados Unidos, y en París, Francia.

“Esperamos aportar este trabajo comunitario en aquellas zonas que lo necesitan, pues no solo aquí se viven desafíos de desigualdad, de abandono en la sociedad y entonces esto comienza a tener resonancia internacional”.

Alejandra Fraustro Guerrero comentó que en Mondiacult se abordarán los temas de: cultura para la paz: la cultura como un elemento de transformación social y unidad entre las sociedades; la diversidad como la mayor riqueza de la humanidad; el reconocimiento y defensa de los derechos colectivos, ni una lengua menos; así como la fraternidad entre las naciones y la lucha contra el tráfico ilícito de bienes culturales.

Al respecto, el director General de Promoción y Festivales Culturales de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, Pablo Raphael de la Madrid, señaló que tras el encuentro, en el que participarán los 190 países miembros de la UNESCO, además de naciones no miembros, se producirá un pacto global que definirá las estrategias en material cultural para los siguientes años.

“También tendremos una línea de trabajo que se sumará para antes del encuentro; realizaremos una serie de foros internacionales asociados a los distintos temas del propio Mondiacult. Y con el objetivo de abrir la discusión pública, se van a hacer dos ejercicios, el primero va a ser Resiliart, que es un ejercicio de conversaciones que la UNESCO viene realizando y también trabajaremos en un ejercicio que se llama Micrófono abierto, donde la ciudadanía, los artistas, los creadores, académicos y las organizaciones podrán ir presentando propuestas”, detalló.

De la Madrid señaló que, aunado a las jornadas de trabajo con los ministros de cultura invitados, Mondiacult 2022 ofrecerá actividades culturales y mesas de discusión, las cuales también podrán ser vistas a través de medios digitales, lo que permitirá un ejercicio híbrido.

Convocatorias IMCINE

Durante la conferencia de prensa, la secretaria de Cultura, Alejandra Frausto Guerrero, habló de los beneficios que el Programa de Fomento al Cine Mexicano (Focine). Nuevas rutas, nuevas historias, mostró en su primer año de operación, en el marco de la presentación de las 12 convocatorias de 2022.

“Se pensó que al desaparecer los fideicomisos no habría una herramienta para el fomento y la promoción del cine mexicano, pero esta nueva herramienta que se construyó de manera muy eficaz y contundente, con mayor presupuesto; está dando buenas noticias en cuanto a la presencia, la producción y el trabajo del cine mexicano”, indicó Fraustro Guerrero.

Recordó que bajo el principio rector de no dejar a nadie atrás y no dejar a nadie fuera, Focine es un sistema de apoyos y estímulos que tan solo en 2021 benefició a 134 proyectos tanto para producción como exhibición y preservación de acervos cinematográficos.

“El desarrollo del cine parte desde un buen guion, desde la preparación de un proyecto, y tiene que ver con el reflejo de la diversidad cultural de México, también con la posibilidad de filmar, realizar películas, exhibirlas, verlas y termina en la audiencia y en la promoción internacional de este trabajo, en la preservación de estos acervos. Todo esto se conforma en lo que es ahora el Programa de Fomento al Cine Mexicano (Focine)”, precisó.

Por su parte, la directora del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), María Novaro Peñaloza, recordó que del 10 de enero al 10 de febrero de este año están activas las 12 convocatorias del Focine, las cuales trabajan en tres vertientes: Apoyos a la producción, con nueve convocatorias; Apoyos a la Exhibición, con dos convocatorias, y Apoyo a la preservación de acervos, con una convocatoria.

De igual manera, explicó que el Focine, en sustitución del Fidecine y Foprocine, ha dado resultados contundentes, pasando de entre 30 y 40 películas beneficiadas a 75 tan solo en 2021.

Asimismo, señaló que a diferencia del esquema anterior, ahora se beneficia a producciones de cada género en una convocatoria distinta; además, se apoya a cortometrajes, óperas primas y cine para las infancias, de manera separada, así como a proyectos de exhibición y preservación del patrimonio audiovisual y cinematográfico de México.

“Estas convocatorias son importantísimas para el crecimiento del cine mexicano y para garantizar el derecho de todos los mexicanos para ver su propio cine”, afirmó María Novaro.

Por ser referente de identidad, Cultura premia a poblanos como “Tesoros Humanos Vivos”

La convocatoria distingue a hombres y/o mujeres mayores de 70 años por su contribución y compromiso en la conservación del patrimonio cultural inmaterial

Por su aportación a la preservación del patrimonio cultural inmaterial, la Secretaría de Cultura reconoció como «Tesoro Humano Vivo» a los señores Hilario Gregorio Pinzón y Raymundo Pérez Mendoza, quienes recibieron un estímulo económico de 60 mil pesos cada uno.

La dependencia emitió la convocatoria “Tesoros Humanos Vivos”, que distingue a hombres y/o mujeres mayores de 70 años, quienes son un referente de identidad y de valores significativos para su comunidad, por su contribución y compromiso comunitario en la conservación del patrimonio cultural inmaterial.

Del municipio de Huaquechula recibió el reconocimiento Raymundo Pérez, quien nació el 23 de enero de 1945. Dentro de su comunidad es un artesano distinguido por su trabajo y desempeño en la fabricación de objetos como las ceras escamadas utilizadas en las festividades en honor a los muertos, una práctica arraigada a las creencias de la región.

Este galardón también lo recibió Hilario Gregorio Pinzón, originario de Magdalena Yancuitlalpan, comunidad de Tochimilco, quien nació el 28 de febrero de 1949. Por su amplio conocimiento en las tradiciones de su comunidad, hoy es reconocido como pieza fundamental en el rescate de las danzas tradicionales y promoción del bordado a nivel regional.

De esta manera, la Secretaría refrenda su compromiso con la sociedad para poner en alto el valor de la trasmisión de saberes a los miembros más jóvenes de las comunidades en las 32 regiones de Puebla y, con ello, favorecer la salvaguarda de los elementos inmateriales que aportan identidad.

Con develación de busto, Cultura rinde homenaje al cronista Pedro Ángel Palou

El secretario de Cultura, Sergio Vergara, en compañía de los familiares del periodista y escritor mexicano, colocó también una ofrenda floral

Con la develación de un busto del profesor Pedro Ángel Palou Pérez, la Secretaría de Cultura rindió homenaje al cronista y reconoció su trayectoria en el impulso a la cultura en Puebla, lo anterior en el marco de su cuarto aniversario luctuoso.

En la entrada de la Casa de la Cultura, misma que lleva el nombre del historiador, el titular de la dependencia, Sergio Vergara Berdejo colocó una ofrenda floral y posteriormente develó el busto de bronce que elaboró el escultor y cronista de Zacapoaxtla, Tizoc Ramos.

En compañía de los familiares del periodista, cronista y escritor mexicano, el funcionario reconoció la labor que desarrolló durante varios años en materia cultural, convirtiéndose en un eslabón fundamental para la preservación de tradiciones y el patrimonio de la entidad.

Pedro Ángel Palou Pérez fue el primer secretario de Cultura del gobierno de Puebla, fue miembro de la Academia Nacional de Historia y Geografía Académica, recibió la distinción de Doctor Honoris Causa por la Universidad Iberoamericana, entre otros premios, fundó el Instituto Cultural Poblano y la Casa de la Cultura de Puebla, además escribió numerosos libros.

El Imcine abre las 12 convocatorias del programa Focine 2022

La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Mexicano de Cinematografía (Imcine), publica las 12 convocatorias del Programa de Fomento al Cine Mexicano (Focine) 2022, Nuevas rutas, nuevas historias, las cuales estarán abiertas del 10 de enero al 10 de febrero de este año.

A través de este programa de subsidios de alcance nacional, que sustituyó a los fideicomisos cinematográficos, el Imcine continúa apoyando al cine mexicano, ahora de manera directa. Como muestra de ello, en 2021, el primer año de su implementación, se apoyaron 134 proyectos de las 32 entidades del país: 75 proyectos para la producción cinematográfica, 14 proyectos para la preservación de acervos y 45 para exhibición. Por su parte, incrementó el número de cortometrajes apoyados por el Imcine; por ejemplo, en 2015 se apoyaron a 26 y, en 2021, a través del Focine, fueron 31 proyectos.

Diseñado bajo el principio rector de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México de no dejar a nadie atrás y no dejar a nadie fuera, Focine es un sistema de apoyos y estímulos transparente, incluyente, flexible y accesible, que respeta la libertad creativa y de expresión. Tiene como objetivo fomentar un cine de calidad, diverso, plural, con igualdad de género y responsable con el entorno, con especial atención a las y los cineastas indígenas y afromexicanos, a las nuevas generaciones de creadoras y creadores audiovisuales en todo el país, así como estimular proyectos para niñas, niños y jóvenes y comunidades en situación de vulnerabilidad.

Focine se conforma de 12 convocatorias en tres vertientes específicas: Producción, Exhibición y Preservación de Acervos.

Las 12 convocatoria publicadas del Focine 2022, en sus tres vertientes, son:

1) Producción: Para impulsar el desarrollo de la industria cinematográfica y la economía del cine en todas sus modalidades: Consolidación financiera de largometrajes; Producción de largometrajes de ficción; Producción de largometrajes documentales; Preproducción y producción de cortometrajes y largometrajes de animación; Producción de cine para las infancias; Producción de óperas primas de escuelas de cine o con especialidad de cine; Producción de cortometrajes por región y con trayectoria; Postproducción de largometrajes y cortometrajes y Producción de largometrajes en colaboración con los estados.

2) Exhibición: Para descentralizar la oferta y garantizar el acceso a la cultura cinematográfica para todas y todos los mexicanos: Equipamiento y/o acondicionamiento de espacios y proyectos de exhibición cinematográfica, y Proyectos de formación de públicos y de exhibición de cine mexicano. A través de esta vertiente, en 2021 se apoyaron a 13 espacios de proyección cinematográfica y a 32 proyectos de exhibición y formación de públicos.

3) Preservación de acervos: Única en su tipo, enfocada en acrecentar y rescatar el patrimonio cinematográfico y audiovisual que se encuentra disperso en el territorio nacional: Conformación y preservación de acervos cinematográficos.

Las bases y los lineamientos de participación a las 12 convocatorias pueden ser consultados en imcine.gob.mx y en https://www.cultura.gob.mx/gobmx/convocatorias/.

Para ofrecer asesorías sobre la presentación de proyectos en las tres vertientes de apoyo: Producción, Exhibición y Acervos, el Imcine realizará, en próximas fechas, una ronda de sesiones informativas en línea, abiertas a toda la comunidad.

Realizan proceso de conservación y protección exterior del Palacio Postal

A partir de 2021 se inició un programa de atención para las afectaciones y daños del Palacio Postal, el cual incluyó un proceso de restauración de la fachada con la primera aplicación de una capa de protección y conservación del rodapié exterior contra agentes externos.

Dicho programa fue ingresado de manera general al Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) solicitando la autorización de los trabajos de conservación y restauración, debido a la condición del monumento artístico del Palacio Postal, y dada su ubicación en zona de monumentos históricos también es competencia del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH) la revisión y validación de dicho proyecto.

La técnica utilizada para la protección de la cantera de las fachadas exteriores se denomina “Engobe de sacrificio”, permite proteger la cantera de agentes externos. Dicho engobe de protección es elaborado con diferentes materiales, como aglutinantes de origen natural, pigmentos naturales y pinturas a la cal, que no afectan la piedra y permite su restauración óptima para futuros acontecimientos, siendo esta la solución menos dañina y más viable.

El engobe es una suspensión de arcilla de consistencia líquida fina, la cual pigmenta los materiales, como la cantera del exterior del Palacio Postal, y su función es protegerlo contra las influencias externas.

Fueron autorizadas por el INBAL de manera general las intervenciones físicas menores para la limpieza de pintas y consolidación de las fachadas del Palacio Postal sobre el Eje Central Lázaro Cárdenas y la calle Tacuba y dentro de un recorrido realizado conjuntamente con el INAH, instancia que tuvo conocimiento de la eliminación de pintas y grafitis, la reposición de molduras faltantes de herrajes en puerta, limpieza físico-química en sillares de piedra y piso delantero de la puerta principal, así como la ampliación de la capa de protección.

Como parte de la revisión del procedimiento, las instituciones federales involucradas solicitaron la suspensión de las actividades, en mesa de trabajo celebrada hoy 7 de enero de 2022 en las oficinas del Palacio Postal, para realizar pruebas cromáticas, la revisión y validación de las mismas, así como su aplicación correcta para evitar un alto contraste con el color original de la cantera del monumento.

Cabe precisar que de ninguna manera se está aplicando pintura vinílica en la fachada del Palacio Postal, y las instituciones federales en materia de conservación del patrimonio cultural continuarán con el acompañamiento del proceso de restauración.

Impulsa Cultura comercialización y rescate de juguetes artesanales

La dependencia concluyó la Primera Feria del Juguete Tradicional Poblano

En el marco del Día de Reyes, la Secretaría de Cultura concluyó la Primera Feria del Juguete Tradicional Poblano, que benefició a 25 artesanas y artesanos, quienes aumentaron sus ventas en un 40 por ciento por dicha celebración.

Al respecto, el titular de la dependencia, Sergio Vergara Berdejo, agradeció la participación de la sociedad poblana y visitantes en la adquisición de juguetes artesanales, lo cual permite rescatar la tradición de algunos de ellos, tales como el trompo, el balero, el yoyo y camiones de madera, entre otros.

Esta feria fue desarrollada en la Casa de la Cultura “Profesor Pedro Ángel Palou” y en ella participaron artesanas y artesanos de municipios como San Pedro Cholula, Xicotepec de Juárez, Huatlatlauca, Chignahuapan, San Lorenzo Chiautzingo, Puebla, Tlatlauquitepec, Hueyapan y Pahuatlán, entre otros.

Además de juguetes, las y los artesanos ofrecieron otros productos elaborados de textil, palma, papel amate, cartonería, alfarería y agroindustriales, por mencionar algunos.

Vergara Berdejo refrendó su compromiso para impulsar los proyectos que beneficien la recuperación de las artesanías, el arte, la música y todos los sectores que conforman la cultura en las 32 regiones de la entidad poblana; además añadió que próximamente presentará su plan de trabajo de este año, que garantizará apoyo en la materia para todo el estado.

Enrique Florescano, una historia fugitiva dentro de la Historia

Con una vida dedicada a la historia y al desciframiento de la mitología mesoamericana, la formación de generaciones, la creación de publicaciones y el fortalecimiento de instituciones, como lo fue el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), bajo su dirección en la década de 1980, el andar de Enrique Florescano Mayet (San Juan Coscomatepec, Veracruz, 1937) es celebrado por discípulos, colegas y amigos.

Recientemente, el investigador recibió el Premio Alfonso Reyes por parte de El Colegio de México, otra institución académica y octogenaria con la que está íntimamente vinculado. En esa ocasión, la presidenta del Colmex, Silvia Giorguli, sostuvo que de esta manera se reconocía a un “historiador mexicano que se ha distinguido por la renovación de la investigación histórica en nuestro país, y la difusión del conocimiento y la cultura en los campos de la historia, la arqueología y la antropología”.

Enrique Florescano se formó en la Universidad Veracruzana, posteriormente hizo su maestría en el Colmex y obtuvo el grado de doctor en la Escuela Práctica de Altos Estudios de la Universidad de París, donde estudió bajo la tutela de los grandes referentes de la Escuela de los Annales, como Fernand Braudel. Fue titular del INAH, instituto en el que previamente dirigió el entonces Departamento de Estudios Históricos, de 1977 a 1982.

Hace cuatro años, con motivo de los homenajes por sus ocho décadas de vida, recordaba esta etapa como una de las más fructíferas y felices de su carrera, al contar con la amistad y la colaboración de pensadores como Carlos Monsiváis, José Emilio Pacheco, Héctor Aguilar Camín, José Joaquín Blanco, Antonio Saborit, Solange Alberro, entre otros, quienes ayudaron a revitalizar la investigación histórica desde ese centro de investigación.

Como advierte en su libro La función social de la Historia (FCE, 2012), los estudios históricos unen el pasado con el presente. Por esta razón, aduce, una de las labores del historiador es construir puentes entre ambos tiempos, con el propósito de que las personas conozcan otras realidades y aprecien a sus antecesores, de ahí la dimensión ética y moral del quehacer de historiar, porque apela a la formación y fortalecimiento de los valores ciudadanos de cada individuo.

En las páginas de ese libro, Florescano recupera la figura de Mnemósine, madre de la musa de la historia, Clío, es decir, de la memoria como la simiente de los recuerdos que se materializan en las fuentes históricas, documentos, fuentes orales y visuales. De esta manera, plantea que el desarrollo de una memoria individual y colectiva, sumado al trabajo de los historiadores, da paso a un proceso identitario.

Como reseña el investigador de la Dirección de Estudios Históricos del INAH, José Joaquín Blanco, sobre la publicación y la propia obra de Enrique Florescano, la cual abarca una gran riqueza de enfoques y campos a lo largo de medio siglo, ésta con frecuencia se desteje a la luz “de nuevas fuentes, de nuevos conocimientos y, sobre todo, de nuevas preguntas, a veces planteadas por él mismo. Esta historia y esta historiografía fugitivas se manifiestan en sus diversos títulos de historia indígena, de olmecas, teotihuacanos, mayas y aztecas.

“Pero la visión, al mismo tiempo erudita y analítica, de Enrique Florescano sobre la historiografía mundial de los últimos tiempos, nos demuestra que en el mundo moderno la imagen del pasado, los discursos y los imaginarios que irradia dependen tanto de las fuentes y discursos heredados, como de su actualización presente, casi instantánea, de las nuevas preguntas y necesidades de sus nuevos estudiantes, quienes no dejan de transformarla”.

Quizás esta faceta camaleónica y versátil de concebir su oficio, es la que le ha valido múltiples adeptos al maestro. Coordinado por Juan Ortiz Escamilla y Nelly Palafox López, un homenaje sui generis le fue rendido en otro libro reciente: Enrique Florescano: semblanzas de un historiador (UV, 2017), pensado como la biografía intelectual de un individuo. En el relato de esta vida única se concentran los momentos de la vida de un país, recuperando la memoria y la pervivencia de las historias de la historia nacional.

A Enrique Florescano le gusta saberse parte de los arcanos del tiempo: “Mira esta maravilla. La serpiente emplumada nadando en el mar primordial. Es el nacimiento del mundo”, exclamaba hace poco frente a un bajorrelieve teotihuacano, mientras concedía una entrevista al diario El País. Esa anécdota, sobre un dios al que ha dedicado todo un estudio, dibuja la curiosidad intacta e infinita de un hombre de 84 años.

Legado de esa mente inquieta, son: Origen y desarrollo de los problemas agrarios de México 1500-1821 (1976), El poder y la lucha por el poder en la historiografía mexicana (1980), Etnia, Estado y nación, ensayos sobre las identidades colectivas de México (1997), Memoria indígena (1999), Memoria mexicana, ensayos sobre la reconstrucción del pasado (2000), Quetzalcóatl y los mitos fundadores de Mesoamérica (2004) y Los orígenes del poder en Mesoamérica (2009), y varios títulos más.

Entre los muchos reconocimientos que le han otorgado están la entrega la Presea Miguel Othón de Mendizábal (2000), de parte del INAH, y dos años más tarde, el Premio Francisco Javier Clavijero. También ha sido distinguido con los premios nacionales de Ciencias Sociales (1976), y de Ciencias y Artes en el área de Historia, Ciencias Sociales y Filosofía, dos décadas después; así como con Las Palmas Académicas, por parte del gobierno francés (1982). Larga vida a Enrique Florescano.