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Entregan el Cervantes a Eduardo Mendoza

Desde que Eduardo Mendoza pisara la Universidad de Alcalá de Henares para recibir el Cervantes, no paró de mostrar su ironía y humor: “Soy muy teatrero, me gusta disfrazarme” o “he traído a la familia para que me critique y a los amigos para que me hagan la ola”.

Estas frases del autor barcelonés (1943) se unieron a la reivindicación del humor que sobrevoló todo su discurso de agradecimiento del Premio Cervantes, el galardón más importante de las letras en español, que el año pasado recayó en el mexicano Fernando del Paso.

Acompañado en la ceremonia por sus hijos Ferrán y Alejandro y por su primera esposa, Anna Soler, Eduardo Mendoza, muy elegante, vestido de chaqué y corbata gris, como su pelo, y algo nervioso, tomó aire y comenzó a leer su discurso.

“No creo equivocarme si digo que la posición que ocupo aquí, en este mismo momento, es envidiable para todo el mundo, excepto para mí”, espetó Mendoza, uno de los premios Cervantes más leído.

Y ya algo más tranquilo reivindicó la excelencia del humor en la literatura que practica en sus escritos “con reincidencia”, al tiempo que negó que se trate de un género menor, “como a menudo se considera”.

En su discurso durante la ceremonia, presidida por los reyes de España en el Paraninfo de la Universidad de Alcalá de Henares, Mendoza también se declaró un fiel lector de Cervantes y asiduo del Quijote, a cuyas páginas, confesó, acude con mucha frecuencia, y centró su intervención en cuatro de las relecturas que ha hecho a lo largo de su vida de la obra.

En su intervención desgranó, con muchas pinceladas de humor, lo que estas sucesivas lecturas del Quijote le han aportado a lo largo de su vida, desde la primera obligada en el colegio, donde casi contra su voluntad se rindió a su encanto, hasta la última, que emprendió de nuevo de “un tirón” al saberse ganador del premio que recibió este jueves.

De su primer contacto con Cervantes recordó Mendoza que la lectura del Quijote “fue un bálsamo y una revelación” y ello pese a que eran unos años en los que la figura del hidalgo había sido secuestrada por la retórica oficial para convertirla en el arquetipo de nuestra raza y el adalid de un imperio de fanfarria y cartón piedra.

También rememoró con cariño a todas las personas que le han apoyado en su carrera y tuvo unas palabras para dos: el poeta Pere Gimferrer -“me dio la primera oportunidad y es mi editor vitalicio y mi amigo incondicional”, dijo- y la agente literaria Carmen Bacells -“cuya ausencia empaña la alegría de este acto”, afirmó-.

Por su parte, el Rey Felipe, en su discurso, elogió a Eduardo Mendoza como “maestro en el manejo del idioma” y “verdadero biógrafo” de Barcelona, una ciudad que ha propiciado “un extraordinario ecosistema cultural” y donde, como en su obra, la convivencia entre el castellano y el catalán es algo natural.

El Monarca también ensalzó al escritor como un “verdadero artesano del lenguaje”, que usa como una herramienta de precisión ajustada a los diferentes registros idiomáticos de sus personajes para acercar al lector a diversas realidades, desde la de los diferentes grupos marginales a la de las clases altas, en diferentes épocas y en diferentes lugares.

El Ministro de Cultura, Íñigo Méndez de Vigo, defendió que parte de la grandeza de la prosa de Mendoza está en “ese limbo” que hace imposible tomarse totalmente en serio sus novelas, aunque sea todavía más imprudente tomárselas totalmente a broma.

“Es posible que su aportación más notable a las letras del momento sea esa lección: que leer a un autor es un ejercicio entretenido en sí y que nada obliga al lector a catalogar lo que está leyendo según unos parámetros previamente establecidos”, destacó.

A la ceremonia del Cervantes, además de los reyes, asistieron la vicepresidenta de Gobierno, Soraya Sáenz de Santa María; el director de la Real Academia de la Lengua, Darío Villanueva; y el director del Instituto Cervantes, Juan Manuel Bonet.

Entre la pequeña representación literaria, estuvieron los escritores Pere Gimferrer, Soledad Puértolas y Carme Riera.

Mendoza, de 74 años, es mejor conocido por su novela La verdad sobre el caso Savolta (1975) y La ciudad de los prodigios (1986).

El Premio Cervantes, dotado con 125 mil euros (alrededor de 2.5 millones de pesos), suele alternarse cada año entre escritores españoles e hispanoamericanos.

Presentan el libro “En el nombre sea de la patria” (FOTOS)

El gobernador Tony Gali y el presidente municipal Luis Banck, encabezaron la presentación del libro “En el nombre sea de la Patria, Puebla en el Proceso Constituyente 1913-1917”.

En su mensaje, el gobernador Tony Gali recordó que Puebla siempre ha sido un punto clave y representativo de la nación, por lo que celebró la edición de la obra que hoy se presenta, la cual contiene en el prólogo, la aportación del cronista Pedro Ángel Palou.

Durante el evento, el ejecutivo del estado y el alcalde de Puebla, entregaron la Cédula Real a Luis Maldonado, presidente de la Academia Nacional de Historia y Geografía (ANHG).

Asimismo, otorgaron este reconocimiento a la legisladora Cristina Gaytán, presidenta de la Comisión de Cultura del Congreso de la Unión.

El mandatario estatal resaltó que el conocimiento de la historia y el acercamiento a la cultura son fundamentales en el camino hacia el progreso, ya que se narran los valores e ideales de mujeres y hombres que recuerdan el carácter heroico de los poblanos.

En tanto, el presidente municipal Luis Banck, destacó la compañía en el Salón de Cabildos de Palacio Municipal, del gobernador Tony Gali.

“Hoy tenemos el grandísimo honor de que nos acompañé quien fue Alcalde muy querido de esta Ciudad, ahora investido como gobernador Constitucional del Estado de Puebla”, manifestó.

En el contexto del Centenario de la Constitución de 1917, el Alcalde Luis Banck, señaló que los diputados federales, Luis Maldonado Venegas y Cristina Gaytán Hernández, promotores del libro que hoy se expone, son a su vez destacados impulsores de la cultura en México.

“Luis ha realizado una prolífera labor, para difundir la historia, cultura y arte de nuestro país”, dijo. Agregó que la legisladora Gaytán, ha hecho una trayectoria de vida por la provisión de servicios básicos en comunidades de escasos recursos.

Asimismo, Tony Gali y Luis Banck reconocieron la trayectoria del Presidente del Consejo de la Crónica, Pedro Ángel Palou, por su aportación a la investigación histórica de Puebla.

El presidente de la ANHG, Luis Maldonado Venegas subrayó la gran labor de los mandatarios por hacer de Puebla un referente del turismo en el país y el mundo, “de Puebla se habla bien en todos lados y se muestra el interés de otros, por tocar esta tierra”, expresó.

El libro “En el nombre sea de la Patria, Puebla en el Proceso Constituyente 1913-1917”, narra la valiente y decidida actitud de los generales poblanos entre la usurpación de la presidencia por Victoriano Huerta. Cada texto describe la visión de quienes tomaron las armas y llamaron a la sociedad a defender la República ante el régimen huertista en la que la Sierra de Puebla y la capital, tuvieron un rol protagónico.

En el evento estuvieron presentes: Roberto Flores Toledano, Magistrado, Presidente del H. Tribunal Superior de Justicia del Estado; Mario Riestra Piña, Secretario General del Ayuntamiento; María Esther Torreblanca, Síndica Municipal; Jorge Cruz Bermúdez, Secretario General de la Academia de Historia y Geografía, así como el Editor del libro, Rodrigo Fernández Chedraui.

También asistieron los regidores: Oswaldo Jiménez, Coordinador de Regidores del Ayuntamiento; Gustavo Espinosa, Presidente de la Comisión de Patrimonio y Hacienda Pública del H. Ayuntamiento de Puebla y Miguel Méndez, Presidente de la Comisión de Turismo, Arte y Cultura del Ayuntamiento.


Fotos: Es Imagen / Ángel Flores

La ópera es un arte dinámico abierto a la experimentación: Sergio Vela

Por Manuel Bello Hernández

Convencido de que la ópera es una obra dramática expresada a través de la música, el director y concertista mexicano Sergio Vela aseguró que en pleno siglo XXI se trata de un concepto dinámico abierto a la experimentación.

“La ópera nunca ha sido un término cerrado que no admita replanteamientos, las técnicas multimedia y la amplificación son cuestionamientos que se hacen en torno al quehacer operístico, un arte vivo”, expresó el ex director de la Ópera de Bellas Artes.

El actual director del Festival del Centro Histórico de la Ciudad de México que al ser un ente vivo, cabría cualquier experimentación que se haga en la ópera y podríamos decir que se trata de una ópera experimental, pero sigue siendo ópera.

Rechazó que el termino ópera se haya desvirtuado, por el contrario, indicó que se trata de un concepto dinámico, “porque es algo que está inmerso en la historia, entonces, evidentemente no puede cesar la manera en cómo entendemos y hacemos ópera, no puede ser la del siglo XVII, ni la del XVIII, XIX o XX”.

“Se trata de hacer obras de nuestro propio tiempo e ir evolucionando. Si Richard Strauss hubiera estrenado ‘Elektra’ en el siglo XVII seguramente lo hubieran metido a un manicomio, cuando lo hizo de cualquier manera pensaron que era un extremo, pero solo era una apertura a nuevas posibilidades”.

“A Wagner lo denostaron con ‘Tristán e Isolda’, incluso algunas audacias del propio Mozart fueron en su momento poco comprendidas. De tal manera que se trata de algo que va creciendo y mutando en el trascurso de los años”, explicó.

Respecto a los retos que actualmente enfrenta el quehacer operístico en México, Sergio Vela consideró que el principal problema no tiene que ver con la infraestructura sino con la estructura operativa.

El director y concertista comentó que en el país se cuentan con los teatros y recintos adecuados para montar obras operísticas, sin embargo falta establecer estructuras adecuadas para la gestión y programación anticipada, las reglas administrativas y los recursos económicos.

Vela expresó su confianza porque esta situación evolucione, “se trata simplemente de tomar conciencia que necesitamos hacer más y mejores cosas”, concluyó.

Colección Uriarte Talavera-UDLAP recorre Estados Unidos

“El Cinco de Mayo de 1862, Talavera Contemporánea” colección creada en 2012 con motivo del aniversario de la batalla del 5 de Mayo en Puebla, por Uriarte Talavera en colaboración con la Universidad de las Américas Puebla, continúa su itinerancia a cinco años de su inauguración. Este 2017 inició en la ciudad de Nueva York en el Instituto Cervantes, el pasado 1 de marzo, gracias al apoyo del consulado general de México en Estados Unidos, así como de la Secretaría de Relaciones Exteriores.

“El Cinco de Mayo de 1862, Talavera Contemporánea”, curada por la crítica e investigadora de arte Sylvia Navarrete, fue exhibida por primera vez en el Museo Franz Mayer en la ciudad de México; está formada por 64 piezas de talavera, así como 11 murales creados por 38 artistas de gran trayectoria nacional e internacional, 6 de los cuales son artistas UDLAP: Sergio González Angulo, Joaquín Conde, Miguel Pérez, Carmen Puente, Marna Bunnell y Aída Aguilera.

“La finalidad de esta muestra fue invitar a artistas que no tuvieran nada que ver con esta técnica y experimentar en ella, el objetivo era que todos aprendiéramos y renováramos el lenguaje de este tipo de técnicas tradicionales con la aportación de artistas contemporáneos. La Universidad de las Américas Puebla nos ayudó en sobremanera, con archivos gráficos, textos y bases documentales, a partir de las cuales, los artistas pudieron elaborar sus imágenes” expresó la curadora de la exposición, Sylvia Navarrete.

Durante el proceso creativo los artistas participaron junto a los artesanos de Uriarte Talavera, en la molienda de minerales puros para crear los colores, crearon formas de naturaleza escultórica en el torno, dieron espacio al secado de las piezas, lijaron y esmaltaron sus obras; para que finalmente estamparan el dibujo, lo delinearan y pintaran. La UDLAP además aportó archivos gráficos, textos y bases documentales, a partir de las cuales, los artistas pudieron elaborar sus imágenes.

Para acompañar la exposición, se realizó un catálogo ilustrado por Alejandro Magallanes y coeditado por RM, el cual incluye ensayos de Raúl Bringas, catedrático UDLAP, acerca de la Batalla del 5 de Mayo; así como un texto del escritor Mario Bellatín y de la curadora Sylvia Navarrete, en torno al proceso creativo de cada artista. La publicación contiene 200 reproducciones a color y en blanco y negro de las obras, tomas de los talleres de Uriarte Talavera y algunas relativas a la Batalla de Puebla; así como un DVD con el proceso de creación in situ de las obras.

La colección se ha presentado por diversos lugares de Estados Unidos como San Antonio y Brownsville, Texas, así como en Detroit, Michigan; y continuará haciéndolo, “sobre todo por la relevancia que ha tomado la vinculación con la comunidad latina en los últimos tiempos” explicó Marie France Desdier Fuentes.

Colombia conmemora muerte de Gabo con lectura de “Cien años de soledad”

Colombia conmemora el tercer aniversario del fallecimiento del Nobel de Literatura Gabriel García Márquez (1927-2017) con una serie de lecturas de fragmentos de la novela “Cien años de soledad”, la obra maestra del escritor colombiano.

Una de las principales conmemoraciones se realizará en Aracataca, su pueblo Natal, en donde se tiene programado conversatorios con escritores, compositores, familiares y amigos de García Márquez.

La poetisa mexicana, Edith H. Villanueva, es una de las invitadas especiales a los actos en Aracataca, en donde ofrecerá un recital en honor al autor de “Cien años de soledad” y “El coronel no tiene quien le escriba”.

En esta celebración el municipio de Aracataca también hara memoria a los 90 años del natalicio de García Márquez, los 50 años de la primera edición de “Cien años de soledad” y los 38 años de recibir el Premio Nobel de Literatura en 1982.

La Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI), por su parte, honrará a García Márquez en el tercer aniversario de su muerte, los 50 años de “Cien años de soledad” con lecturas colectivas que se harán en alianza con el Club de Lectura La Hojarasca, de Sinaloa, México, y la Carreta Literaria.

Esta actividad estarán abiertas al público y cuentan con el apoyo de la FNPI, el Instituto de Cultura y Turismo de Bolívar (Icultur), la Gobernación de Bolívar, el Instituto de Patrimonio y Cultura de Cartagena (IPCC) y la Alcaldía de Cartagena.

Las lecturas se realizan durante todo el día de este lunes en Cartagena y diferentes municipios del departamento de Bolívar, en el caribe colombiano.

“Esta lectura continua es una iniciativa del Club de Lectura La Hojarasca de Culiacán, Sinaloa, un colectivo que desde hace 15 años realiza un homenaje a Gabo en una semana cultural que lleva su nombre”, señaló la FNPI.

Retratan a Borges desde la caricatura

Intelectual, Nobel frustrado, filósofo, traductor. Muchas son las etiquetas que se pueden atar al escritor argentino Jorge Luis Borges, un personaje que, además de escapar a los límites de la literatura, fue y es lugar de revisión para artistas de otros ámbitos, incluidos los caricaturistas.

No es fácil retratar el caleidoscopio que era Borges desde una sola perspectiva. Por ello, desde este mes, a punto de cumplirse 31 años de su muerte, los muros del museo de arte gráfico e ilustración más importante de Buenos Aires, el Museo del Humor, se han llenado de creaciones gráficas que repasan desde la relación entre Borges e internet hasta sus lazos con los referentes culturales de la época.

“Fue una persona muy interesante para el artista plástico, para el caricaturista (…) en el sentido de que fue un personaje”, explicó Hugo Maradei, director del Museo del Humor de Buenos Aires, que acoge hasta el 14 de mayo la muestra Borges Ilustrado.

“Aparte de su gran valor literario, él era una persona conflictiva, políticamente incorrecta y que decía lo que se le venía a la mente y, en su tiempo, era muy nombrado por ese tipo de situaciones”, amplió.

La exhibición mezcla tanto los dibujos y caricaturas que retratan a Borges (1899-1986) como figura pública, como varias ilustraciones que, de una manera o de otra, se relacionan con su obra.

Entre las piezas expuestas destacan las xilografías realizadas por Antonio Berni, gran referente de la pintura argentina del siglo 20, para una edición en español de Hojas de hierba de Walt Whitman que fue traducida por el autor de El aleph.

“Ahí se dio la unión de dos de nuestros artistas máximos”, apuntó Maradei.

Si bien sus textos no fueron normalmente ilustrados, en la muestra hay originales de imágenes que acompañaron a libros como los Nuevos cuentos de Bustos Domecq, que Borges escribió junto con su gran amigo Adolfo Bioy Casares.

En ese apartado se ubican también las obras en las que el artista Carlos Páez Vilaró plasmó un “conventillo” uruguayo (vivienda colectiva de construcción precaria) y que después sirvieron a Borges de motivo para escribir el artículo “Los morenos”, en el cual hablaba de los habitantes de raza negra del lugar.

La vida cotidiana de Borges también tiene un lugar en la muestra gracias a una recreación del bar Royal Keller, que descansa sobre otra de las paredes del museo.

“Ahí se reunía la gente del grupo Florida -al cual pertenecía Borges-, que fue un grupo literario muy importante en los años 30”, compartió Maradei.

Pero más allá de la vida literaria e intelectual, Borges Ilustrado busca mostrar también al Borges “personaje” dentro de la sociedad argentina.

“Permaneció en el país y aparte se lo ligó más con una corriente de derecha”, explicó el responsable del museo al comparar al escritor con otros contemporáneos.

Ese Borges a la vez polémico y admirado aparece en forma de caricaturas, tanto antiguas como modernas.

Una de las más renombradas es la que hace alusión a su puesto de aspirante frustrado al Nobel de Literatura.

El caricaturista Andrés Cascioli le retrató con una careta para la revista Humor Registrado, una de las más importantes de su época, con motivo de la adjudicación del Nobel de la Paz a otro argentino, Adolfo Pérez Esquivel, en 1980.

“(Cascioli) hace la situación como si la única forma que le otorgarían el premio Nobel a Borges sería a través de que se ponga una careta de Pérez Esquivel”, detalló Maradei.

Los vínculos de Borges con la cultura van, sin embargo, más allá de su época, tal y como demuestra una premiada caricatura realizada por Alfredo Sábat para el diario La Nación en 2015, en la que una pupila convertida en “@” apunta a la relación entre su obra y la red.

“Ilustra un artículo que parangonaba a Borges, a través de su creación la Biblioteca de Babel, con el mundo de internet, con Google”, aportó Maradei.

La muestra pone así el acento en la trascendencia de Borges como artista, sabio y personalidad, como una figura irrepetible que fue capaz de ser a la vez especialista en las culturas más antiguas y adelantado a su época y a la nuestra.

“Eran gente que estaba más allá del bien y del mal y también más allá del común de los mortales, eran gente un poquito más superior que todos (…). Estas personas especiales aparecen una vez por siglo o dos por siglo en cada nación, con suerte”, concluyó Maradei.

Alfombristas exponen su arte en el museo de Santa Mónica (FOTOS)

Los reconocidos alfombristas de Huamantla, Tlaxcala, por tercer año consecutivo llevan su arte efímero a las salas y patios del Museo de Arte Religioso Ex Convento de Santa Mónica, donde presentan a los visitantes hermosas piezas alusivas al recogimiento propio de la Semana Santa.

Alejandro Lira, miembro del colectivo Alfombristas Mexicanos, en entrevista con Notimex, detalló cada una de las piezas que conforman esta muestra que debido a sus característica solo permanecerá hasta el viernes 28 de abril.

“La temática es, de acuerdo al Nuevo Testamento, sobre las siete casas que recorrió Jesús antes del Viacrucis, es decir, el recorrido que hizo desde el momento en que lo apresaron en el Monte de los Olivos hasta el momento en que lo colocaron en la cruz”, citó.

Cada una de las alfombras montadas simbolizan cada una de las siete casas, todo conforme a una investigación previa que desarrollaron desde enero pasado, después lo plasmaron en diseño, eligieron los elementos y los colores.

En el patio de Claustro los cerca de 20 artistas recrearon la Oración en el Monte de los Olivos. El espectador puede observar figuras abstractas y el rostro de Jesús haciendo oración al amanecer, y una alegoría al cielo amaneciendo, con estrellas, con luz y hojas de olivo.

En el siguiente claustro se presenta la Casa de Anás donde llega Jesús y es abofeteado e injuriado. Este tapete lo representan con colores que remiten a la violencia de Anás.

En la sala de Coro Bajo, para representar la Casa de Caifás, donde Jesús es condenado por los fariseos, los alfombristas optaron por representar esta escena en colores blanco y negro; mientras que en la sala de Coro Alto se exponen un tapete alusivo al momento en que Poncio Pilatos se lava las manos y condenan a Jesús.

En la sala Místicas y Coronadas se exhiben tres alfombras. Se trata de la quinta casa, cuando llegan ante Herodes y quien a manera de burla le coloca una nueva vestimenta; en la sexta casa le imponen una corona de espinas.

En la última casa de este museo federal, el visitante puede observar una obra de un cristo cargando una cruz, un diseño logrado con olotes de maíz de diversos colores.

Durante tres días de trabajo, 20 artistas voluntarios y originarios de Huamantla con elementos como olotes de maíz, arena, granillo y semillas en diversos colores han logrado plasmar esta exposición que está abierta al público desde el Viernes Santos, 14 de abril, hasta el próximo 28 de abril.

Abundó que la mayoría de los materiales son reciclados, toda vez que estos artistas recientemente participaron con una alfombra monumental titulada “Döni: Alfombra Jardín Efímero FYJA 2017”, la cual midió mil 500 metros cuadrados que estuvo en el Monumento a la Revolución, en la Ciudad de México.

“Este es el tercer año que participamos y cada vez el reto es mayor porque los temas van subiendo de complejidad, pero al final ese es el objetivo del colectivo que conformamos y que se llama Alfrombristas Mexicanos, el poder dar a conocer la expresión del arte efímero que es el alfombrismo como una actividad llena de valores que fomenta la tolerancia, el trabajo en equipo y que es incluyente, para poder expresar mensajes como comunidad”, destacó.

Por su parte, Víctoria Huitzil Alvarado, responsable del Área de Servicios Educativos del Museo de Arte Religioso Ex Convento de Santa Mónica, dio a conocer que es el tercer año consecutivo que los alfombristas de Huamantla, Tlaxcala, exponen su arte efímero.

Recordó que en el primer año el tema de la muestra fue “La Pasión de Jesús”, el segundo año fue “Judas de Semana Santa y la serie de los siete pecados capitales”, y este tercer año el título de la exposición es “La visita de las siete casas”.

“Como es arte efímero no lo podemos conservar por mucho tiempo, por ello la muestra solo permanecerá una semana, debido a que las alfombras están expuestas a la intemperie; la lluvia, el viento y el sol las deterioran”, acotó.

Los visitantes que acudan al Museo de Arte Religioso Ex Convento de Santa Mónica; de martes a domingo de 10:00 a 17:00 horas, también podrán disfrutar de recorridos guiados por el recinto, y las muestras temporales “Las puertas del libro”, y “Los Santos Patronos de Puebla”.

Por Ángeles González Bretón / NTX

Tres siglos de tatuajes en Nueva York

La tradición de los tatuajes, arte para unos, acto de rebeldía para otros y algo impensable para muchos, es el centro de una exhibición en Nueva York que cuenta la historia de una costumbre que se arrastra desde hace tres siglos.

Tattooed New York, en el Museo y Biblioteca Sociedad Histórica, cuenta al público a través de más de 250 piezas —fotos, pinturas, objetos, videos e instalaciones— 300 años del tatuaje en el territorio que ahora ocupa esta ciudad.

Los tatuajes, que hace más de un siglo eran vistos como algo de marginales, son algo común hoy en día y los muestran famosos, entre ellos Rihanna (que tiene más de veinte), Lady Gaga o Ricky Martin, Angelina Jolie, Scarlett Johansson o el futbolista David Beckham.

El mundo de la moda tampoco escapa a ellos, ya que son muchos los diseñadores los que los han llevado a la pasarela.

La exhibición hace un recorrido desde 1700, con los nativos americanos, como las tribus Iroquois, al norte de lo que hoy es Nueva York, que usaban el pigmento del hollín o molían minerales para tatuarse.

Lo hacían con frecuencia para celebrar triunfos militares, para protegerse durante una batalla, o como parte de sus rituales curativos o religiosos.

Flores, pájaros, mariposas, tigres, águilas, calaveras, diablos, mujeres, parejas, banderas o dibujos de motivos religiosos, entre muchos otros, figuran ente la gran variedad de diseños que elige una persona para tatuar su piel, desde la cabeza hasta el tobillo, como muestra Tattooed New York.

La exhibición recoge también cómo marineros y soldados no abandonaban un puerto o tierras lejanas sin llevar con ellos un tatuaje, como el de un dragón si había visitado China.

También eran símbolo de valentía, como la pantera, o la buena suerte, y entre los más populares estaban el gallo y el cerdo en el pie, para protegerles de ahogarse.

Tatuarse un ancla era símbolo de estabilidad y el de una brújula para indicar que siempre podrían navegar a casa.

Durante más de un siglo, los tatuajes permanecieron como una forma fácil, confiable e importante de identificar a los hombres en el servicio militar, incluyendo a aquellos que morían en batalla, destaca la muestra, que tiene como curador a Cristian Panaite.

Durante la Guerra Civil (1861-1865) Martin Hildebrandt, considerado el primer artista de esta tradición en Nueva York, tatuó los nombres de miles de soldados de la Unión y de la Confederación en sus brazos y pechos, señala además la exhibición.

Muestra también fotos de mujeres que, en pleno siglo 18, llevaban el cuerpo tatuado, desde el cuello hasta los tobillos, y se atrevían a mostrarlo, como Nora Hildebrandt, que lucía más de 365 diseños.

Hildebrandt se unió al circo Barnum & Bailey, siendo la primera mujer que lucía su cuerpo tatuado en Estados Unidos.

También se destaca a Mildred Hull, la primera y única artista en tener su tienda de tatuajes en el Bowery, un vecindario de Nueva York donde proliferó este arte en las barberías.

Hull tenía más de 300 tatuajes en su cuerpo, entre ellos 14 ángeles en su espalda y 12 geishas en sus piernas.

“Muchas mujeres tatuadas eran fuertes, independientes, que manejaron con destreza sus carreras”, sostiene el curador.

Entre los objetos que se exhiben está la primera “pluma eléctrica” inventada por Thomas Edison, que sirvió de base para la que fabricó Samuel O’Reilly en 1891, con la que revolucionó el mundo del tatuaje.

El 1 de noviembre de 1961 el Departamento de Salud declaró ilegal el hacer tatuajes, atribuyéndole los 13 casos de Hepatitis B surgidos.

Esa medida llevó a algunos artistas a mudarse fuera de la ciudad y a otros a la clandestinidad, trabajando desde sus hogares, una escena que también ha sido recreada con una instalación como parte de la exhibición.

No fue hasta más recientemente, en febrero de 1997, que se levantó la prohibición, una época en que surgieron varios artistas.

De acuerdo con el Museo y Biblioteca Sociedad Histórica, que mostrará la exhibición hasta finales de este mes, hay más de 270 estudios de tatuaje en ese ciudad, donde han venido muchas estrellas para conseguir el suyo.

Cumple 142 años la Academia Mexicana de la Lengua

La Academia Mexicana de la Lengua celebra este jueves el aniversario 142 de su fundación, que la convierte en la tercera más antigua de Latinoamérica, destacó la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

La emérita del Instituto de Investigaciones Filológicas de la máxima casa de estudios, Concepción Company, explicó que entre las funciones de la academia destaca estudiar la lengua, describirla, controlar en cierta medida sus irregularidades y generar herramientas como diccionarios y manuales.

Indicó que es una de las 22 academias de la lengua española del mundo, las cuales se agrupan en la Asociación de Academias de la Lengua Española, creada por iniciativa del expresidente Miguel Alemán Valdés, en 1956.

Sobre algunas de las labores que realiza, la universitaria refirió que se encuentran las consultas sobre el uso correcto de la lengua y se emiten recomendaciones.

“Se prefiere tal forma o es deseable usar una construcción y no otra. Una pregunta recurrente es: ¿cómo se dice haya o haiga?, ambas formas son correctas, pero si dice haiga en condiciones urbanas probablemente va a quedar marcado, pero si lo dice en un ambiente rural, no pasa nada”, indicó.

En un comunicado, la filóloga señaló que “lo que nos debe regir es el uso. Hay que estar orgulloso del español de México y estar orgulloso de que hablamos un dialecto distinto de los españoles”.

Indicó que la Real Academia Española no rige los usos de la lengua en México sino las academias locales, a través de la asociación, laboran en conjunto en un nivel de igualdad.

Precisó que esas entidades realizan funciones esenciales como la descripción de la lengua que se habla en cada país, qué las diferencia o qué comparten con el español general, además crean herramientas de consulta general como el Diccionario de la Lengua Española y los diccionarios identitarios, como el de Mexicanismos.

De igual forma, destacó la labor de miembros indigenistas al interior de la AML, pues a ésta institución también le interesa el patrimonio intangible que significan las 67 familias lingüísticas originarias de México, y que dan vida a casi 300 lenguas diferentes y sus vocablos que han enriquecido al español mexicano.

Además de estas labores, mencionó que una función social primordial de la AML es la adecuada aplicación de la lengua, dependiendo del contexto del hablante.

“Si yo llego a una entrevista de trabajo y digo: ‘Quihubo, ¿cómo estas, qué pasó mi buen?’, el señor que me hace la entrevista no me daría trabajo, porque no estoy usando el código adecuado para la situación comunicativa adecuada. El juego de la lengua es único, pero tiene subjuegos y hay que saber en qué situaciones usarlos”, finalizó.

Complejo Universitario alberga la exposición “Where Are U?”

“Where are U?” es el cuestionamiento que hace el artista César López con su exposición homónima, una propuesta artística que alberga la Galería de Arte del Complejo Cultural Universitario de la BUAP hasta el 21 de mayo.

Flavio Guzmán Sánchez, encargado de despacho de la Vicerrectoría de Extensión y Difusión de la Cultura de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP), reconoció las iniciativas que ha tenido el Complejo Cultural Universitario de promover el talento joven “pero particularmente el talento poblano, porque es algo muy importante y que está caracterizando a la Universidad”.

Destacó que esta obra está en diferentes partes, imágenes que van desde las salas de exhibición del Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York hasta el Glaciar de Perito Moreno, en el Calafate, Argentina, fusionados con el colorido cabello de mujeres que observan obras de arte o la naturaleza.

El curador de la obra es Ernesto Bejarano, coordinador de museografía del Antiguo Colegio de San Ildefonso, quien explicó que “Where are U?” es un proyecto que lleva casi cinco años en desarrollo a partir de dos estancias que realizó el artista César López en Nueva York y Argentina.

La muestra se compone de 43 fotografías en diferentes formatos, cinco videos, 14 pinturas y una instalación con más de 400 fotografías de su cuenta de Instagram.

El proyecto está dividido en tres ejes temáticos. El primero denominado “Where are U?”, que da nombre a la exposición, es un proyecto fotográfico que inició en la residencia que hizo en Nueva York , tomando fotos en diferentes museos.

En esta parte incluye las visitas que hizo a las salas de exhibición del MoMA donde descubre una escena que se compone de dos elementos: la pintura “La noche estrellada” de Vincent van Gogh y una mujer que la observa, “la silueta de la mujer y el color de su cabello coinciden con la cromática y texturas del lienzo”, citó.

Esta parte también incluye fotografías de gran formato donde se muestran paisajes de otra residencia que hizo en Argentina, en la zona del Calafate en el Glaciar de Perito Moreno.

“Ante la ausencia de una modelo se retrata a sí mismo, recreando a la mujer imaginaria que ha fotografiado en múltiples ocasiones”, dijo.

La segunda parte es algo más íntimo del artista, el “Where am I?”, que es una respuesta de César López desde la pintura “un acto muy íntimo y personal” que expone por primera vez.

“Es la exposición más fotográfica que tengo, pero la asumo como una exposición de paisaje y reflexión. De eso se trata el arte, de siempre reflexionar”, comentó el artista César López.

Una tercera parte es una propuesta alternativa, un cuarto lleno de fotografías de su Instagram @patolini.

“El Instagram se ha vuelto como mi gimnasio para poder capturar y tener ojo. Graciela Iturbide me decía que hay dos tipos de fotografía: ‘la que se busca o la que se encuentra´. Y el Instagram me gusta porque es la que se encuentra, la democrática”, explicó.

La curaduría de la obra estuvo a cargo de Ernesto Bejarano, coordinador de museografía del Antiguo Colegio de San Ildefonso y responsable del montaje de la reciente exposición “Candida Höfer en México”.

La museografía es autoría de Gustavo Prado, subdirector del Foto Museo Cuatro Caminos, curador de exposiciones como “Pose. Fotografía de moda México hoy” y colaborador en proyectos como “Björk Digital México”.

La exposición estará abierta hasta el 21 de mayo y se podrá visitar de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas, en la Galería de Arte del Complejo Cultural Universitario de la BUAP. La entrada es gratuita.

La Decena Roja, novela basada en los primeros días de la Revolución Mexicana

La Universidad Iberoamericana Puebla, a través del Departamento de Humanidades, llevó a cabo la presentación de la novela corta La Decena Roja. El combate de la ciudadela narrado por un extranjero, escrito por Porfirio Barba Jacob en 1913 y recuperado por la editorial Cariátide, conformada por catedráticos de la institución.

El coordinador de la Licenciatura en Literatura y Filosofía, José Alberto Sánchez Carbó, agradeció la presencia de Marcos Daniel Aguilar y de Sebastián Pineda, catedráticos de la Ibero Puebla y miembros de Cariátide, editorial independiente que recuperó dicha novela, previamente ubicada en la Universidad de Harvard.

Marco Daniel Aguilar, coeditor, autor y reportero de televisión, inició su participación haciendo referencia al trayecto del escritor colombo-mexicano, Barba Jacob, quien basó su escrito en la perspectiva que obtuvo al presenciar los primeros diez días de la Revolución Mexicana en febrero de 1913, convirtiendo así su texto, en la primera novela escrita y publicada reflejando los sucesos llevados a cabo a través de la Revolución Mexicana.

Del mismo modo, Aguilar mencionó que Jacob fue un autor con gran influencia sobre los pensadores mexicanos más reconocidos como Alfonso Reyes Heroles, José Vasconcelos y sobre otros movimientos como el muralismo, con Diego Rivera.

Por su parte, Sebastián Pineda Buitrago, investigador, ensayista colombiano y catedrático de la Ibero Puebla, fue el encargado de realizar el prólogo de la novela en la edición publicada por la editorial Cariátide, de cual Sebastián forma parte. Pineda Buitrago habló acerca del contexto social, cultural y geopolítico en el cuál fue escrita la novela La Decena Roja.

Asimismo, Pineda Buitrago expuso una serie de fotografías capturadas a lo largo de los primeros días de la Revolución, mostrando un momento en la historia mexicana caracterizado por el fratricidio que se llevó a cabo, así como la presencia del presidente Francisco I. Madero en dichos sucesos y contrastándolo con las líneas escritas hace 100 años por Jacob. “Siempre resulta muy llamativo revivir a los autores a través de las presentaciones de libros”.

Por último, Ricardo Cuéllar, poeta colombiano, habló acerca del prólogo realizado por Sebastián Pineda, explicando a profundidad lo que éste expresa en sus líneas. La participación de Cuéllar se centró en la vida del autor, haciendo mención de algunas otras obras realizadas por Jacob y recitando fragmentos de varios de los poemas a manera de cierre.

Alberto Blanco gana Premio Xavier Villaurrutia de Escritores 2016

Por su obra “El canto y el vuelo”, una serie de 12 ensayos que exploran distintos tiempos y espacios con notable libertad imaginativa, el escritor mexicano Alberto Blanco resultó ganador del Premio Xavier Villaurrutia de Esceitores para Escritores 2016.

De acuerdo con el jurado, integrado por Jorge Aguilar Mora, Adolfo Castañón y Angelina Muñiz-Huberman, se trata de un libro singular, abierto a grandes e inesperados horizontes, a un mundo alimentado de ideas intensas y armadas con la sintaxis de realidades disímbolas, en el que se va de la ecología al sueño, de la pobreza al silencio, y del humor a la ciencia.

Sobre este reconocimiento, Blanco (México, 1951) explicó que el libro es el tercero de una poética que le llevó décadas de práctica, escritura, reescritura, lecturas, intuiciones, dudas, descubrimientos, consideraciones y reconsideraciones.

“Se podría decir que ‘El canto y el vuelo’ es una reflexión sobre la práctica de la poesía que ha tenido una larga, lenta y gozosa maduración, y que forma, junto con los dos volúmenes previos, un solo libro en realidad: “El llamado y el don” (2011), “La poesía y el presente” (2013) y “El canto y el vuelo” (2016).

En este sentido, el Premio Villaurrutia se puede entender como un reconocimiento al proyecto en su conjunto, consideró Blanco, quien detalló que el primer volumen reflexiona sobre las relaciones entre la poesía y una serie de temas enraizados en el pasado, como son el mito, el lenguaje, el significado, el conocimiento, la tradición, la escritura, la traducción y la inspiración”.

Centrándose en el aquí y ahora, en el segundo volumen de esta trilogía, profundiza en las relaciones de la poesía con otras artes, como la música, y sobre diversas facetas de las artes visuales: la imagen, el dibujo, el collage o la arquitectura.

Mientras que “El canto y el vuelo” se abre hacia el futuro, explora las relaciones entre la poesía y distintos campos, como la ciencia, la ecología, la pobreza, la velocidad, el margen, el humor, el azar, el yo, el sueño y el silencio.

La Coordinación Nacional de Literatura del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) recordó que Alberto Blanco es un autor que rebasa las fronteras de la poesía con su trabajo como artista visual, músico, ensayista y traductor.

Su obra ha sido traducida al inglés, francés, alemán, holandés, sueco, danés, búlgaro, rumano, ruso, italiano, japonés y portugués.

A lo largo de su trayectoria ha sido reconocido con los premios Iberoamericano Bellas Artes de Poesía Carlos Pellicer para Obra Publicada 1988, por “Cromos”, y Nacional de Literatura José Fuentes Mares 1989, por “Canto a la sombra de los animales”.

Museo Amparo expone fotos de la colección Juan Rulfo

Las Galerías del Museo Amparo, a partir de este día y hasta el próximo 10 de julio, abre sus puertas a la exposición “El fotógrafo Juan Rulfo”, la cual se compone de la colección privada del también escritor y guionista.

Andrew Dempsey y Víctor Jiménez, son los curadores de la muestra que el museo presenta con motivo de la celebración del centenario del nacimiento de Juan Rulfo.

La muestra revisa la relación de Rulfo con la fotografía, en donde, al igual que con la literatura, dejó una huella importante de su visión de México a través de temas recurrentes como el paisaje, la arquitectura, la cinematografía, la danza, el retrato y la vida rural y urbana.

Son 150 imágenes capturadas por el autor de la novela Pedro Páramo, la cual se publicó en 1955.

También incluyen documentos representativos de los temas de interés del escritor mexicano, como el cine, exposiciones y publicaciones para revistas provenientes del archivo y la biblioteca, que se trata de material inédito.

El proyecto es original de Canopia, con la curaduría de Andrew Dempsey y Víctor Jiménez en colaboración con la Fundación Juan Rulfo y Editorial RM.

Los personajes crean la historia; el escritor sólo la muestra al mundo: Janeth G.S.

La autora habló de “¿Quién Mató a Alex?”, libro que antes publicó en redes sociales y alcanzó 37 millones de lecturas y dos millones de comentarios

Por Juan Carlos Castellanos

A los 16 años, la guanajuatense Janeth G.S., publicó en Internet “¿Quién Mató a Alex?”, historia escrita por ella a partir de un video que vio en YouTube, pero nunca pasó por su mente que esa narración extraordinaria, que el primer día tuvo dos mil visitas, llegara a tener hoy día 37 millones de lecturas y dos millones de comentarios.

La historia en dos entregas inicia en “El misterio que nos unió”, primer tomo de “¿Quién mató a Alex?”, historia llena de tensión, secretos y sospechas, de acuerdo con la autora quien en entrevista con Notimex subrayó las influencias y la forma como la han marcado grandes escritores de terror y suspenso como Stephen King y Stephenie Meyer.

Le gusta Stephen King, admira sus historias y su imaginación porque no todos tienen esa creatividad, sin embargo, uno de sus autores que más le han influido es Sebastian Fitzek. Le gusta cómo combina el suspenso con la psicología y la forma que tiene de jugar con la mente del lector a partir de las letras; su libro favorito de Fitzek es “Terapia”, abundó.

En la trama, explicó, la protagonista “Hannah Reeve” recibe una solicitud de amistad en “Facebook” que cambia para siempre su vida. Al ver la petición de amistad de un joven de cabello castaño y blanca sonrisa que aparece en su pantalla, acepta, pero muy pronto descubre que el chico, “Alex”, ha muerto y necesita su ayuda para descubrir a su asesino.

Aunque “Hannah” se muestra aterrada al principio, paulatinamente va descubriendo que “Alex Crowell” y ella están mucho más unidos de lo que imaginan. El aburrimiento de la vida de “Hannah” desaparece para dar paso a la desconfianza y a una multitud de dudas y preguntas para las que necesita, más bien para las que urgen respuestas lógicas y claras.

Janeth comenzó a formarse como lectora a los 11 años, cuando su mamá le leía cuentos por encargo de sus profesores de primaria. Luego, ella leía cuentos y se los aprendía de memoria, por lo que amigos y familiares exclamaban asombrados que no leía, sino que contaba esas historias. A los12 años de edad, inició la lectura de obras de mayor peso.

Nacida en León, Guanajuato, en marzo de 1998, la joven escritora actualmente estudia Administración de Empresas en el área de Recursos Humanos en la Universidad Tecnológica de León y le falta poco para concluir una ingeniería en Desarrollo e Innovación de Empresas. Ahora, sin descuidar sus estudios formales, quiere seguir escribiendo y así es como se visualiza:

“Además de los dos volúmenes que conforman la historia que actualmente promuevo, ya tengo en desarrollo un proyecto que podría estar publicado el próximo año. Espero seguir escribiendo, sobre todo en los géneros de misterio y suspenso, y tal vez, evolucionar en las letras pero sin incursionar en otras áreas del quehacer literario”, señaló la entrevistada.

Confesó que ha intentado escribir romances, pero al iniciar la historia, de manera rápida, inexplicable y retadora, los personajes de sus obras toman el camino del crimen y los asesinatos. “No puedo concentrarme en una nueva novela sin que los personajes siempre se involucren en aventuras que inevitablemente aterrizan en el misterio y el terror”, acotó.

Los personajes, subrayó, se van creando por sí solos, van creciendo, se dan cuenta de lo que son y van escribiendo su propia historia, hasta definir la novela completa al irse por su propio camino; el escritor sólo tiene que darla a conocer al mundo, subrayó Janeth, quien está de visita en la Ciudad de México para mostrar la historia de esos personajes.

“El misterio que nos unió” salió al mercado el 17 de marzo pasado, y la secuela, “El secreto desvelado” el 7 de abril. Su colocación inicial en librerías hispanohablantes será de más de 100 mil ejemplares y conforme a lo informado por el sello editorial que lo promueve, se trata del primer caso en México de un libro digital que da el salto al papel.

Las redes sociales de Oz Editorial, sello que publica G. S., triplicaron seguidores cuando se anunció este lanzamiento; Janeth tiene en “Wattpad” más de 85 mil seguidores; “¿Quién mató a Alex?” ganó un premio Wattys en 2015 en la categoría de Misterio y tuvo su lanzamiento de manera simultánea en España y México, con edición propia para cada una de las dos naciones.

Nuevo museo parisino permite “oler” historia del perfume (FOTOS)

Oler, sentir, percibir el aroma de la historia y de algunos de los perfumes más emblemáticos de los últimos tres mil años es la principal experiencia que permite el nuevo “gran” museo del perfume abierto en esta capital.

Un antiguo edificio ubicado en la calle por excelencia de las tiendas de moda, el Faubourg Saint-Honoré, acoge desde las pasadas navidades el bautizado como “Le Grand Musée du Parfum” (El Gran Museo del Perfume), un espacio de mil cuatrocientos metros cuadrados en el que las fragancias reinan.

A diferencia de otros museos de este tipo, el museo destaca por ser “el museo oficial de las grandes casas” del perfume mundial, muchas de ellas francesas, y por permitir a los visitantes una “inmersión olfativa” en los aromas de la historia y en algunas de las marcas de perfume más recordadas.

“Aquí no se contemplan los objetos que se exponen, aunque hay muchos, aquí se huelen los perfumes y las materias primas con las que se hacen” destacó en entrevista la directora general del museo del Perfume, Sandra Armstrong.

El museo destaca también por su método de exposición, sofisticado y elegante, y por un recorrido de tres plantas del edificio, antigua casa de moda del diseñador Christian Lacroix, que busca convertirse en “una experiencia cultural y divertida” según sus fundadores.

El otro gran punto fuerte es la “revolucionaria tienda conceptual” del museo en la que se muestran decenas de marcas de perfumes y libros y objetos relacionados con el mundo de los buenos olores.

“Este museo está dedicado enteramente al perfume, al sentido del olfato y al arte del perfumero” explicó a esta agencia la directora general del museo en el que se cuentan curiosidades como que Napoleón bebía agua de colonia.

“Nuestra vocación es responder a preguntas de como trabaja un diseñador de perfumes, como los crea, y cuales son los perfumes más emblemáticos de cada época” añadió.

De acuerdo a su directora, el museo tiene una colección olfativa de 72 olores y perfumes de todo el mundo y de todas las épocas.

“Aquí se puede oler por ejemplo el primer perfume, de 1600 años antes de Cristo, el kyfi” destacó Armstrong en referencia al perfume del Antiguo Egipto.

El antiguo aroma puede sentirse en el sótano del museo en el que se exhibe la primera parte del recorrido, dedicado a la historia del perfume.

La segunda parte del museo busca “la inmersión sensorial en los olores cotidianos” y la última “es un homenaje a los creadores de perfume a los que les eleva al nivel de artistas” explicó su directora.

En unas vitrinas, el museo muestra olores de todo tipo, buenos pero también malos, y entre ellos llama la atención que puede olfatearse el aroma del cannabis e incluso la recreación del olor de un antro nocturno.

Un escritor joven que no lee de todo se mutila: Enrique Serna

En el marco de la conmemoración de los 10 años de la Preparatoria Ibero Puebla, la Universidad Iberoamericana Puebla en conjunto con la librería Universitaria Gabriel Anaya y Duarte, llevó a cabo el encuentro Amores de segunda mano, el cual reunió a alumnos de segundo, cuarto y quinto semestre, de las Preparatorias Ibero Puebla y Tlaxcala con el escritor Enrique Serna Rodríguez.

A lo largo de este espacio, Naschielly Valadez Guerrero y Sheilah Carmona Ángeles de la Prepa Ibero Tlaxcala, en compañía de Judith Jiménez Nieto, Fabio Sánchez Arévalo, Leonardo Daniel Ontiveros Centeno y Ariel Hernández Barrón, alumnos de la Prepa Ibero Puebla, expresaron de manera individual, la percepción de los cuentos que alberga el libro Amores de Segunda Mano.

Naschielly Valadez, fue la primera en compartir su reseña acerca de la obra realizada por Serna. Mencionó que el autor, “es un gran virtuoso de la expresión al desnudo, pues da a conocer el amor desde otras ideologías”.

La alumna de la Prepa Ibero Tlaxcala comentó que, en sus textos literarios, Enrique Serna no intenta educar al personaje o pervertir al lector, simplemente busca configurarlo como una persona capaz de comprender que el mundo es una expresión del lenguaje.

Por su parte, Sheilah Carmona Ángeles, mencionó que el escritor mexicano, a través de sus relatos, permite describir cuentos con un toque de ferocidad muy cercana a las múltiples realidades que pueblan en nuestro mundo. Del mismo modo, señaló que, mediante estos escritos, Serna busca compartir la idea de que la pobreza no es solo material, sino también espiritual.

Judith Jiménez, estudiante de la Preparatoria Ibero Puebla, indicó que Serna Rodríguez se muestra como un autor hábil y a la vez ingenioso, precioso en el lenguaje y con una presente finura busca mantener la atención de sus lectores. “Gracias al lenguaje no formal y la puesta en escena de sucesos cotidianos, a través de sus cuentos, busca compartirnos sus ideas acerca de cómo es amar y la multiplicada de amores”.

Posteriormente, Fabio Sánchez puntualizó que el origen de los personajes utilizados en los cuentos realizados por Enrique Serna, cada uno se rige bajo su propia psicología, “Serna es uno de los pocos autores que no deja rastro de sí mismo en sus personajes”.

Del mismo modo, Leonardo Daniel comentó que el estilo de lectura de Serna es bastante peculiar y podría no ser del agrado de todo el público, pero no por eso significa que no sea de gran valor.

Finalmente, Ariel Hernández mencionó que Amores de segunda mano se distingue por reflejar una clase de viaje por nuestros más obscuros deseos. “Serna juega con los cuentos de una manera diferente, absorbiendo al lector en su historia”.

Al término de la participación de los alumnos, Enrique Serna, autor mexicano egresado de la UNAM, agradeció el poder escuchar este tipo de retroalimentación, especialmente de jóvenes lectores, pues siembre resulta gratificante para un escritor.

“Hablar de la propia obra, pone en peligro al escritor al tratar de explicar lo que éste quiso decir, por eso este tipo de espacios y ejercicios son importantes, pues nos permite escuchar cómo el lector observar e interpreta a cada uno de los personajes”, señaló el galardonado del Premio Mazatlán de Literatura (2002).

En lo relacionado a su obra Amores de segunda mano, el ensayista comentó que fue escrita en 1991, posterior al trabajo realizado por el autor a través de más de diez años. “Un libro de esta naturaleza tiene un proceso diferente al de una novela, pues los cuentos no se fuerzan ni la imaginación se obliga”.

Sobre el proceso de un escritor principiante, el argumentista de telenovelas, hizo referencia a su propia historia y cómo resulta bastante interesante, pues a través de los pensamientos, la lectura y la escritura, un autor en potencia va descubriendo sus capacidades y herramientas que tiene al crear literatura: el lenguaje corrige al pensamiento.

En relación a esto, para la gente que tiene vocación literaria, Serna recomendó leer siempre a los clásicos buscando crear un contraste entre lo que uno escribe y la manera en la que desarrolla sus ideas. Igualmente recomendó leer a los contemporáneos como Paz, Neruda, Machado Lorca, “estas lecturas nos enseñan a escribir y ese ejercicio nos enseña a pensar mejor”.

Por último, Enrique Serna subrayó que los libros no solo se leen, se viven y eso pasa en la adolescencia temprana porque después ya hay ideologías y formas de ver el mundo que es difícil de cambiar, pero entre los 15 y 25 años los libros nos transforman y nos sacuden.

Ser escritor significa una labor de rigurosidad y complejidad: Ortuño

Antonio Ortuño (Zapopan, 1976) es un narrador que dedica muchas horas a trabajar con las palabras.

Repele la idea del escritor como figura cercana al poder y no se interesa por formar parte del mundo literario, pero ese ambiente fue precisamente el punto de partida para La Vaga Ambición, un libro de seis relatos con el que acaba de ganar la quinta edición del Premio Ribera del Duero.

“Yo quiero pensar que no formo parte, al menos central, del mundillo literario. Generalmente estoy en casa escribiendo, no hago vida pública, salvo en la Feria Internacional del Libro (de Guadalajara), y el libro sí tiene que ver con esta idea de que la propia experiencia de lo que pasa en el mundillo literario puede ser un buen combustible y un buen motor para la literatura, para escribir sobre eso sobre esta parte mezquina”, describe.

Para Ortuño, ser escritor significa una labor de rigurosidad y complejidad que reclama mucho tiempo de redacción, reescritura y edición.

Ese es el papel que le interesa como narrador, no el que se asocia a la figura idealizada de un autor, que puede llegar a ser algo grotesca.

“El problema es que en México muchos escritores llegan a ser caudillos, a tener discípulos, a sentarse a cenar con el Presidente, pero yo no aspiro a eso, ni lo aceptaré de ningún modo, a mí me importa otra cosa, que es que me lean, y ahora no me quejo, tengo muchísimos lectores en México a quienes les agradezco infinitamente que lean”, expresa.

El galardón, otorgado por el Consejo Regulador de la Denominación del Origen Ribera del Duero y la editorial Páginas de Espuma en España, está dotado con 50 mil euros y este año lo disputaron 845 cuentistas de 36 países.

Para Ortuño ganar este reconocimiento, dedicado al relato breve, es importante porque trabajó mucho tiempo en esos textos.

“Claro que estoy feliz me gusta mucho que haya sido un premio de cuento, estoy muy contento con el libro sale próximamente, se juntaron muchas cosas importantes en este libro, creo que es un muy buen libro de cuentos y estoy feliz.

“La novela es como residir en un lugar, es estar ahí, construir; el cuento se parece más a visitar un sitio, vas rápido y es más intenso. Es un tipo de trabajo distinto, no es que le dé más importancia a una cosa que a otra, soy narrador antes que nada, me gusta hacer novelas, me gusta hacer cuentos y celebro mucho esto porque era un proyecto importante para mí, en el que estuve trabajando mucho tiempo”, manifiesta.

Ortuño es autor de libros como El Buscador de Cabezas, Recursos Humanos, Ánima, La Fila India y Méjico. También ha escrito colecciones de cuentos como El Jardín Japonés y La Señora Rojo.

El tapatío ha sido finalista del Premio Herralde de Novela y seleccionado por la revista británica Granta, como una de las plumas más destacadas de la literatura en español contemporánea. Sus libros han sido traducidos a una decena de idiomas

Fuente: Reforma

Egresada UDLAP expone en Brooklyn, Nueva York

En el marco de los Estudios Abiertos en el barrio de Bushwick en Brooklyn Nueva York, la egresada de la Licenciatura en Diseño de Información Visual de la Universidad de las Américas Puebla, María José Martínez Coutiño, fue elegida junto con otros 14 artistas mexicanos para presentar su obra en octubre de 2016.

Estudios abiertos es una convocatoria donde las galerías y escuelas de arte del barrio de Bushwick, abren sus puertas para dar a conocer la obra de los artistas “ya colocados” así como de los emergentes; se trata de “una fiesta de arte y cultura”, afirma María Coutinho.

María Coutinho expuso su obra con el colectivo Méxtasis, movimiento de arte que representa a los mexicanos en Estados Unidos, que generen propuestas provocativas que alteren y extasíen al espectador transmitiendo el México fascinante. Para esta muestra el tema fue arte mexicano; es decir, presentar lo que están haciendo los artistas mexicanos en México y fuera de él. La obra de la egresada UDLAP es parte de la serie “Paisaje imposible”, donde combina la fotografía digital de paisaje y collage. “Esta serie tiene como objetivo llenar el vacío aparente que existe en el espacio, mostrando lo rico y hermoso que es nuestro país. Para esta exposición envié una obra de un paisaje oaxaqueño, con un niño sobre una alfombra a la que llamé Volando bajo”, explicó la artista.

Los artistas presentes en “Se habla de arte mexicano” fueron seleccionados por un jurado de arte integrado por Ilaria Conti, Bárbara Calderón y la también egresada UDLAP Dulce Pinzón. “Ser parte del grupo que eligió Méxtasis para representar el arte mexicano, pero sobre todo a mí misma y a los que quiero, fue un orgullo enorme”, expresó María Coutinho.

Finalmente, la artista, agradeció a la Universidad de las Américas Puebla por haber sido su casa durante su vida estudiantil, pues además de las gratas experiencias y excelentes profesores “haces una cantidad increíble de contactos, que son de gran valor, pues no se trata sólo de ser comunidad UDLAP, se trata de hacer comunidad allá afuera para apoyarnos, laboral y profesionalmente”, finalizó.

Gana Ray Loriga Premio Alfaguara

El escritor español Ray Loriga, también guionista y director de cine, ganó el Premio Alfaguara de Novela 2017, por “Rendición”.

Elena Poniatowska, presidenta del jurado, leyó el fallo, desde Madrid, en donde se escogió a Loriga por construir una fábula luminosa sobre el destierro, la pérdida, la paternidad y los afectos.

En México, se conoció la decisión a través de videoconferencia desde las oficinas de Penguin Random House.

El jurado calificó su novela como orwelliana y kafkiana.

Andrés Neuman, escritor argentino y miembro del jurado, consideró la novela como un género raro, una novela picaresca de ciencia ficción.

Santiago Roncagliolo, también parte del jurado, la tachó como ambiciosa.

“Volví al autor que en los 90 me enseñó que no hay que escribir como si fuéramos una provincia”, dijo.

Loriga, autor también de “Héroes” y “Za Za, emperador de Ibiza”, hace referencias al cine y la música. Fue el guionista de “Carne Trémula”, de Pedro Almodóvar.

El ganador, de 50 años, comentó que la pregunta que se hizo al escribir el libro fue ¿quiénes somos cuando nos cambian las circunstancias?

Loriga mencionó de inmediato la influencia del autor del “Llano en Llamas”.

“Yo no sería quien soy sin Juan Rulfo. Todo lo inteligente de mi libro tiene la sombra de Juan Rulfo. Es muy difícil caminar sin sombras”, expresó el ganador.

Para esta edición, la vigésima, se recibieron 665 manuscritos, 91 de México.

La bolsa del Premio es de 175 mil dólares. El ganador del año pasado fue Eduardo Sachieri.

Con información de Reforma

Antonio Ortuño gana Premio literario Ribera del Duero

El escritor mexicano Antonio Ortuño fue declarado ganador del V Premio Ribera del Duero por su obra “La vaga ambición”, integrada por seis cuentos que con humor, ironía y realismo describen la naturaleza de la escritura, informó hoy aquí el jurado.

En rueda de prensa, el jurado presidido por la escritora Almudena Grandes leyó el falló en el que consideró que Ortuño demuestra en su obra “dominio para desarrollar un tema común, que aborda la naturaleza de la escritura”.

Acompañada de los demás miembros del jurado, los escritores Sara Mesa y Juan Bonilla, el presidente del Consejo Regulador de la Denominación de Origen Ribera del Duero, Enrique Pascual, y el director de la editorial Páginas de Espuma, Juan Casamayor, destacó el humor y la ironía con que desarrolla los cuentos.

Al recibir el premio, el premiado recordó sus orígenes desde sus abuelos en la Guerra Civil Española, su infancia en Jalisco, México, y los inicios en la literatura conformando desde cero su placer primero por la lectura y sus aspiraciones fallidas como futuro jugador de futbol.

El autor (Zapopan, Jalisco, México, 1976) crea en estos seis cuentos al escritor Arturo Murray, “que es un personaje quejoso que sufre, tiene momentos amargos, absurdos, ridículos, pero también algunas alegrías y hasta venganzas minúsculas en el quehacer literario”.

Recordó algunas referencias que en el pasado han trabajado ficción autobiográfica como Jorge Ibargüengoitia, Ana García Bergua, Gerald Durrell y otros.

Almudena Grandes expuso que se trató de una decisión muy debatida adoptada por mayoría de los integrantes del jurado, que optó por la obra de Ortuño que consideró un “libro compacto, unitario, con humor y conmovedor”.

Bonilla y Mesa coincidieron en que se trata de un libro “que tiene como protagonista a la escritura, y que la unidad de las historias lo hace muy personal e intenso”.

Ortuño fue finalista junto a otros cuatro autores: el venezolano Rodrigo Blanco Calderón con “Los terneros”; los españoles Jesús Ferrero y Elvira Navarro, con “Las cien lunas de Babel” y “La isla de los conejos”, respectivamente y el argentino Patricio Pron, con “Lo que está y no se usa nos fulminará”.

Ha publicado las novelas “El buscador de cabezas” (2006), “Recursos humanos” (2007), “Ánima” (2011), “La fila india” (2013), “Blackboy” (2014, con el seudónimo “A. del Val”), “Méjico” (2015) y “El rastro” (2016).

También tres libros de relatos, “El jardín japonés” (2007), “La Señora Rojo” (2010) y la antología personal “Agua corriente” (2015).

Fue ganador del Premio de la Fundación Cuatrogatos, de Miami, al mejor libro juvenil por “El rastro” (2017) y primer finalista del premio Herralde de novela (Barcelona, 2007) por “Recursos humanos”.

La revista británica Granta lo eligió como el único mexicano en su selección de mejores escritores jóvenes en español (2010), mientras que la revista GQ lo premió como “Escritor del año” en 2011.

Fue seleccionado como uno de los mejores escritores menores de 40 años en la antología México20, auspiciada por The Brisith Council, el Hay Festival y la Secretaría de Cultura de México. Ha sido traducido a nueve idiomas.

Ha colaborado con numerosos medios como Le Monde Diplomatique, The Review, MAKE, Words Without Borders, El País, La Vanguardia, Mercurio, ABC, The Short Story Project, Lateral, Maaboret, Inutile Magazine, Kort Verhaal, Página 12, Ñ, Etiqueta Negra, Arcadia, El Tiempo, Don Juan, La Tercera y El Mercurio.

Falleció Sergio González Rodríguez

El escritor y periodista Sergio González Rodríguez, quien recorrió a través de su obra la ruta del horror con los feminicidios en Ciudad Juárez, las decapitaciones y usos rituales de la violencia de los grupos criminales, falleció este lunes a los 67 años a consecuencia de un infarto.

Su deceso, ocurrido esta madrugada en un hospital del sur de la Ciudad de México, fue confirmado por la familia del ensayista y crítico.

“Entre los pliegues de la normalidad se está dando la barbarie”, dijo González Rodríguez, a propósito de la aparición de Los 43 de Iguala, donde refutó la verdad histórica de la PGR y elaboró una crónica personal sobre la desaparición forzada de los estudiantes de la Escuela Normal Rural de Ayotzinapa.

Campo de guerra completó la trilogía que comenzó con Huesos en el desierto, sobre los feminicidios en Ciudad Juárez, al que siguió su interpretación acerca de las decapitaciones por parte de grupos criminales en El hombre sin cabeza.

Siempre se propuso escribir sobre la violencia y la injusticia asociadas al narcotráfico desde la perspectiva cultural. Describía su mente repleta de temas como una “licuadora infernal”. Su paraíso en la Tierra, decía, era una sala de cine.

Su obra también tocó la ficción como en la novela El artista adolescente que confundía el mundo con un cómic, donde escribió sobre la adolescencia a partir del protagonista Dano, un aspirante a escritor de novelas gráficas.

González Rodríguez recibió el Homenaje Nacional de Periodismo Cultural Fernando Benítez. Colaboró en el suplemento El Ángel de Reforma, donde fue editor y columnista. También escribió en el suplemento México en la Cultura, fundado por Benítez, y las revistas Letras Libres y Nexos.
Con información de Reforma / Notimex

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