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Ximena Cuevas desea que cenizas de su padre sean depositadas en Museo y Rotonda (FOTOS)

Ximena Cuevas, hija del laureado artista plástico José Luis Cuevas (1934-2017) manifestó su deseo porque las cenizas de su progenitor descansen en dos lugares: el museo que lleva el nombre del pintor y la Rotonda de las Personas Ilustres.

Entrevistada previo a la apertura de la exposición “José Luis Cuevas y su colección, a 25 años”, en el recinto que lleva el nombre de su padre, la artista visual destacó que la calidad artística de su padre merece que sus cenizas descansen en ambos sitios pues “es un artista que rompe y abre las posibilidades del arte en México, un portavoz de toda una generación”.

Ximena Cuevas, quien a su arribo al recinto ubicado en la calle La Academia, sorprendió y atrapó las miradas de los presentes, aseguró desconocer las causas de muerte de su padre, “no sé de qué falleció y genéticamente si me interesa saberlo porque cada vez que te haces un examen te preguntan los antecedentes de la familia”, destacó.

Pidió que el Museo José Luis Cuevas retome su vocación original, con gente profesional, que se revise de manera seria tanto el acervo como la figura que fue su padre en el arte mexicano. “Lo lindo del Museo Cuevas es que en sus inicios su vocación era el arte latinoamericano y guardar el legado de José Luis Cuevas que es muy compleja”.

Confió que al lugar llegue gente profesional, “curadores tan inteligentes como Daniel García Usabiaga, Sol Henaro y Santoscoy, quienes puedan realizar una revisión sería del legado de José Luis Cuevas, creo que es el momento de revisar al gran artista que fue José Luis Cuevas”.

Para Ximena Cuevas, lo anterior se puede lograr al platicar con autoridades a fin de que el acervo quede en las mejores manos, “porque somos el linaje y confiamos en que el legado esté en las manos correctas y simplemente formar parte del resurgimiento del museo”.

Recordó que su padre tuvo la generosidad de donar a México su obra, “entonces debe de haber instituciones y profesionales que realicen una revisión seria del museo”, consideró Ximena para luego dirigirse a la monumental escultura “La Giganta”, encender una veladora al pie de la obra de bronce y ofrecer una oración a su padre.

A la exposición “José Luis Cuevas y su colección, a 25 años” también asistieron Mariana y María José, quienes expresaron su felicidad de poder regresar al Museo que lleva el nombre de su padre.

“Para mi es demasiado, pero es increíble estar aquí nuevamente en este lugar que es parte de él y que debemos de cuidar mucho para que siga vivo a través de su arte”, dijo Mariana a la prensa.

Mientras que María José compartió su deseo por realizar un documental sobre la vida de su padre, “en estos momentos estoy sintiendo a mis padres más cerca que nunca, este museo me unió una vez más a mi padre y a mi madre, nos unió como familia simbólicamente”, expresó.

Puebla, sede del Festival Nacional Danzonero

Con el apoyo del Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla (IMACP), la asociación Fomento del Baile y la Cultura Popular (FBCP), invitan a grupos de danzoneros del país y al público en general a celebrar los 138 años de vida de “su majestad el danzón”, del 19 al 22 de julio en tres distintas sedes de la ciudad.

En rueda de prensa, Rafael Navarro Guerrero, subdirector de Desarrollo Artístico y Cultural del IMACP, indicó que en este marco cultural enfocado a fortalecer la práctica del danzón, iniciará a las 15:30 horas del miércoles 19, con la proyección cinematográfica Danzón, en la sala de proyecciones del IMACP (3 Norte 3, Centro Histórico), con entrada libre. En esta misma sede, precisó, se impartirá una conferencia sobre la cultura de este baile, a cargo Raúl Ibarra Estrada y Lupita Morán Hermoso, miembros fundadores de dicha asociación, el 20 de julio a las 17 horas, en el salón de usos múltiples.

Por su parte, Elodia Márquez Cabrera, Presidente del Patronato de Fomento de Baile y la Cultura Popular, y Raúl Ibarra Estrada, Vocal del Centro Nacional de Investigación y Difusión del Danzón, reconocieron el apoyo y compromiso del organismo para fomentar el ejercicio de este baile.

Asimismo el festival que reúne a alrededor de mil 500 danzoneros, ofrecerá al público poblano un taller para principiantes y un seminario coreográfico, que se llevarán a cabo el viernes 21 a partir de las 17 horas, en el Patio del Museo del Ejército y Fuerza Aérea Mexicana (13 sur 103, Centro Histórico).

El evento concluirá el 22 de julio con la Muestra Nacional de Danzón, donde participarán 30 delegaciones de todo el país en el Teatro Principal (8 Oriente, Centro Histórico), a las 11 horas, con un donativo de 25 pesos, siendo la antesala para la clausura del festival a las 20 horas con la cena-baile, de la mano de las interpretaciones de Santa Luna y La Nueva Danzonera, Danzonera La Playa y de la Orquesta del Maestro Miguel Ángel Ávila, en el Salón Country (San Ignacio 824, colonia San Manuel).

Toda la información sobre costos, inscripciones y requisitos, puede consultarse a través del correo electrónico danzonpuebla@yahoo.com.mx o al número telefónico 2 44 00 21.

Eduardo Abaroa lleva su “Tipología del estorbo” al Museo Amparo

El artista mexicano Eduardo Abaroa (1968) propone, a través de su obra, una reconfiguración de lo cotidiano; utiliza o alude a objetos, espacios o situaciones comunes con el fin de alterar su función y entendimiento habitual, lo cual queda de manifiesto en “Tipología del estorbo”, exposición que se presenta en el Museo Amparo de Puebla hasta el 2 de octubre.

Las salas de exposición temporal del recinto poblano albergan una selección de 20 piezas bidimensionales, tridimensionales y videos realizados por el artista desde 1990 hasta la fecha, bajo la curaduría de Daniel Garza Usabiaga.

La presencia física de este mundo ordinario trastocado, a través de esculturas, instalaciones o intervenciones en el espacio público, parece materializar la posibilidad de que la esfera de lo cotidiano pueda ser y entenderse de distintas maneras.

En este conjunto el espectador puede apreciar distintas estrategias formales, soluciones plásticas, intereses conceptuales y perspectivas críticas que caracterizan su producción.

Destaca el proyecto “Destrucción total del Museo de Antropología” (2012) que especula sobre la demolición del icónico y simbólico edificio construido por Pedro Ramírez Vázquez y Rafael Mijares en 1964.

También incluye los videos “La gran catástrofe del oxígeno” (2016), perteneciente al proyecto “Fotosíntesis”, una obra de ciencia ficción intertextual y low-tech, y “La caverna del diablo” (2017) una reflexión visual elaborada en el interior de una gruta volcánica en el estado de Morelos.

Planea Ximena Cuevas plasmar en video la vida de su padre (FOTOS)

José Luis Cuevas fue despedido en Bellas Artes en medio de aplausos para él y para Bertha, la mujer de su vida

Por Juan Carlos Castellanos C.

“¿Dónde están y dónde van a reposar eternamente las cenizas de mi padre? No lo sé, pero su recuerdo, su memoria y todas sus enseñanzas, las llevo en la piel, en la sangre y en el corazón; ahí vivirá siempre”, respondió Ximena Cuevas, hija del pintor y escultor mexicano José Luis Cuevas, quien murió ayer en esta ciudad.

Entrevistada al término del homenaje que la Secretaría de Cultura federal y el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) rindieron esta tarde al artista plástico, Ximena Cuevas aseveró que nunca estuvo ni estará lejos de su padre. “Es mi sangre, es mi piel, mi sentido del humor y de creatividad… es mi padre”, dijo.

Todavía emocionada por las muestras de solidaridad y apoyo que cientos de personas le dieron durante la ceremonia llevada a cabo en el Palacio de Bellas Artes, hasta donde los asistentes la colmaron de vivas y vítores, Ximena expresó que lo que sigue es acordarse siempre de él y poner en un lugar divino el legado de José Luis Cuevas, el gran artista.

La entrevistada dejó ver que entre los planes conjuntos que ella y sus hermanas Mariana y María José Cuevas tienen para el corto plazo, está realizar un video documental que recupere toda la fuerza y belleza de lo que fue José Luis Cuevas, tanto en su calidad de ser humano como en sus facetas de buen padre, amigo, artista y excelente ciudadano.

De acuerdo con Ximena Cuevas, quienes tuvieron la suerte de conocerlo y estar cerca de él saben perfectamente que fue el mejor narrador, un magnífico imitador, un espléndido histrión, un conquistador extraordinario y un charlista maravilloso. “Los domingos, la casa de mis papás, José Luis y Bertha, era una casa abierta para quien quisiera visitarlos”.

Recordó que José Luis Cuevas recibía a amigos, colegas y familiares en bata, a quienes obsequiaba con lo mejor de sí mismo porque también era un singular émulo de Anfitrión. “La casa estaba abierta y las tertulias eran una cosa lindísima”, finiquitó Ximena Cuevas, quien bajo la lluvia de esta tarde en el centro de la ciudad, partió orgullosa.

Alcanza pelea familiar homenaje a Cuevas (FOTOS)

El conflicto entre la viuda de José Luis Cuevas, Beatriz del Carmen Bazán, y las tres hijas del artista marcó el homenaje que se llevó a cabo en el Palacio de Bellas Artes.

Con pompa, institucional, la viuda descendió por la escalera central hacia el vestíbulo, tras las cenizas de Cuevas. Con ella iban los titulares de las Secretarías de Cultura federal y local, María Cristina García Cepeda y Eduardo Vázquez Martín.

Junto con el subsecretario de Desarrollo Cultural, Saúl Juárez, y la titular del INBA, Lidia Camacho, encabezaron la primera guardia de honor, que se llevó a cabo con la solemnidad habitual.

Después, llegaron hacia la urna Ximena, María José y Mariana Cuevas.

Las tres levantaron los brazos y lanzaron gritos al aire al verse reunidas con su padre. Por la mañana, María José había denunciado que se enteró de su muerte por Twitter.

Gran parte de la concurrencia, sobre todo un sector de la familia, vitorearon a las hijas con proclamas de “¡Arriba las Cuevas!”, “¡No están solas!” y “¡Arriba Bertha!”, en referencia a la madre de las tres hermanas.

Como oradores, siguieron María Cristina García Cepeda y el arquitecto Fernando González Gortázar, amigo del artista, quien previamente había recordado su relación con él, la complicidad que tenía con Carlos Monsiváis y su atención al arte popular.

La voz del poeta Homero Aridjis fue contundente. Llamó a Cuevas “el amigo secuestrado”, refirió que estaba “como entoloacheado” y dudó de la premura de su cremación.

Al inicio del homenaje, la actriz Marisol Gasé, integrante de Las Reinas Chulas, pidió que no quede impune la demanda que las hijas del artista promovieron contra Beatriz del Carmen Bazán, viuda de Cuevas, y anunció que las tres hermanas harán un pronunciamiento público.

Ximena, María José y Mariana Cuevas han denunciado por años que Bazán mantenía al artista incomunicado del resto de su familia y que era negligente en su cuidado. En 2013, interpusieron una demanda ante la PGJ por presuntos maltratos hacia él, quien defendió a su esposa reiteradas veces en público.

Con información de Reforma

El muralista Antonio González Orozco escribe Réquiem por José Luis Cuevas

Antonio González Orozco (Chihuahua, 10 de mayo de 1933), autor de murales emblemáticas como “Entrada Triunfal de Benito Juárez a la Ciudad de México”, pintado en 1967 en el Castillo de Chapultepec, y “La República Peregrina” que se localiza en el Centro Histórico de Parral, Chihuahua, recordó hoy al pintor José Luis Cuevas , quien falleció ayer en esta capital.

Desde su casa-estudio en el pueblo Tetelpan en la Alcaldía Álvaro Obregón en la Ciudad de México, el muralista mexicano de talla mundial compartió en exclusiva con Notimex el Réquiem que escribió hoy por José Luis Cuevas, en el que deja ver las diferencias que ambos tuvieron, producto de sus ideas culturales.

“Es de buena educación hablar bien de las personas en cuanto fallecen. Sin embargo, en ocasión del deceso de José Luis Cuevas, no podría hacerlo, ya que en realidad ni fue santo de mi devoción, ni tuvimos contacto alguno a no ser que consideremos sus agresivos libelos contra del maestro Diego Rivera”, inicia el texto de González Orozco.

“Aparte de ello, que con cierta dosis de tolerancia bien pudiésemos pasar por alto, porque nadie es perfecto, me queda el recuerdo indeleble de aquella mañana en la Rotonda de los Hombres Ilustres, a donde habíamos acudido al sepelio del recién fallecido pintor Diego Rivera”, añade el autor de murales y obras de caballete celebradas en diversos ámbitos.

El Réquiem destaca que “justo en el momento de mayor solemnidad, cuando lentamente varios compañeros conducían a hombros el féretro del gran hombre a la tumba, sorpresivamente y de la nada, brotó José Luis Cuevas. Y ante el azoro de todos, se puso al frente del cortejo simulando cargar el ataúd, sólo el tiempo preciso para que le tomaran la foto.

“Así de oportunista era. Luego, ante la ira de quienes lo abucheaban, rápido puso pies en polvorosa, seguramente para festejar su hazaña. Me pareció ese un acto sumamente deleznable y ruin, de un exhibicionismo enfermizo, agravado por sus constantes y sistemáticas diatribas en la prensa contra el maestro muralista Diego Rivera”, abunda González Orozco.

“A este respecto, no hace mucho García Bustos y Rina Lazo afirmaron en las páginas de la Revista Proceso (Cfr. No. 2075), que tales escritos eran en realidad obra del cubano José Gómez Sicre, en contra del muralismo mexicano. Pido disculpas por no sumarme al coro de los elogios, sin embargo, como a todo ser humano, con el debido respeto sólo digo que descanse en paz”, concluye.

Calle La Academia perdió a uno de sus vecinos ilustres, José Luis Cuevas

En la céntrica arteria se ubica el museo personal del pintor mexicano

Por Juan Carlos Castellanos

Desde siempre y de manera especial a partir del 8 de julio de 1992 por la calle La Academia, ubicada en el Centro Histórico de la capital mexicana, José Luis Cuevas fue un andarín consumado, producto de su amor por la ciudad que lo vio nacer; hoy esa calle siente la pérdida de un vecino ilustre.

El 8 de julio de 1992 fue inaugurado el Museo José Luis Cuevas con una ceremonia encabezada por el entonces Presidente de México, Carlos Salinas de Gortari. Desde entonces la escultura “La Giganta”, obra de José Luis Cuevas, colocada en el mero centro del recinto, es quien simboliza a ese espacio cultural abierto a todas las ramas del arte.

Esta mañana húmeda, con un Sol tímido que apenas asomaba sobre el primer cuadro de la capital del país, la calle La Academia lucía una soledad rara y singular. Sobre su acera poniente, donde se levanta el Museo José Luis Cuevas, pocas personas deambulaban y un comercio formal e informal enmarcaron la escena de luto por José Luis “El niño rebelde”.

Notimex llegó hasta el número 13 de esa calle, casa del museo que Cuevas soñó e hizo realidad. Cerrado este día al público, porque se está montando una nueva exposición, ese museo presenta una actividad inusual: Artistas y museógrafos que colocan estéticamente las piezas de la inminente muestra, trabajan al lado de empleados que manifiestan su luto.

A punto estaban esta mañana de colocar un enorme moño negro, señal de duelo, no en la puerta principal del edificio, sino colgando del barandal del primer piso del inmueble, a modo de que al ingresar, el visitante lo observe, y acaso, eleve una oración, revalore la obra heredada por José Luis Cuevas (1934-2017) y comparta su desconsuelo con la épica “Giganta”.

Las autoridades del recinto dicen que el Centro Histórico es uno de los más hermosos no sólo del país, sino del continente, y cuenta con tres etapas: El México Precolombino, el México de la Colonia con su arte religioso, y el México de hoy. Y uno de los conventos más sublimes es el de Santa Inés, a un costado de la Catedral. Ahora está ahí el museo.

Este convento data de finales del siglo XVI y fue construido por el arquitecto Alonso Martínez López y en el altar están los restos del pintor Miguel Cabrera. Albergaba a 33 religiosas, una por cada año de vida de Cristo en la Tierra, y años más tarde colocaron un taller de herrería en el terreno adyacente, afectando la tranquilidad de las reverendas.

Agotados los fondos de las religiosas, recurrieron a la rifa de billetes de la Real Lotería para financiar la compostura del convento, afectada por el mismo taller de herrería que al mismo tiempo era cerrajería. El arquitecto Manuel Tolsá hizo las reparaciones; en 1932 se declaró monumento histórico y en 1967 se vendió a particulares para hacerlo vecindad.

En un texto escrito por Beatriz del Carmen Bazán, hoy viuda de Cuevas, mismo que está al alcance de quien se interese en este museo, a mediados de 1970 José Luis Cuevas había reunido una gran colección de obras de artistas latinoamericanos, con el deseo de crear un museo que llevara su nombre y albergara parte de su propia trabajo.

Durante algún tiempo esta obra, que constantemente aumentaba, estuvo bajo resguardo en las bodegas del Museo Carrillo Gil. El museógrafo Fernando Gamboa, gran amigo de Cuevas, insistía que el museo debería estar dedicado a la obra de Cuevas. Los dos se dieron a la tarea de recorrer el centro de la ciudad en busca del lugar apropiado para eso.

En algún momento pensaron en un viejo edificio donde Venegas Arroyo estableció una imprenta en la que trabajó durante muchos años con José Guadalupe Posada. Desde el punto de vista histórico la idea parecía buena, pero el lugar donde Posada realizó la mayoría de sus grabados en madera era demasiado pequeño para la colección. Así que desistieron.

Por haber nacido en el Centro de la Ciudad, José Luis Cuevas insistía en encontrar un inmueble que estuviera en un lugar próximo al barrio donde transcurrieron sus primeros años de vida. Gamboa, con esa visión del futuro que le caracterizaba, no estaba de acuerdo en que el museo estuviera en el Centro, porque ya empezaba a ser invadido por el ambulantaje.

Después del largo peregrinaje de Cuevas y Gamboa, al que también asistían intelectuales de la talla de Octavio Paz, Fernando Benítez y Salvador Vázquez Araujo, quien era el encargado de encontrar el inmueble, finalmente se encontró un viejo edificio en ruinas, muy cerca de la Academia de San Carlos. Cuevas pensó que ese sería el lugar adecuado.

Sin embargo, requería de un enorme trabajo de restauración. Dos Presidentes de México aceptaron la creación del museo, ellos fueron Miguel de la Madrid y Carlos Salinas de Gortari, con quienes Cuevas tenía amistad. Aceptado el proyecto, se tenía que reubicar a quienes habitaban en esas vecindades miserables y en un descuidado depósito de telas.

A pesar de estos inconvenientes Cuevas y Vázquez Araujo insistieron que ese sería un lugar adecuado, aunque requeriría un trabajo titánico para convertir al andrajoso edificio en un museo del siglo XX. Desde joven, Cuevas caminaba por las calles de La Academia con curiosidad sobre todo lo que fuera aledaño a las más antigua escuela de arte que tuvo México.

Terminada la restauración, el Museo José Luis Cuevas se inauguró el 8 de julio de 1992, en cuyo centro del patio Cuevas había realizado la escultura en bronce de ocho metros de alto y ocho toneladas de peso, “La Giganta” o “El Gigante”, Cuevas, se inspiró en dos poemas: “La giganta”, del poeta francés Charles Baudelaire (1821-1867) y “La giganta”, del mexicano Salvador Díaz Mirón (1853-1928). Hoy, esa escultura llora a su creador.

Comienza el Festival Internacional de Cello

Este lunes dio inicio la tercera edición del Cfest Festival Internacional del Cello con un emotivo concierto, ofrecido por el cellista Eduardo Palao, acompañado del violista Javier Montiel y del cuarteto Camerata Gioia.

En las instalaciones de Profética Casa de la Lectura, los asistentes pudieron disfrutar de “Una velada de Cámara Mozart vs Mozart”, en el que fueron interpretadas piezas de un amplio repertorio de música clásica.

El cellista Eduardo Palao, el violista del Cuarteto Latinoamericano Javier Montiel y el cuarteto Camerata Gioia deleitaron al público con la interpretación de piezas musicales compuestas por el brillante compositor Wolfgang Amadeus Mozart.

Como parte de este festival internacional, del 3 al 8 de julio, los poblanos y visitantes, podrán disfrutar de otros conciertos que se realizarán en el marco del Festival Internacional de Cello.

Programa del Festival Internacional

Martes 4 de julio

• Master Classes del Cfest 10:00 am – 4:00 pm

• Concierto de solistas con orquesta el Auditorio de la unidad de Seminarios de la Cuidad Universitaria: “El Cello en el podio” 7:00 pm

Miércoles 5 de julio

• Recital de Adolfo Gutiérrez Arenas en el Auditorio del Museo Internacional del Barroco: “La voz solitaria” 7:00 pm

• Master Classes del Cfest 10:00 am – 4:00 pm

Jueves 6 de julio

• Master Classes del Cfest 10:00 am – 4:00 pm

Viernes 7 de julio

• Clase Magistral Adolfo Gutiérrez 9:00 am – 2:30 pm

• Ensemble de Cellos del Cfest en el Teatro del Complejo Cultural Universitario: “Una gran orquesta… de violonchelos” 7:00 pm

Sábado 8 de julio

• Concierto de Clausura del Festival en el Zócalo de Puebla: “Todo cellos, una voz” 12:00 pm

Para mayor información acerca de los conciertos e inscripciones puede consultar la página de internet www.cfestmexico.com

Alistan homenaje a José Luis Cuevas en el Palacio de Bellas Artes

José Luis Cuevas (Ciudad de México, 26 de febrero de 1934-3 de julio de 2017), uno de los rupturistas de la Escuela Mexicana de Pintura y con ello del muralismo mexicano en el que tomaron parte activa José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, será homenajeado esta tarde en el Palacio de Bellas Artes.

Así lo informó la directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes, Lidia Camacho Camacho, quien apuntó que como es habitual cada vez que una personalidad del arte o la cultura nacional fallece, el máximo recinto cultural del país abrirá sus puertas para recordar a José Luis Cuevas en el vestíbulo del palacio, donde se habrá de colocar un fotografía en gran formato del artista.

Mencionó que luego de entablar comunicación con pintora Beatriz del Carmen Bazán, viuda de Cuevas, se acordó que el acto solemne tenga lugar en el mencionado recinto por la tarde de hoy mismo, donde se evocará la obra y figura del ilustrador, pintor, escultor, escritor y grabador formado en el arte de manera prácticamente autodidacta.

Tras destacar que ya habló con Beatriz del Carmen, Lidia Camacho añadió que personal de Bellas Artes ya realiza los preparativos para que personalidades del mundo del arte, la cultura, el cine y otras esferas del quehacer humano, se despidan del artista y amigo. En el acuerdo de homenaje no tomaron parte las hijas del primer matrimonio de José Luis Cuevas, acotó.

“El Instituto Nacional de Bellas Artes rendirá este merecido homenaje al querido maestro José Luis Cuevas, y aunque aún no tenemos la hora precisa, podemos adelantar que será por la tarde”, abundó Camacho en sus declaraciones, quien añadió que a través de las redes sociales, numerosas personas del público han preguntado sobre el homenaje.

“Desde ayer que iniciamos las pláticas con Carmen Beatriz, estamos hablando del tipo de homenaje que habrá de ser. Lo importante es que la familia esté de acuerdo y como primer paso coincidimos en que sea en el Palacio de Bellas Artes; por parte de la viuda hay toda la disposición y por la nuestra lo haremos con mucho respeto”, sostuvo la funcionaria cultural.

Lidia Camacho calificó a José Luis Cuevas como “figura esencial del arte en México”, por lo que reiteró que en este momento se afinan los últimos detalles para que el homenaje público, el cual adelantó, será similar al de otras personalidades del arte o la cultura mexicana.

Así, en la plancha interna del Palacio de Bellas Artes se colocarán flores, el retrato del artista y todo lo necesario para que familiares, funcionarios y amigos cercanos lo puedan despedir.

Ruptura y renovación caracterizaron vida y obra de José Luis Cuevas

José Luis Cuevas, artista plástico que abarcó la pintura, escultura, gráfica y dibujo, así como incursionó en ámbitos como el periodismo y la correspondencia, nació el 26 de febrero de 1934 en la Ciudad de México.

De acuerdo con datos biográficos publicados en la página del artista en internet, realizó sus primeros estudios en la primaria pública “Benito Juárez”, de la colonia Roma, y desde esos años dejó ver su inclinación por las artes, en particular el dibujo.

Todavía en la escuela primaria, decorada con pinturas murales, decidió dedicarse a la pintura y en 1944 ingresó como alumno irregular a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, estudios que debió abandonar por una enfermedad.

Gracias a la asesoría de Lola Cueto, para 1947 creó sus primeros grabados en el México City College, mismo año en el que impartió clases de Historia del Arte en el Instituto Coronet Hall, y al siguiente su exhibió por primera vez su trabajo, en el Seminario Axiológico.

En 1953 realizó su primera exposición individual, en la Galería Priesse, con una crítica favorable, y entonces el coleccionista Alvar Carrillo Gil le compró los trabajos de la serie “La casa rosa”, y al año siguiente viajó a Nueva York para exponer su obra, despertando el interés de la crítica.

Un año después lo conoció el muralista David Alfaro Siqueiros, quien lo elogió; en 1956 el productor Manuel Barbachano Ponce realizó el documental “El pintor del rictus”, y en 1957 viajó a Filadelfia, Estados Unidos, para ilustrar un libro sobre el escritor checo Franz Karfka.

Uno de sus momentos más relevantes sucedió en 1958 cuando en el suplemento “México en la Cultura”, del diario “Novedades”, hizo referencia a la “cortina de nopal”, una crítica al muralismo y el nacionalismo pictórico, para en los años siguiente sumarse sus exposiciones en el extranjero, sobre todo en países de América.

En 1961 contrajo matrimonio con Bertha Riestra y viajó a Roma para exponer, generando revuelo su obra “Los Funerales de un Dictador “, así como el tríptico “La Caída de Franco”. Continuaron sus exposiciones y en 1963 se trasladó a Marruecos, donde conoció al pintor Francis Bacon.

En 1964 recibió el Premio de Excelencia en Arte y Diseño, en la XXIX Exposición Anual del Club de Directores Artísticos de Filadelfia y al año siguiente el Madeco en la II Bienal Iberoamericana de Grabado y en 1968 la Medalla de Oro en la I Trienal de Grabado de Nueva Delhi.

Los éxitos se sucedieron en los años siguientes y en 1970 el poeta mexicano Octavio Paz, Premio Nobel de Literatura, le dedicó el poema “Totalidad y fragmento”.

En 1976 llevó su exposición “José Luis Cuevas. Su infierno terrenal”, luego se autoexilió en Francia, donde el Museo de Arte Moderno de París le dedicó una gran retrospectiva de dibujo. Tres años después regresó a México con la exposición “José Luis Cuevas. El regreso de otro hijo pródigo” en el Museo de Arte Moderno.

Cuevas no dejó de exponer en el extranjero, poniendo en alto el nombre de México, de recibir reconocimientos, y en 1981 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes.

En 1985 inició su reconocida columna periodística “Cuevario”, en 1991 recibió el reconocimiento de la Orden de Caballero de las Artes y las Letras del gobierno de Francia y realizó la escultura monumental “La Giganta”. Al año siguiente abrió el museo que lleva su nombre, en la Ciudad de México.

Para 1994 publicó su libro biográfico “Gato Macho” y un año después elaboró un mural de talavera poblana en la esquina de las calles de Londres y Niza, en la Zona Rosa, área de la capital mexicana a la que, se dice, bautizó de esa manera.

En 1998 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, de España, le dedicó una exposición. Dos años más tarde falleció su esposa Bertha Riestra y un año después conoció a Beatriz del Carmen Bazán, con quien se casó por lo civil en 2003.

Ese mismo año recibió la Medalla de Oro de Bellas Artes y para 2005 Beatriz del Carmen asumió la dirección del Museo José Luis Cuevas; al año siguiente el gobierno del Nuevo León le entregó la máxima presea por sus 50 años de artista plástico.

En los años recientes se suscitó una diferencia con sus hijas, que trascendió a la vida pública, y en estos días se preparaba en su museo la exposición “José Luis Cuevas y su colección a 25 años”. El pintor falleció el 3 de julio de 2017.

Murió José Luis Cuevas

El artista plástico José Luis Cuevas, pilar de la Generación de la Ruptura, murió este lunes, confirmaron fuentes médicas.

El pintor, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador mexicano era considerado uno de los más destacados representantes del neofigurativismo.

“Lo que busco es que, hasta el último momento de mi vida, no se pierda mi vocación por el arte; quiero trabajar todos los días hasta que el último dibujo aparezca. ¿Cuál será ese dibujo final? Es algo que me pregunto con frecuencia. Cuando llegue el final quiero ser yo mi última obra”, declaró en febrero de 2016, en el marco de la inauguración de El color del amor, última muestra que expuso en el museo que lleva su nombre.

La exposición constaba de 170 piezas, casi todas realizadas en años recientes, en sus diferentes especialidades: dibujo, escultura, grabado y pintura.

El estilo de Cuevas destaca por su trabajo con la línea de gran ferocidad gestual, pretendiendo mostrar el alma de los personajes, se leía en la presentación de la muestra.

Cuatro meses después, se inauguró una exhibición inédita de su obra en París, Francia, procedente de la colección privada de su hija Mariana, compuesta por medio centenar de piezas.

Aunque el Museo José Luis Cuevas señala que el artista nació en 1934, él declaró el año pasado que le causaba angustia llegar a la vejez, a propósito de su cumpleaños 85, lo que indicaría su nacimiento en 1931.

“Nunca pensé en llegar a una edad tan avanzada. Hoy que he cumplido 85 años, he de confesar que me causaba angustia entrar a esta edad. Cuando se llegan a cumplir tantos años es como si una enfermedad incurable te aquejara, la idea de morir en cualquier momento me sigue”, dijo entonces.

Cuevas fue incluido en la llamada Generación de la Ruptura por la crítica Teresa del Conde, quien realizaba análisis artístico a partir del psicoanálisis y acuñó dicho término para un grupo de artistas entre los que incluyó también a Vicente Rojo y Manuel Felguérez.

Le sobreviven su esposa Beatriz del Carmen Bazán, directora del Museo José Luis Cuevas, y las tres hijas de su primer matrimonio: Ximena, María José y Mariana Cuevas.

Conoce la habitación donde se creó “Cien años de soledad” (FOTOS)

Por Manuel Bello Hernández

Con su primera máquina de escribir eléctrica, una Smith Corona, Gabriel García Márquez (1927-2014) se “encerró” durante 18 meses en la habitación de una casa de la zona de San Ángel para escribir “Cien años de soledad”.

Como lo explicó, en su momento, el propio Premio Nobel de Literatura 1982: “a mis 38 años y ya con cuatro libros publicados desde mis 20 años, me senté en mi máquina de escribir”, para empezar la que sería su obra cumbre.

Conocida es la leyenda de que la familia del escritor se dirigía a unas vacaciones en Acapulco cuando recibió como un rayo la idea de la novela y esto hizo que renunciara a los trabajos que tenía para dedicarse de tiempo completo por año y medio al texto de poco más de 500 cuartillas en su versión original.

También es conocido, porque el propio autor lo contó varias veces, que no se enteró de “cómo sobrevivimos Mercedes y yo con nuestros dos hijos durante ese tiempo en que no gané ni un centavo. Ni siquiera sé cómo hizo Mercedes durante esos meses para que no faltara ni un día la comida en la casa”.

En la actualidad, la casa que se ubica en la calle De la Loma, colonia Lomas de San Ángel Inn, es habitada por un matrimonio formado por un mexicano y una alemana que tiene dos hijos, y la habitación de marras, de unos tres metros cuadrados, es ocupada como cuarto para descansar y ver la televisión después de una jornada de trabajo.

El inmueble es de dos pisos con un pequeño jardín y el espacio que alguna vez tuvo una silla y un escritorio con la Smith Corona en la que el Premio Nobel pasó días enteros para contar la historia de la estirpe Buendía, actualmente es ocupado por un sofá de color café oscuro.

Iluminada por una ventana horizontal que da acceso al jardín, la habitación a la que tuvo acceso Notimex cuenta además con un pequeño centro de entretenimiento, bambús sobre un cesto, piso y puertas de madera, acompañado de un pequeño baño. Afuera, un perro que no para de ladrar.

En su interior también se encuentra un asiento de bebé para automóvil, cuadernos, libros, un balón de futbol americano, sombreros, juguetes, mochilas, entre otros accesorios, lo que contrasta con lo sucedido hace 52 años, cuando apenas se hallaban la soledad de Márquez, su máquina, su escritorio y su imaginación.

Fue Hosfita, una ciudadana de origen alemán y abuela de los niños, la que recibió a Notimex e invito a conocer el lugar donde se “cocinó” la que es considerada una de las obras maestra de la literatura hispanoamericana y universal, y una de las obras más traducidas a otros idiomas y leídas en español.

En una combinación de inglés, alemán y español, Hosfita se dio a entender como pudo, eso sí, con mucho gusto y alegría; incluso se dijo sorprendida de que en ese pequeño cuarto con paredes blancas “Gabo” escribiera la historia de los Buendia y el pueblo ficticio de Macondo.

“Aquí Gabriel García Márquez llegó, tomó estas dos puertas con sus manos y se encerró por un tiempo”, señaló la alemana con gestos, al tiempo que corrió hasta la parte alta de la casa para mostrar dos de las novelas antes mencionadas del autor colombiano traducidas al alemán.

Fue una visita de entre 10 y 15 minutos, tiempo suficiente para atestiguar el lugar donde García Márquez tuvo la inspiración para comenzar a escribir las primeras líneas de esta novela incluida en la lista de los 100 mejores libros del siglo XX, según el diario francés “Le Monde”.

Escribir “Cien años de Soledad” le costó a Gabriel García Márquez meses de ruina económica, el empeño de las joyas de su mujer y vivir de la ayuda de los amigos.

“A principios de 1965, iba con Mercedes y mis dos hijos para un fin de semana en Acapulco, cuando me sentí fulminado por un cataclismo del alma tan intenso y arrasador que apenas si logré eludir una vaca que se atravesó en la carretera”, contó alguna vez el propio colombiano al recordar ese fogonazo que lo impulsó para escribir “Cien años de soledad”.

Mercedes, su esposa, no solo pidió ayuda a los amigos, también a los tenderos y el carnicero, incluso fueron al Monte de Piedad y empeñó sus joyas; y es que el colombiano no tenía ni para papel para su máquina de escribir. Ello se debía a la forma de trabajar del autor, que rompía folios mal escritos o con erratas.

Una vez que termino la novela, asistieron a la oficina de correos para enviar el texto a la Editorial Sudamericana, en Buenos Aires; eran 590 cuartillas a máquina con doble espacio.

El empleado pesó el paquete, y al final, no les alcanzó el dinero, por lo que tuvieron que dividir el paquete por la mitad, y enviaron una de las partes, la segunda, al editor Paco Porrúa a Argentina. El resto lo pudo enviar cuando éste les mandó un adelanto por la novela.

Al final, todo valió la pena y Gabriel García Márquez se colocó en el pedestal de los inmortales de la literatura al narrar la historia de la familia Buendía a lo largo de siete generaciones en el pueblo ficticio de Macondo.

Obras de Leonora Carrington se exponen en el museo UPAEP (AUDIO)

Un total de 42 piezas de la artista Leonora Carrington se exponen en el Museo UPAEP de esta ciudad, como parte de la exhibición titulada “Sueños de libertad”, la cual permanecerá hasta el 17 de noviembre de 2017.

En las salas del museo perteneciente a la Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla (UPAEP) el público asistente puede apreciar 32 esculturas de personajes mitológicos, lo mismo que piezas llenas de metáforas y simbolismos, y 10 pinturas de obra gráfica que hizo la artista entre 2009 y 2011.

Evelin Flores Rueda, directora del recinto museístico, acompañada por Pablo Weisz Carrington, hijo de la artista, invitó al público en general a conocer y admirar esta maravillosa obra, cuya entrada no tiene costo para los asistentes, de lunes a sábado.

Weisz comentó por su parte que las 32 esculturas en mediano formato, producidas mediante la técnica de vaciado al bronce bajo, son de su propiedad, mientras que las 10 obras gráficas pertenecen al Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, a la Galería Oscar Román y al coleccionista Alfredo Rivas.

Destacó que estas obras, que realizó su madre cuando tenía 90 años de edad, son unas esculturas extraordinarias desde el punto de vista plástico, ya que ella fue una artista que avanzó mucho en su tiempo, además de que fue una de las mujeres más extraordinarias del mundo artístico.

Leonora Carrington nació en Lancashire, Inglaterra, en 1917 y murió en la Ciudad de México en 2011.

Es considerada como una de las artistas más importantes del arte universal, y como el último eslabón del movimiento surrealista, surgido en la segunda década del siglo XX.

A esta corriente pertenecieron artistas y escritores de la talla de André Bretón, Joan Miró, Salvador Dalí, Remedios Varo, entre otros, con quienes mantuvo una estrecha relación.

Carrington recibió la Medalla de Oro de Bellas Artes y el Premio Nacional de Bellas Artes en 2005, así como el Premio Coatlicue, en el decimocuarto Encuentro Internacional de Mujeres en el Arte 2010, máximo galardón otorgado a las mujeres que han enaltecido con su obra a la cultura universal.

Las obras de Leonora Carrington han sido expuestas en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México; en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, en la Galería Tate de Liverpool y en otros países.

La muestra inaugurada el 30 de junio es la primera de la artista que eligió a México como su patria que se exhibe en Puebla.

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Puebla recibe la tercera edición del Festival Internacional de Cello

El Ayuntamiento de Puebla a través del Instituto Municipal de Arte y Cultura (IMACP), invita a disfrutar de la tercera edición del “Cfest”, Festival Internacional de Cello, que se llevará a cabo del 3 al 8 de julio en la Ciudad.

Con el propósito de brindar a la ciudadanía la oportunidad de escuchar y participar en actividades que amplíen la visión y la práctica del violonchelo, este festival presentará a lo largo de una semana, una deleitable variedad de conciertos, teniendo en escena a distintos artistas de talla internacional.

Durante la presentación del “Cfest”, Festival Internacional de Cello en Puebla, el Regidor Miguel Méndez, presidente de la Comisión de Turismo, Arte y Cultura, señaló que el evento representa una oportunidad única e histórica, para apreciar el arte de artistas de gran calidad en la Ciudad de Puebla.

Destacó la presencia de uno de los grandes cellistas de este siglo, Adolfo Gutiérrez Arenas, solista internacional español, considerado como de los más brillantes jóvenes intérpretes europeos del momento, quien se presentará en el Auditorio del Museo Internacional del Barroco.

Adicionalmente, se podrán apreciar las interpretaciones de los chelistas y violistas Eduardo Palao, Javier Montiel, Camerata Gioia, Gustavo Carpinteyro, Eduardo Carpinteyro, Diego Carneiro, entre otros; así como de la colaboración de la Orquesta Sinfónica de la Escuela de Artes de la BUAP, del Ensemble de Cellos y de los alumnos del Cfest, que sumergirán a los poblanos en un mundo nuevo de sonidos y texturas.

Por su parte, Eduardo Parlo, Fundador y Profesor del Cfest Festival Internacional de Cello, aseguró que México es un país con un talento enorme en muchas facetas, por ello se busca poner al alcance de jóvenes mexicanos clases y conciertos de primer nivel.

En ese sentido se invita a participar en las Master Classes, donde se pondrá al alcance de los cellistas una enseñanza de alto nivel que les permita completar su formación, escuchar nuevas ideas, puntos de vista y enriquecer su bagaje como instrumentistas y como músicos.

Algunos de los conciertos que se podrán disfrutar en el marco del Festival son:

• Lunes 3 de julio a las 19:00 horas, Una velada de cámara “Mozart vs Mozart”, en Profética Casa de la Lectura, entrada con costo.

• Martes 4 de julio a las 19:00 horas, Concierto de solistas con orquesta “El Cello en el podio” en el Auditorio de la unidad de Seminarios de la Cuidad Universitaria, entrada libre hasta llenar aforo.

• Miércoles 5 de julio a las 19:00 horas, Recital de Adolfo Gutiérrez Arenas. “La voz solitaria” en el Auditorio del Museo Internacional del Barroco, entrada con costo.

• Viernes 7 de julio a las 19:00 horas, Ensemble de cellos del Cfest “Una gran orquesta … de violonchelos” en el Teatro del Complejo Cultural Universitario, entrada libre hasta llenar aforo.

• Sábado 8 de julio a las 12:00 horas, Concierto de clausura del Festival “Todo cellos, una voz” en el Zócalo de Puebla, entrada libre.

En la presentación del Festival Internacional se contó con la presencia de Diego Carneiro, artista Multifacético y uno de los más destacados jóvenes violoncellistas brasileños; Eduardo Carpinteiro, codirector del Cfest y Gustavo Carpinteyro, Profesor Chelista.

Va Margolles a PHotoEspaña

La artista mexicana Teresa Margolles transportó parte de su obra a España para mostrar una serie de fotografías en el festival internacional de artes visuales PHotoEspaña 2017, que celebra este año su 20 edición, y que comenzó este miércoles con una inauguración en el Jardín Botánico de Madrid.

Teresa Margolles, que antes de ser videoartista y fotógrafa fue médico forense, siempre ha trabajado con las mujeres de Ciudad Juárez, al norte de México. En su serie Pista de baile denuncia el trato de las mujeres, prostitutas y transexuales, y las fotografía en los lugares donde antes trabajaban: pistas de baile, clubes nocturnos, discotecas, que hoy han desaparecido.

Margolles, durante la presentación de su exposición, estuvp acompañada de una transexual, Sonia, con la que trabaja en este proyecto. Ambas han denunciado el silencio ante la desaparición de muchas de esas mujeres.

“Soy prostituta y transexual, pero vivo en el primer mundo y tengo la posibilidad de trabajar y vivir. Es diferente si estuviera allí, en Ciudad Juárez, donde a la chica que trabaja en este proyecto de denuncia de Teresa la asesinaron. Ella no ha tenido la oportunidad de estar aquí”, ha sentenciado esta mujer.

La muestra de la mexicana se incluye en la sección “Carta blanca”, que ha coordinado Alberto García-Alix para el festival fotográfico, en la que ha reunido a sus autores de referencia.

La sección también cuenta con Café Lehmitz, del sueco Anders Petersen, una serie que ya forma parte de lo más grande de la fotografía internacional. “En el cielo no hay cerveza, por eso la tomaremos aquí”: así reza el cártel que recibe al cliente del café Lehmitz, un garito del barrio rojo de Hamburgo al que acudió el fotógrafo por casualidad en 1968.

A partir de ese momento, el autor tomó fotos de todos los clientes: prostitutas, travestis, proxenetas, marginales e indigentes que acudían al local, que nunca cerraba y donde estaba permitido todo. Entre 1968 y 1970, el autor hizo las fotografías de corazón, de gente a la que hoy sigue apreciando, según comentó en la presentación.

Además de las de Petersen y Margolles, también se han inaugurado otras tres grandes exposiciones en el Círculo de Bellas Artes, dentro de este apartado coordinado por García-Alix.

Una de ellas, la del francés Antoine d’Agata, Corpus, no deja indiferente por la crudeza de algunas imágenes y vídeos donde el cuerpo es el protagonista y “la exaltación toma la carne”.

Imágenes de pequeño formato, muchas de ellas distorsionadas, de sexo explícito, masturbándose, o con una jeringuilla en el brazo. Fotografías provocadoras y donde también se puede ver un vídeo en el que dos perros se desangran, mientras se muerden y aullan de dolor.

En la mayoría de las imágenes el autor es protagonista de una muestra que pretende denunciar “la pornografía en la que se ha convertido el mundo”. En la puerta hay un cartel prohibitivo a la entrada a menores de 18 años, que también cuelga en una planta más abajo del Círculo de Bellas Artes, en la muestra del francés Pierre Molinier,”Ce fut un homme sans moralité (Un hombre sin moralidad).

En ella, del autor, que se suicidó en 1975, se exhiben 40 obras con las que reivindica el placer y la transgresión. Fotografías juguetonas y fotomontajes en blanco y negro, en donde Molinier es el protagonista en muchas ocasiones, con el cuerpo distorsionando, transformado y travestido.

El Círculo de Bellas Artes también acoge al portugués Paulo Nozolino con 20 fotografías en blanco y negro, cargadas de poesía, bajo el título Loaded Shine (Brillo cargado). “No me gusta hablar; por eso, hago fotos. En el mundo en el que vivimos solo hay palabras sin honor ni integridad. No me fío de las palabras, solo de las imágenes, porque ellas no se pueden tergiversar”, ha explicado Nozolino durante la presentación de su muestra.

A la inauguración del festival acudieron el secretario de Estado español de Cultura, Fernando Benzo, y el presidente del certamen, Alberto Anaut.

El secretario de Estado abrió las dos muestras que PHotoEspaña exhibe en el Jardín Botánico, una de ellas la del legendario fotógrafo de la agencia Magnum Elliott Erwitt sobre Cuba, adonde viajó en 1964 acompañado por Fidel Castro y el Che Guevara por encargo de la revista Newsweek, que se divide en dos etapas.

La primera de las partes exhibe las imágenes icónicas y primeros planos de Fidel y el Che, y la otra está dedicada al segundo viaje que hizo el fotógrafo a la isla, 50 años después, en 2015.

La otra muestra inaugurada por Benzo fue la dedicada a Peter Fraser (Cardiff, Reino Unido, 1953), para quien todo tiene naturaleza matemática- Sus trabajos se centran en la observación del detalle.

Así, hasta el 27 de agosto, PHotoEspaña presentará 100 exposiciones, que mostrarán la obra de 514 autores. En Madrid se desarrollarán 22 exposiciones en la selección oficial, más las 36 de galerías del Festival Off.

México, destino obligado para festivales de música electrónica

Electric Daisy Carnival, uno de los más esperados por los amantes de los beats

Cada vez más son los festivales de música que incluyen a la electrónica en su banquete sonoro, como consecuencia del incremento en la popularidad de ese género que invita a bailar al público.

De ahí que diversas estrellas mundiales han volteado a ver a México como uno de los destinos obligados para promover su música y ganar más seguidores.

Uno de los más esperados por los amantes de los beats es el Electric Daisy Carnival, mejor conocido por EDC, que cada año llega al Autódromo Hermanos Rodríguez con muchas sorpresas para la gente.

En su reciente edición de este año acudieron a ese encuentro más de 200 mil jóvenes a lo largo de dos jornadas y la participación de artistas como Alesso, The Chainsmokers, Hardwell y Major Lazer, entre otros.

Lo novedoso de ese encuentro al aire libre es que los asistentes al entrar se sumergen en un carnaval lleno de colores y alegría, incluidos algunos juegos mecánicos y animadores que ponen la cereza al pastel.

La próxima fecha para el EDC México 2018 será el 24 y 25 de febrero, aunque no se ha revelado el cartel que tendrá. Cabe destacar que en años anteriores han resaltado nombres como David Guetta y Jack Ü, Tiësto.

Esa experiencia se puede disfrutar de igual forma en la edición del EDC Las Vegas, donde también abundan bailarines, artistas de circo y personajes extravagantes en zancos.

El caribe mexicano también ha sido uno de los sitios turísticos más concurridos por los aficionados por la música electrónica, quienes mientras disfrutan de la brisa del mar pueden admirar el trabajo de los tornamesistas.

Un ejemplo es el Corona Sunsets, que se compone de múltiples actividades y experiencias que tienen como finalidad exhortar al público a cuidar el medio ambiente, mediante el reciclaje y evitar la utilización de plástico para evitar dañar los océanos.

El año pasado ese festín llegó a cuatro puntos de la República Mexicana: Playa del Carmen, Quintana Roo; Puerto Vallarta, Jalisco; Acapulco, Guerrero, y Puerto Progreso, Yucatán.

Mientras que en 2017 la fiesta llegó recientemente al Cenote Dos Osos, en Tulum, Quintana Roo, donde se invitó a los presentes a ser parte de una tribu musical en medio de la selva con diversas activaciones y zona de foodtrucks.

En esa área geográfica hubo dos escenarios donde estuvieron nueve artistas como Don Diablo, The Wookies, Tensnake, Borchi y su doble redoble, La calor y Tom & Collins.

Este año el Corona Sunsets también estará el 22 de julio en San Pancho, Nayarit, para el beneplácito de todos, con la actuación de Salón Acapulco, Duke Dumont, Bakermat, Vintage culture, Tini Tun, Goldroom y Bruno Martini, entre otros.

Ese festival también se lleva a cabo en Chile, Colombia, Puerto Rico, Uruguay, Suecia, Reino Unido, Sudáfrica, Dubai, Japón y China. En esta última nación se realiza en invierno, para lo cual se construye un domo que permite mejorar la vivencia.

Además está el Winter Beach, donde el año pasado durante tres días además de ofrecer shows de música se incluyeron pasarelas de moda con el objetivo de apoyar al talento local y nacional.

Mientras tanto uno de los más concurridos debido a sus escenarios impactantes llenos de color es el Tomorrowland, que se realiza en Bélgica, Brasil y Estados Unidos.

El año pasado este festín celebró su edición número 12 en Bélgica, con la venta de 180 mil boletos agotados por turistas de diferentes lugares, quienes desearon ser parte de esas “tierras sagradas” del 22 al 24 de julio.

En abril de 2016 se llevó a cabo la segunda edición en Brasil y en 2015 se hizo por tercera ocasión en Chattahoochee Hills, Estados Unidos, aunque al año siguiente ya no se hizo en la Unión Americana.

En México todavía no ha llegado ese evento como tal. Sin embargo, el público de este país puede tener un acercamiento con el espectáculo titulado “Unite, The Mirror to Tomorrowland”, que se trató de la proyección completa de Tomorrowland, en Bélgica, pero transmitido en el Palacio de los Deportes.

Otro festival que se realiza en diferentes países es el Electric Zoo, cuya próxima edición en Nueva York será del 1 al 3 de septiembre, en el Randall´s Island Park, con la participación de DJ Snake, Galantis, Deadmau5, Armin van Buuren y otros.

En México ese concepto se presentó en 2014 dentro de la Arena Ciudad de México con la presentación estelar de Hardwell, quien tocó en un escenario en forma piramidal, luego de la presentación de decenas de DJs.

Aracataca, cuna de Cien Años de Soledad y su imaginario Macondiano

Por Edelmiro Franco

Las raíces de Cien Años de Soledad y su imaginario Macondiano están en el caribe colombiano y en particular en Aracataca, el pequeño pueblo donde nació el Nobel Gabriel García Márquez (Gabo), que mantiene la magia en su gente de principio a fin en Cien años de soledad.

Aracataca es “un embrujo caribe” como lo dice el himno de este pueblo que tiene 39 mil 400 habitantes, que es reconocido en el mundo por ser la cuna de García Márquez, el Nobel de Literatura 1982, uno de los grandes de la literatura universal.

“Grandes montañas/ blanca nevada/ Límpido espejo abraza tu faz/ Tierra de patrias muy venerada/ Escribe en cien años su libertad”, es la estrofa del himno de Aracataca, que sintetiza la belleza del paisaje que rodea a este pueblo, fuente primaria del realismo mágico en la obra literaria de García Márquez.

Respecto a la relación de Aracataca y Macondo, el alcalde Pedro Sánchez dijo que “este municipio está impregnado del realismo mágico de Macondo (…) En Aracataca está la materia prima de Cien años de soledad (…). Aquí hay muchas cosas que te van a transportar a la novela (…)”.

“El realismo mágico lo recogió Gabo aquí en Aracataca. El visitante lo puede ver, sin que nadie se lo diga. Lo invito a recorrer el pueblo y se dará cuenta que aquí está la fuente sus obras (…). Toda la identidad de Aracataca está en la obra de GABO (…) Cien años de soledad inmortalizó a Aracataca en el mundo”, sostuvo de forma efusiva el alcalde del municipio en estas frases sueltas.

La historia de Aracataca se remonta a 1885, y en 1912 fue elevada a la categoría de municipio, que se erige en una zona con un relieve plano desde donde se puede contemplar hacia el oriente las estribaciones de la imponente Sierra Nevada de Santa Marta, que es el pico más alto en el mundo sobre un litoral, con una altura de cinco mil 775 metros sobre el nivel del mar.

Aracataca hace parte del departamento del Magdalena, zona bananera y epicentro de una de las masacres históricas de trabajadores en huelga de la United Fruit Company, por parte de las Fuerzas Militares en 1928. Un episodio que está en Cien años de soledad.

Otros escenarios dibujados y recreados por la imaginación de García Márquez en su obra maestra, hoy son patrimonio del municipio de Aracataca: Estación del Ferrocarril, El Camellón 20 de julio, Casa del Telegrafista, Casa Museo Gabriel García Márquez, donde el Nobel vivió su infancia con sus abuelos.

Los dos sitios más frecuentados por los 24 mil turistas que llegaron al municipio en 2016, en busca de las huellas de la vida y la obra de GABO, son la Casa Museo y la Casa del Telegrafista, importantes en la vida familiar y literaria del escritor.

En la Casa Museo el visitante puede palpar el espacio donde nació y vivió los primeros 10 años García Márquez, que fueron vitales en la construcción de su mundo imaginario a partir de las historias contadas y vividas con sus abuelos.

En la Casa del Telegrafista, declarada Monumento Nacional en 1996 y recuperada en el 2015 por el gobierno central, es la huella del lugar de trabajo y vivienda en la década del 20 del siglo pasado, de Eligio García, padre del creador de ese mundo imaginario que es Macondo.

Al recorrer las calles de Aracataca, los guías explican los lugares que tuvieron alguna relación en la vida infantil y juvenil de García Márquez: La casa de los abuelos, la iglesia, el parque central, el sitio del telegrafista, así como las casas de sus compadres y amigos.

El árbol Macondo, el colegio donde estudio los primeros años Gabito, el riachuelo que cruza limpio y diáfano por por un costado del pueblo, donde niños, jóvenes y adultos se bañan y juegan en un verdadero paseo familiar, un sitio que también disfrutó García Márquez y sus amigos de infancia.

En esta ruta macondiana está la zona bananera, en donde había una finca que se llamaba Macondo, la única estación del tren que se mantiene en madera, en uno de los lugares de la masacre del 6 de diciembre de 1928.

Además se encuentra la antigua sede de la United Fruit Company, las casas donde vivieron los directivos de la compañía estadunidense, que llegó a Colombia en 1899 para explotar las plantaciones de banano en la zona de Ciénaga de Oro, en el departamento del Magdalena.

También se registra la huelga de los 10 mil trabajadores bananeros, la masacre cuya cifra oficial de muertos fue de seis obreros, pero los historiadores creen que fueron muchos los muertos y pudo llegar a mil las víctimas.

La masacre de 1928 aparece en la obra literaria del escritor Alvaro Cepeda Samudio en la obra La casa grande, y en Cien años de soledad de García Márquez, quien en 1986 dijo en relación con estos hechos: “La peligrosa memoria de nuestros pueblos […] es una energía capaz de mover el mundo”.

Esta herencia literaria de García Márquez, es la que quiere el alcalde Sánchez, que se mantenga en el tiempo -de generación en generación- y es por ello que promueve junto a la Universidad del Magdalena, la catedra Garcíamarquiana”.

En Aracataca ya son muy pocos los pobladores de la generación de García Márquez, que quedan en el pueblo, y la última imagen viva que tienen las nuevas generaciones del escritor de “El Coronel no tiene quien le escriba”, “El amor en los tiempos del cólera”, “El Otoño del patriarca”, fue en 2007, cuando cumplió 80 años de edad y visitó por última vez su pueblo natal.

Ese día en Cataca -como Gabo y su gente nombran el pueblo- fue de fiesta y algarabía, las calles fueron pequeñas para concentrar a sus habitantes y a los miles de turistas nacionales y extranjeros, que querían abrazar al escritor que se fue para siempre con sus mariposas amarillas el 17 de abril de 2014, dejando su legado de Macondo para la eternidad.

Alberto Blanco recibe Premio Xavier Villaurrutia de Escritores para Escritores

La poesía es un misterio, un puro lugar común y, al mismo tiempo, una verdad evidente, expresó el poeta y ensayista Alberto Blanco (1951), al recibir el Premio Xavier Villaurrutia de Escritores para Escritores 2016, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes.

“La poesía es y no es de nadie, porque la poesía debe ser hecha por todos y no por uno”, comentó el galardonado, acompañado por su colega y amigo Adolfo Castañón, miembro de la Academia Mexicana de la Lengua (AML).

Luego de agradecer a su familia y amigos, el también traductor y crítico de arte, señaló que la poesía es un misterio muy peculiar, porque comparte con las demás artes una capacidad para dar, ver, oír, pensar y sentir el misterio.

“También se cuestiona sobre la naturaleza del misterio, para comenzar la poesía reconoce y asume paradójicamente que todos los seres y los hechos son reales por un lado e irreales por el otro, un sueño”, afirmó ante la presencia de Felipe Garrido, presidente de la Sociedad Alfonsina internacional.

“El Premio Xavier Villaurrutia, como todos los premios, es real e irreal al mismo tiempo, mucho o poco o nada se podría decir sobre la irrealidad de los galardones y esta noche, me cargaré del lado real del premio y lo primero que he dicho, digo y seguiré diciendo de este lado: gracias, gracias”, concluyó.

La directora general del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), Lidia Camacho, comentó que el Premio Xavier Villaurrutia, el más antiguo que otorga el instituto y uno de los que año con año despiertan mayores expectativas, coincide esta vez con el centenario del escritor Juan Rulfo (1917-1986), quien fue el primero en recibir este honor.

“Como lo proclama su leyenda, se trata de un premio de escritores para escritores, hoy le corresponde al poeta, ensayista, traductor, artista visual y crítico de arte Alberto Blanco, autor de varias decenas de poesía, muchos de ellos galardonados y traducidos a varias idiomas”, expresó.

Blanco, añadió, ha escrito tres títulos sobre poética: “El llamado y el don”, “La poesía y el presente” y “El canto y el vuelo”, de los cuales el tercero es, precisamente, el que lo ha hecho acreedor a este reconocimiento por parte de la comunidad literaria.

En Puebla, Elisa Carrillo ejecutará piezas de Tchaikovski y Chavela Vargas

Obras como El Cascanueces, Diamantes y Onegin del compositor Piotr Ilich Tchaikovski y Las simples cosas, de Chavela Vargas, así como de Adolphe Adam y Johann Strauss, serán algunas de las piezas que ejecutarán en Puebla 12 de los mejores exponentes de la danza a nivel mundial, junto a Elisa Carrillo, primera bailarina de la Ópera de Berlín.

En la gala titulada “Elisa Carrillo y amigos” que se llevará a cabo el próximo 14 de julio a las 20 horas en el Auditorio Metropolitano (Sirio 2926, Reserva Territorial Atlixcáyotl), también se interpretarán actos como El sofá, Elegía, La hija de Faraón, Stars and Stripes, Don Quijote, y Multiplicidad de formas del silencio y del vacío, acompañadas de la composición de obras de Tom Waits, Sergei Rachmaninoff, Cesare Pugni, John Philip Sousa, Ludwig Minkus y de Johann Sebastian Bach.

Un día antes de pisar por primera vez el escenario del Auditorio Metropolitano de Puebla, Elisa y amigos se presentará en el Palacio de Bellas Artes, donde participarán los primeros bailarines de algunas de las compañías más importantes del mundo en este arte como Karlsruhe Ballett, Staatsballett Berlin, Bolshoi Ballet, New York City Ballet, Munich Ballet, Staatsballett Ucrania y el San Francisco Ballet.

Los bailarines que acompañarán a la mexiquense son Evgenia Obraztsova, Semyon Chudin, Maria Shirinkina y Mikhail Kaniskin, de Rusia; Ashley Bouder y Joseph Gatti, de Estados Unidos; Kateryna Kukhar y Alexander Stoianov, de Ucrania; Rafaelle Queiroz, de Brasil; Zhi Le Xu, de China, Michael Banzhaf, de Alemania, y Taras Domitro, de Cuba, cada uno distinguido por ser solista, primer o principal bailarín de sus respectivas compañías.

La primera bailarina inició sus estudios de ballet a los 6 años de edad y a lo largo de su trayectoria ha sido reconocida con diversos premios, como el de 2012 por el entonces Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), además de haber impartido clases en México, Estados Unidos, Alemania y Canadá.

Los boletos para la puesta en escena del año, atraída por el Gobierno del Estado y el Ayuntamiento de Puebla, a través de la Secretaría de Cultura y Turismo así como del Instituto Municipal de Arte y Cultura (IMACP), pueden adquirirse a través del sistema Superboletos.com, con precios desde los 300 y hasta los mil pesos (más cargos por servicio). Para mayores informes en el portal imacp.gob.mx, así como en las redes sociales Facebook IMACP y Twitter @IMACP.

Te presentamos nuestras recomendaciones literarias de esta semana

Por Juan Carlos Castellanos C.

“La lágrima del Buda”, de Antonio Malpica. Es un diamante canario con forma de lágrima perfecta. Perteneció a una familia real persa, a un soldado de las Cruzadas, y a un nazi exiliado en Argentina. Su valor económico es tan grande como el sentimental. Lo buscan un húngaro moribundo y un profesor metido a detective.

También lo buscan un comerciante informal de la Ciudad de México, un tipo con pinta de jugador de futbol americano, un fanático de “Star Wars” y otros personajes más. La cacería del tesoro desata una persecución agotadora desde las joyerías del Centro Histórico de la capital mexicana hasta un camión que cruza la frontera con Texas. Toda una aventura.

Y ente los golpes, balazos, encuentros ridículos y los rostros más violentos de la codicia humana, brillan el aliento narrativo y el inconfundible humor del autor, dramaturgo y novelista. Narrada en una doble perspectiva: Lineal y en retroceso, esta novela obtuvo el Premio Nacional de Novela Negra “Una vuelta de Tuerca” 2007. Malpica sabe narrar.

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“De armas tomar”, de Ángel Gilberto Adame, habla sobre las mujeres de la Revolución Mexicana, activistas, luchadoras sociales, transgresoras, feministas, ejemplo de acción y compromiso por la patria, entre ellas Matilde Montoya, Juana B. Gutiérrez, María Arias Bernal, Hermila Galindo, María del Pilar Moreno Díaz, Mimí Derba y Palma Guillén.

Por sus páginas también pasan lista Concepción Mendizábal, Clementina Batalla, Tina Modotti, Adelaida Argüelles y Eulalia Guzmán y en torno a ellas, el autor deja ver que muy poco valorado ha sido el papel de la mujer en la historia de México, y sostiene que sólo un puñado integra el bando femenino de protagonistas y heroínas que es reconocido.

Limitadas al cuidado de los hijos y a las tareas domésticas, a la postura machista familiar, laboral y político, para las mujeres, expresar sus opiniones, alzar la voz ante la injusticia, ha tenido un costo muy alto. Pero no todo ha sido opresión. Este es un gran documento para la apreciación histórica de las mujeres durante los años de la Revolución Mexicana.

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“Maravillosa liberación”, de Jamie McGuire, es la segunda entrega de la serie “Hermanos Maddox”, en la que la lectora, especialmente si es joven y romántica, experimentará los misterios que rodean el mundo de “Thomas Maddox” y sabrá qué tan bueno puede llegar a ser un romance cuando en vez de ser la primera, la compañera en cuestión es la última.

“Liis Lindy” es agente del FBI y está decidida a concentrarse sólo en su trabajo. Sueña con resolver casos imposibles y hacer carrera. Por su parte, el agente especial “Thomas Maddox” es un hombre arrogante y duro, un especialista a cargo de los expedientes más difíciles. Sin embargo, tiene un desafío muy complicado: su hermano llamado “Travis”.

Él podría ir a la cárcel por su implicación en un accidente, por lo que “Thomas” piensa reclutarlo en el FBI y aliviar su condena. “Travis” y “Abby” festejan su aniversario, y “Thomas” pide a “Liss” que lo acompañe como si fuera su pareja. Pero al terminar la ceremonia, “Liss” nota que lo que siente por “Thomas” es más real de lo que imaginó.

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“Fábulas e historias de estrategas”, de Renato Tinajero, ganador del Premio Bellas Artes de Poesía Aguascalientes 2017, convocado por la Secretaría de Cultura federal, el Instituto Nacional de Bellas Artes, y el Gobierno del Estado de Aguascalientes, a través del Instituto Cultural de Aguascalientes.

Se trata de una obra de gran precisión formal y de extraña belleza, en la que el autor se apropia de la metáfora del juego de ajedrez y por medio del lenguaje diseña un universo poético en el que explora la relación del individuo frente a la vida y a la maquinaria del poder. Tinajero es un narrador y poeta tamaulipeco, radicado ahora en Monterrey.

Por el libro circulan las reflexiones que hacen los caballos, los lamentos de los reyes y las conversaciones con las reinas. Al autor le pareció más interesante formar ese universo propio con personajes que tuvieran oportunidad de expresar su interioridad, expresiones y sus voluntades, y le pareció muy apropiado para ese propósito utilizar piezas del ajedrez.

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“Obras completas”, de Guadalupe Dueñas, reúne “Tiene la noche un árbol” (1958), “No moriré del todo” (1976), “Imaginaciones” (1977) y “Antes del silencio” (1991), libros ya publicados, y el material aparecido en la revista Kena de 1963 a 1970, los cuentos no recopilados, reseñas, textos autobiográficos y prólogos que llegaron a manos del lector.

También contiene un segundo apartado con la obra inédita, entre sus poemas, su novela, variaciones o primeras versiones de algunos de sus más célebres relatos, así como sus textos inconclusos y los textos que asesoró para el IMSS. Completan el volumen una introducción general a cargo de Beatriz Espejo y dos prólogos (uno para cada apartado).

Guadalupe Dueñas nació en Guadalajara, Jalisco, el 19 de octubre de 1920 y estudió literatura con autora Emma Godoy en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Asistió a cursos literarios en el Belmot School de los Angeles, y realizó más de 30 telenovelas, muchas basadas en sus cuentos y en sus temas históricos.

Todo está listo para la edición número 10 de Estación Verano

El Museo Nacional de los Ferrocarriles Mexicanos de la Secretaría de Cultura del gobierno federal y el Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla pusieron en marcha, en 2007, el programa Estación Verano, al que se sumó en 2016 la Vicerrectoría de Extensión y Difusión de la Cultura de la BUAP. Desde sus inicios este programa ha tenido como propósito generar un amplio programa de talleres y agenda cultural en las vacaciones de verano, insertándose como una de las principales propuestas y alternativas para las familias poblanas.

Llega la edición número 10 de Estación Verano, programa que ha realizado 256 talleres, 51 presentaciones artísticas y 80 charlas, actividades que han disfrutado 52 mil 500 personas, en su mayoría niños y jóvenes de la entidad poblana.

Cada año, Estación Verano se ha caracterizado por reflexionar sobre distintas temáticas, es así que desde 2007 se han abordado temas como la inclusión, diversidad y derechos humanos, el arte, la ciencia y las nuevas tecnologías, el medio ambiente y la cultura maker, entre otros.

En 2017, Estación Verano abordará el tema del Rock, cultura sin fronteras, donde además de reflexionar sobre este género musical, los asistentes podrán conocer su influencia en campos como las artes plásticas y escénicas, la literatura, el cine, el diseño, la moda y la gastronomía, a través de 42 talleres dirigidos a públicos de todas las edades.

Parte importante también de este programa es la agenda cultural, que para esta edición llevará a cabo una serie de charlas para niños y adultos, en las que participarán reconocidos investigadores y exponentes de este género musical como Julia Palacios, historiadora, catedrática y rockera; Paula Ríos Delgado, representante del colectivo Tu Rockcito; Andrés Camilo Carvajal, director del Festival Orígenes de Colombia, así como el Frente Rockero de Puebla.

Sin duda, la música es importante para el escenario de Estación Verano 2017, donde destaca la realización del Niñ@ Fest, primer festival internacional de bandas de rock para niños y niñas, propuesta de la agrupación Patita de Perro, que junto a La hormiga Juana, Cachivache y Tu Rockcito – banda colombiana que fue nominada al Grammy Latino 2015 al mejor álbum para niños -, compartirán su pasión por la música.

Estación Verano además de ofrecer actividades en las juntas auxiliares de la Ciudad de Puebla, este año llegará a los municipios de Nelatican y la localidad de Ozolco, donde se impartirán talleres y se presentarán las bandas Patita de Perro y Tu Rockcito, actividades que han sido posibles gracias a la asociación civil Iniciativa Ciudadana, que este año se han sumado a esta propuesta cultural. Asimismo, con la programación de cine se tendrá presencia en los museos ferrocarrileros de Tulancingo, Otumba, Chapala, San Luis Potosí y Torreón.

Este año se suma nuevamente la valiosa colaboración del Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología de Puebla, Tren Turístico Puebla-Cholula, Universidad Cuauhtémoc, Mercado de Sabores, Iniciativa Ciudadana, Colectivo Subterráneos, Motoclubes Unidos de Puebla, Casa 9, Workósfera, Zónica, El Fusil, Play City, Dual City, Faly Music, Playeras Rock & Roll, Hotel Loa Inn, Museo Regional de Cholula, Centro Cultural Chapala y los Museos Ferrocarrileros de Tulancingo, San Luis Potosí, Otumba y Torreón.

Estación Verano “Rock, cultura sin fronteras” se llevará a cabo del 25 de julio al 13 de agosto, las inscripciones estarán abiertas a partir del 24 de junio y hasta el 21 de julio, de lunes a domingo de 10 a 16 horas, en las instalaciones del Museo Nacional de los Ferrocarriles Mexicanos, ubicado en 11 Norte 1005, Centro Histórico de Puebla.