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Confirman robo del cráneo de Shakespeare

Por Marcela Gutiérrez Bobadilla

Una nueva investigación en la tumba del dramaturgo inglés William Shakespeare, en Stratford-upon-Avon, pueblo donde nació y murió, reveló que la cabeza del escritor fue robada del lugar del sepulcro, una versión que circulaba desde 1879.

Un nuevo documental que será transmitido por televisión mañana sábado en el marco del 400 aniversario del fallecimiento del “Bardo de Avon”, acaecido el 23 de abril de 1616, sugiere que en algún momento la tumba fue profanada y la cabeza extraída.

Esa versión que durante siglos circuló sobre la profanación de la tumba y el robo de su cabeza causará debate y controversia, consideró el especialista Chris Laoutaris, de la Universidad de Birmingham y El Instituto Shakespeare.

“Los resultados de estos descubrimientos tan emocionantes van a ser sin duda causa de controversia, debates y disputas entre especialistas y provocarán evaluaciones académicas por muchos años venideros”, indicó.

El especialista en entierros del Renacimiento y autor de varios libros señaló que el estudio arqueológico revelará los misterios de una de las tumbas más famosas del mundo que “nos acercará a Shakespeare como nunca antes”.

El Canal 4 de Inglaterra transmitirá este 26 de marzo los resultados de las primeras investigaciones arqueológicas que se hicieron a través de un radar de penetración terrestre (GPR) sin alterar el lugar del sepulcro.

En los últimos 18 meses un equipo de expertos realizó los estudios en la iglesia de Holy Trinity en Stratford, donde se encuentra la tumba del autor de “Hamlet” junto a la de su esposa Anne Hathaway.

Los secretos que guarda la tumba del autor del “Rey Lear” confirman una versión que fue publicada en la revista The Argosy en 1879, que aseguraba que el cráneo de Shakespeare fue robado de su tumba por usurpadores en 1794.

Laoutaris señaló que el descubrimiento conjura una de las escenas más dramáticas de la obra “Hamlet”, donde la cabeza del personaje ficticio Yorick es removida por sepultureros.

La tumba de Shakespeare contiene una advertencia de maldición a quienes se atrevan a profanar los restos.

“Buen amigo, por Jesús, abstente de cavar el polvo aquí encerrado. Bendito sea el hombre que respete estas piedras y maldito el que remueva mis huesos”, indica el epitafio.

El propio Shakespeare, quien nació en 1564, habría escogido su epitafio inscrito en la lápida que se encuentra en el presbiterio cerca del altar mayor de la parroquia de Stratford-upon-Avon.

Sorprende voz de Iraida Noriega en Bellas Artes

La encantadora voz de Iraida Noriega engalanó esta noche el recital “Todo se escucha en la pintura”, celebrado en el área de murales del Museo del Palacio de Bellas Artes en esta capital.

Como parte de las actividades de la exposición “El arte de la música”, la que es considerada como la mejor intérprete de jazz mexicano sorprendió a cerca de 200 personas que se dieron cita en este concierto encabezado por el músico, critico, escritor y productor radiofónico Alain Derbez.

Luego de poco más de 30 minutos de música de jazz y blues, acompañada de la poesía alusiva al género, autoría del propio Derbez, el autor solicitó la presencia de la cantante quien ha trabajado al lado de músicos como Enrique Nery, Magos Herrera y Fernando Toussaint para echarse un “palomazo”, el cual fue celebrado con una fuerte ovación.

Apenas dos piezas, fueron suficientes para que esta exponente del jazz nacional con la trayectoria más sólida y constante, conquistara con su potente y seductora voz al grupo de melómanos presentes.

Por espacio de 60 minutos, un trío de jazz conformado por contrabajo, guitarra y sax, desarrollaron una serie de composiciones originales, mientras el pintor mexicano Jazzamoart creó una improvisación visual con madera, cartón, papel y pintura, elementos que surgen en torno a la música, los músicos y el propio público.

Durante el concierto, Alain Derbez recitó sus poemas que sirvieron como puente entre la música y lo visual, generando una retroalimentación entre las tres manifestaciones artísticas y una comunicación franca con el espectador, pero con resultados inesperados, como toda improvisación.

“El jazz y mis 30 años”, “Suave jazz”, este último inspirado en el poema “Suave patria” de Ramón López Velarde, y otros más alusivos al género musical, fueron recitados por Derbez y celebrados entre aplausos por un público que quedó con un buen sabor de boca.

La exposición que se presenta en el Museo del Palacio de Bellas Artes, explora la relación de las expresiones estéticas con un centenar de piezas de artistas reconocidos.

Algunas de las piezas que se exhiben son: “Proyecto para Romeo y Julieta”, Salvador Dalí, “Moulin Rouge-La Goulue”, de Henri de Toulouse-Lautrec, “Jazz”, de Henri Matisse, “El espectáculo”, Giorgio de Chirico, “La bailarina”, de Edgar Degas, “Hijas del Kilimanjaro III (Miles Davis)”, de Kazuya Sakai, “En tono mayor”, de Carlos Mérida, el mural “La fiesta de los instrumentos”, de José Clemente Orozco, y “La primera reunión de la Sociedad Satie”, de John Cage.

Hasta el 5 de junio, el público tendrá la oportunidad de ver la relación entre la música y la plástica; artistas visuales inspirados por músicos y música; el pincel y el cincel motivados por melodías de diversas partes del mundo.

Puebla celebra Día Mundial del Teatro con nutrida programación

Comedia, drama, títeres, clown, funciones para niños y piezas emergentes, son algunas de las propuestas que los poblanos y turistas podrán disfrutar este fin de semana de asueto, en el marco del Día Mundial del Teatro, que se celebra el 27 de marzo.

El gobierno estatal y la Secretaría de Cultura federal presentarán un enriquecido programa de artes escénicas para conmemorar este día especial para el teatro, declarado en 1961 por iniciativa del Instituto Internacional de Teatro de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO).

Este año será el Teatro Principal, recinto emblemático del quehacer escénico en Puebla, donde se presentarán 11 puestas en escena dirigidas a todo el público.

Las actividades del sábado 26 de marzo iniciarán con una doble función infantil de “Domadora de dragones”, a cargo de la compañía Serendipia y “Changos y recontrachangos”, de Teatro Taller de Investigación y Experimentación Mexicano (TETIEM).

Posteriormente, se presentará la comedia familiar “Mi querido sinvergüenza”, de Berman Producciones y “Estar y parecer”, de Phylum, propuesta de teatro emergente.

Por la tarde la compañía EFE TRES, de la Ciudad de México, presentará “El Príncipe Ynocente”, una comedia de Lope de Vega. Este montaje del siglo de Oro español, contextualizado en la época actual, ha representado a México en diversos festivales y encuentros teatrales de Sudamérica y Europa.

Destaca por el rescate del estilo ñaque, en el cual una pareja de actores representa 16 personajes diferentes, apostando totalmente a la teatralidad y ponderando la imaginación y el talento escénico.

El domingo 27 de marzo, también en el Teatro Principal, habrá una triple sesión dirigida a los pequeños, que dará inicio a las 10:00 horas con clown, y segurirá con “La increíble travesía del niño tronco”, a cargo de la Compañía Utopía.

“El que mueve los hilos”, de Susy López Títeres, el monólogo “El pobre loco”, con Julio Julián, y el drama “Mariposas negras”, de Ícaro Teatro, quien obtuvo la mención a mejor dramaturgia original de la Muestra Estatal de Teatro Puebla 2015, también forman parte de la programación.

El próximo domingo a las 18:30 horas se leerá el mensaje alusivo al Día Mundial del Teatro 2016, escrito este año por Anatoli Vassiliev, fundador de la Escuela de Arte Dramático del Teatro de Moscú.

La lectura estará a cargo de Antonio Zúñiga, reconocido dramaturgo, director, actor mexicano e integrante del Sistema Nacional de Creadores de Arte, del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca).

En la recta final se presentará “Mi papá no es Santo ni enmascarado de Plata”, de la Compañía Carretera 45 de la ciudad de México, que a partir de experiencias comunitarias narra la historia de Axel y David, adolescentes de barrio que enfrentan sus peleas tanto en el ring como en la vida diaria.

El boxeo, eje central de la historia, sirve como metáfora de las verdaderas peleas de la vida. Para mayor información sobre las actividades del Día Mundial del Teatro, está disponible el sitio electrónico http://cecap.puebla.gob.mx.

Exhiben alfombras alusivas a “Las tentaciones de Jesús” (FOTOS)

En los claustros y el salón de coros del Museo de Arte Religioso exconvento de Santa Mónica se exhiben alfombras alusivas a “Las tentaciones de Jesús”, que el colectivo Alfombristas Mexicanos presenta durante la Semana Santa.

Alejandro Lira, maestro alfombrista de la ciudad de Huamantla, Tlaxcala e integrante del colectivo, explicó en entrevista con Notimex, que esta obra se compone de cuatro piezas intervenidas en diversas dimensiones, pero con la misma temática.

Destacó que a partir de este jueves y hasta el próximo martes, los visitantes al recinto ubicado en el Centro Histórico de Puebla, podrán apreciar la obra que abarca 75 metros lineales.

“Las Tentaciones de Jesús” se desprenden de los relatos bíblicos que señalan que Jesús estuvo 40 días en el desierto y ahí aparece el demonio con tres tentaciones.

La primera tentación hace referencia a los sentidos, la cual estará representada en el claustro principal del convento con una dimensión aproximada de 3 por 4 metros; la segunda tentación es del ego, y está representada en el claustro de las Novicias.

La tercera tentación es sobre el poder y está representada en el coro bajo, mientras que la última tentación está representada con la imagen del demonio con Jesús y se ubica con una gran alfombra en las salas superiores del convento.

Alejandro Lira comentó que para este arte efímero se emplean arenas finas, granzones de colores y olotes de maíz en diversos colores. “La innovación es poder plasmar una obra artística mediante el alfombrismo y con materiales son reciclados”.

En este sentido, apuntó que materiales como los olotes fueron empleados en los tapetes de colores que hicieron en febrero pasado para la misa que el Papa Francisco presidió en Ecatepec, Estado de México”.

Indicó que antes de llegar a la exposición, se realiza un trabajo de preparación por lo menos tres meses antes, periodo en el que se selecciona el tema, que en este caso gira en torno a la temporada de Cuaresma y Semana Santa.

Se concuerda con el espíritu que guarda el museo, a la memoria de lo que este recinto fue tiempos atrás, el convento de las monjas de la orden de Santa Mónica y posteriormente los diseñadores trabajan en los bocetos.

Se selecciona el estilo de la alfombra, se define el material que se va a emplear y la preparación del mismo como el teñido, a fin de tenerlos listos para utilizarse en la alfombra.

Destacó que para “Las Tentaciones de Jesús” participaron cerca de 15 personas durante 24 horas en tres turnos de 8 horas, y que por tratarse de un arte efímero, la permanencia de las alfombras depende de las condiciones climáticas.

Finalmente, Alejandro Lira destacó que el alfombrismo de Huamantla es reconocido a nivel internacional, pues han tenido presencia en Europa, Asía, Sudamérica, Norteamérica y en toda la República Mexicana.

Adelantó que en mayo próximo, el colectivo Alfombristas Mexicanos, viajará a Italia para participar en el Congreso Internacional de Arte Efímero, y un en junio trabajará en una alfombra de carácter ambiental y monumental en el Parque Ecológico Xochitla, Estado de México.

Mientras que durante el mes de agosto exhibirán varios trabajos en Huamantla, Tlaxcala, con motivo de la feria en honor a la Virgen de la Caridad.

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Fotos: Es Imagen

Jaime Sabines sigue enamorando a 90 años de su nacimiento

Jaime Sabines, el poeta que ha cautivado a diversas generaciones por sus escritos dedicados al amor, la muerte y la soledad, nació el 25 de marzo de 1926, y para conmemorar 90 años de su natalicio se llevan a cabo diversas actividades en la capital mexicana.
El próximo 29 de marzo, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, Mónica Mansour, Julio Sabines y Claudio Isaac y Pilar Jiménez, participarán en el homenaje “Jaime Sabines 90 años”, que organiza el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA).
En el Centro Cultural Elena Garro, de la capital mexicana, este 26 de marzo se recordará al poeta que estuvo alejado de los grupos intelectuales, con el recital poético-musical “Por siempre Sabines”, a cargo de la soprano Dhyana Arom y el guitarrista José Ángel Pita Juárez.
Mientras que en ese mismo lugar, pero los jueves del 31 de marzo al 21 de abril, Juan Domingo Argüelles (1958) impartirá el curso “Poesía hispanoamericana de los siglos XIX y XX”, donde se recordarán los aspectos más destacados de la obra de Sabines.
Además, Canal 22, la televisora cultural de México, dedicará este viernes una programación especial dedicada al autor de “Los amorosos”, con la retransmisión de la entrevista “Algo sobre Jaime Sabines” y la restrospectiva “Llorando la hermosa vida, homenaje a Jaime Sabines”.
Considerado un poeta independiente, Jaime Sabines llegó a este mundo un 25 de marzo de 1926 en Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, hijo de un militar de origen libanés y de una dama de la alta sociedad chiapaneca, así lo menciona su biografía la Secretaria de Cultura a través de Coordinación Nacional de Literatura.
Su primer acercamiento a las artes lo realizó tomando cursos en el Instituto de Ciencias y Artes de Chiapas, sus primeras publicaciones fueron mientras estudiaba la preparatoria, en el periódico “El estudiante”.
Después se mudó a la Ciudad de México para estudiar la licenciatura en la Escuela Nacional de Medicina pero la abandonó luego de tres años.
Su pasión por la literatura lo llevó a estudiar lengua y literatura castellana en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), también fue becario del Centro Mexicano de Escritores.
Ya como un profesional de las letras, publicó su primer poesía “Introducción a la muerte” en la revista cultural “América”, regresó a Chiapas en 1952, ya instalado en su estado trabajo como vendedor de telas y confecciones y en la mueblería de su hermano.
Tras un concurso, obtuvo el Premio Estatal de Literatura en su estado, en este momento de su vida fue que retomo la literatura, pues su papá lo alentaba a seguir escribiendo.
En 1976 regresó a la política, fue elegido diputado federal por Chiapas, y en 1988 por un distrito de la capital federal, según datos del portal biografías y vida.
Su primer libro de poesías fue “Horal” publicado en 1950, seguido de “La señal” 1951, “Adán y Eva” en 1952, “Tarumba” 1956, “Recuento de poemas”, en 1962 “Diario, semanario y poemas en prosa” 1961.
El estilo de su poesía era escrita en prosa con un lenguaje cotidiano que te hace entender sus ideas trágicas del amor y las angustias de la soledad, siendo directo con los sentimientos y creando un vínculo emocional entre sus lectores.
En un esfuerzo de crear un material literario multimedia más completo, Sabines grabó un disco con algunos de sus poemas con la disquera Voz Viva de México en 1965, señala la página “biografíasyvidas.com”.
Su padre fue una constante inspiración, por lo que le dedicó una de sus obras narrativas, aunque las de mayor éxito fueron: “Algo sobre la muerte del mayor Sabines” en 1973, “Nuevo recuento de poemas” en 1977 y “Poemas sueltos” en 1983.
Las creaciones de Sabines fueron traducidas a 12 idiomas, recibió los premios de “Xavier Villaurrutia, en 1972 y el “Elías Sourasky” de 1982 así como recibió el Premio Nacional de Lingüística y Literatura en 1983, el Premio Nacional de Ciencias Artes en 1985.
Otros importantes galardones, fueron: la Presea Ciudad de México en 1991, la medalla Belisario Domínguez en 1994, otorgada por el Senado de la República, también fue nombrado Creador Emérito del Sistema Nacional de Creadores de Arte.
En la última etapa de su vida publicó “La luna” y “Uno es el hombre”, así como las recopilaciones “Otro recuento de poemas” edición aumentada, 1993, “Antología poética” 1994; “Los amorosos y otros poemas”, “Poesía amorosa reunida”; “Al téquerreteque, Sabines para niños” y “Poemas”.
Las amistades que rodearon la vida del literato, destacan Emilio Carballido, Sergio Galindo y Rosario Castellanos Efrén Hernández, Juan Rulfo, Juan José Arreola y Pita Amor, afirma en un comunicado Secretaria de Cultura a través de Coordinación Nacional de Literatura.
Jaime Sabines falleció el 19 de marzo de 1999 en la Ciudad de México, víctima de un cáncer a la edad de 72 años.

“Tecnología y restauración van de la mano”

Por Juan Carlos Castellanos C.

La restauración de edificios antiguos e históricos se vale en la actualidad del trabajo de equipos multidisciplinarios. Biólogos, historiadores del arte, ingenieros estructuristas, químicos y expertos en resinas, rayo láser y microscopía usan la más avanzada tecnología para realizar su trabajo, más rápido y con mayor eficiencia.

Así lo informó Ricardo Prado Núñez, arquitecto por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), doctor y especialista en Restauración de Edificios y Monumentos, quien tuvo a su cargo la rehabilitación del inmueble que ocupó la primera universidad de América, en el hoy número 18 de la calle de Seminario, Centro Histórico de esta ciudad.

El catedrático de la UNAM desde hace 20 años destacó que hasta hace algunos años, realizar el levantamiento de un edificio para elaborar el diagnóstico de su estado físico, demandaba entre cuatro y cinco meses, mientras que hoy, con apoyo del escáner láser, se consigue en un mes. “Tecnología y restauración van de la mano”, acotó.

En su opinión, la historia tiene mucho futuro. “Nos tenemos que apoyar en la historia para vivir el presente y proyectarnos en el futuro”.

Dijo que durante un año trabajó en la restauración del inmueble, y en ese lapso llevó de modo puntual una bitácora que con el tiempo dio forma a su libro “Una restauración ejemplar”.

Explicó que cuando comenzó a intervenir ese edificio era casi una ruina. ”Dedicado yo a la restauración de edificios antiguos y amante de la historia del arte, toda la vida he visto litografías de siglos pasados y fotografías de principios del XX, y siempre, en todas esas imágenes, aparece destacadamente esta casona, es decir, era muy significativo”, comentó.

Prado Núñez advirtió que luego de ser un inmueble virreinal importante (data del Siglo XVIII) con el inevitable paso del tiempo y la total falta de mantenimiento poco a poco se fue deteriorando. Por los usos y malos usos que se da a este tipo de casas en el centro de la ciudad, desde la estructura hasta la fachada, pierden todo su valor, histórico y artístico”.

Los sucesivos ocupantes de la casa, ubicada frente a la cara oriente del Sagrario anexo a la Catedral Metropolitana, la alteraron irracionalmente poniendo y quitando paredes en el sitio donde convenía a sus intereses, cerrando y abriendo ventanas y hasta modificando sus cimientos. “Así, poder devolverle su esplendor original fue algo extraordinario”, dijo.

Reiteró que las modificaciones que al cabo deterioraron la casa al grado de ponerla en peligro de desplome fueron numerosas. “Aquí se establecieron comercios, despachos, consultorios y bodegas. Para eso, quien necesitó abrir una puerta la abrió; quien necesitó tirar un techo lo tiró, y a quien le estorbaba una columna muy rápido una columna quitó”.

El entrevistado platicó que cuando comenzó la reestructuración de la casa, él y su equipo de colaboradores expertos descubrieron, en el espacio que ahora ocupa la biblioteca, que la cuarta parte del edificio descansaba tan sólo en dos postes metálicos, de seis pulgadas, sin tener siquiera cimentación. ¿Por qué? “Pues porque así lo quiso quién sabe quién”.

Para poder devolver a esa construcción su total originalidad, el especialista recurrió a una serie importante de fuentes primigenias. Además, a una serie de investigaciones que hizo el doctor Luis Ortiz Macedo (1933-2013). “Fue él quien inició el proyecto y condujo la dirección de la obra, mientras que yo y otros especialistas fuimos los ejecutores”, acotó.

La experiencia del doctor le hace ver que existen trabajos de restauración con un mínimo grado de dificultad, mientras otros demandan una labor titánica. “Esta obra significó un altísimo grado de dificultad porque, pensándolo bien, esta casa era una verdadera ruina; ya sólo resta que Fundación Herdez, quien la ocupa hoy, la mantenga, cuide y conserve”.

Con el profundo trabajo realizado y la restructuración integral que se hizo, concluyó más adelante el entrevistado, y siempre y cuando se le dote de mantenimiento y los cuidados necesarios “este edificio puede durar muchísimos años más con el esplendor que tuvo al ser construido y que acabamos de reintegrarle, para gozosa contemplación del mundo”, consideró.

Foto: Es Imagen

Ofrece Puebla atractiva cartelera cultural durante Semana Santa

Con el propósito de brindar a los poblanos y turistas que estarán en la ciudad de Puebla, la extensa oferta museística de la entidad, el gobierno del estado de Puebla invita a descubrir los tesoros que resguardan los espacios adscritos al Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Puebla (CECAP) durante la Semana Santa.

La Casa de la Cultura exhibe el tradicional Altar de Dolores en Casa de la Cultura de Puebla (5 oriente #5, Centro Histórico), una de las tradiciones más importantes en México dedicada a la Virgen de los Dolores. Destaca el color morado como símbolo de pena y luto. El horario de visita es de lunes a viernes de 9:00 a 20:00 horas, sábado 26 y domingo 27 de marzo, de 10:00 a 17:00 horas. El viernes 25 de marzo estará cerrado con motivo de la Procesión del Viernes Santo. La entrada es libre.

Del 22 al 27 de marzo, poblanos y turistas podrán disfrutar de las nuevas atractivos del Estado de Puebla, el Museo de la Evolución, espacio que estará abierto en horario normal de 10:00 a 17:00 horas y el Museo Internacional del Barroco que abre sus puertas de 10:00 a 19:00 horas, con entrada gratuita para todos los poblanos.

Los días 25 y 26 de marzo habrá Noche de Museos; los recintos participantes estarán abiertos al público en horario de 17:00 a 22:00 horas.

El viernes 25 de marzo participan en Noche de Museos: la Casa de la Música de Viena en Puebla, Museo Infantil La Constancia Mexicana, Galería Tesoros de la Catedral de Puebla, Museo Regional Casa de Alfeñique, Museo José Luis Bello y González, San Pedro Museo de Arte, Museo Taller Erasto Cortés y Fototeca Juan Crisóstomo Méndez. Cabe mencionar que los museos ubicados en el Centro Histórico abrirán hasta las 13:00 horas por motivo de la Procesión del Viernes Santo.

El sábado 26 de marzo participan: Casa de la Música de Viena en Puebla, Casa del Títere Marionetas Mexicanas, Galería Tesoros de la Catedral de Puebla, Museo Regional Casa de Alfeñique, Museo Regional de la Revolución Mexicana Casa de los Hermanos Serdán, San Pedro Museo de Arte, Museo Taller Erasto Cortés y Fototeca Juan Crisóstomo Méndez.

Las exposiciones temporales que los visitantes podrán disfrutar durante la doble Noche de Museos son las siguientes:

Teresa de Jesús en la Ciudad de los Ángeles, en la casa de María, en Galería Tesoros de la Catedral, exposición en colaboración con el Arzobispado de la Arquidiócesis de Puebla realizada en el marco del 5º. Centenario del natalicio de Santa Teresa de Jesús. Óleos, relieves, documentos y esculturas son algunas de las 19 piezas que conforman la muestra.

Creación en movimiento en San Pedro Museo de Arte, exposición con más de 100 piezas de arte contemporáneo, en diferentes formatos como instalación, multimedia, cómic, pintura, fotografía, entre otros. La obra es resultado del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

La mirada siempre diferente de Juan Crisóstomo Méndez en la Fototeca Juan Crisóstomo Méndez, personaje que fue mucho más allá del pasatiempo y de la afición a ese arte que sabe retener tiempo, hechos, rostros. Su primera exposición individual se llevó a cabo en diciembre de 1952, cuando era miembro del Club Fotográfico de Puebla.

Gerardo Balcázar Victoria. Legado de un arquitecto, en Museo Taller Erasto Cortés. Planos, maquetas, croquis y fotografías de la obra del arquitecto poblano Gerardo Balcázar Victoria y su importancia en la arquitectura contemporánea de Puebla.

Para mayor información, sobre los Museos del Estado de Puebla se encuentra disponible el sitio electrónico http://cecap.puebla.gob.mx

Foto: Es Imagen

Luis Felipe Lomelí comparte su épica novela “Indio borrado”

El escritor Luis Felipe Lomelí encontró en “El güero” un niño de 13 años que forma parte de la población de origen indígena del norte del país, para quien tatuarse es en principio un viaje en sentido inverso, al personaje central de su novela “Indio borrado”, título publicado por el Programa Nacional de Salas de Lectura, en coedición con Tusquets Editores.

De acuerdo con la Secretaría de Cultura federal, Lomelí crea una novela épica sobre la población de origen indígena del norte del país a partir de “El güero”, quien en esta historia asegura que tatuarse es convertirse en algo más.

“El Güero” sólo tiene 13 años, pero ya tiene un territorio: la Revu. Los ojos deben estar en las esquinas permaneciendo irremediablemente conectados con el silbido, para avisar cuando crucen los Dragons, o los Calcos, o los Máfer o los Bóxer porque en la Revu mandan los Rats y ellos sí son sus amigos, ése sí es su barrio.

Ahí está su casa con sus hermanos la Leidi, que ya casi nunca habla, que duerme en el sillón de la sala, porque faltan cuartos, con su bebé, el Cabrito; y está su madre. Trece años tiene el Güero cuando al autobús en que viaja a su trabajo se sube Lina.

Trece años tiene mientras día a día cuenta los números del boleto para ver si suman 21 y poder ganarse esa ingenua lotería de transporte público que da derecho a reclamar un beso de esa morra. La misma edad cuando le compra un osito de peluche “chirris”. Trece al tiempo que inhala de una bolsa de papel y dispara porque con su amigo ese es el juego y se ríe con el Fede, porque “la risa es lo único que nos salva”.

Luis Felipe Lomelí (Etzatlán, México, 1975) es ingeniero físico, doctor en filosofía y ecólogo. Su trabajo ha sido publicado en varios países, parte de éste ha sido traducido al árabe, italiano, japonés, inglés, húngaro, chino, francés y portugués.

Ha sido becario por la Organización de Estados Americanos, el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, la Fundación para las Letras Mexicanas y el Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología.

En Tusquets Editores ha publicado los libros de cuentos “Todos santos de California”, que obtuvo el Premio Nacional de Literatura de Bellas Artes San Luis Potosí; “Ella sigue de viaje” y la novela “Cuaderno de flores”. Desde 2013 es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Inicia Gran Remate de Libros en el Auditorio Nacional

Miles de ejemplares reciben otra oportunidad de ser comprados antes de ser triturados

Con 200 expositores que representan más de 500 fondos editoriales, esta tarde se inauguró el X Gran Remate de Libros en el Auditorio Nacional.

“Hay descuentos del 50 por ciento y más”, informó Eduardo Vázquez Martín, secretario de Cultura de la Ciudad de México durante la breve pero emotiva ceremonia de apertura.

Por su parte, Carlos Anaya Rosique, quien apenas la semana pasada tomó posesión como nuevo presidente de la Cámara Nacional de la Industria Editorial (Caniem), mencionó en su primer acto público que “son libros que al haber cumplido su ciclo de exhibición en librerías, vienen aquí, son adquiridos y se salvan de ser triturados”. Eso animó al público.

En el acto se informó que desde el primer Gran Remate de Libros, que se realizó en 2007 en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco con ocho editoriales, hasta la edición del año pasado, aproximadamente 900 mil personas han asistido para ver y adquirir miles de libros, a escuchar a diversos autores que recomiendan lecturas, y gozar de música viva.

“Entre 2008 y 2015 asistieron al Gran Remate de Libros, en el Auditorio, 896 mil 249 personas, cifra que equivale a casi 90 Auditorios Nacionales llenos, durante 69 días. Esa es una manera de ilustrar el acierto que ha sido la creación y permanencia de este enorme encuentro de libros, convirtiéndose en una opción para la circulación y venta de libros”.

Tras lo anterior, Vázquez Martín subrayó que el Gran Remate estimula el fomento a la lectura, ya que además de ofrecer una atractiva salida a ejemplares embodegados, garantiza el acceso al libro porque la entrada al encuentro es gratuita, con una oferta amplia a precios de remate y descuentos de hasta el 80 por ciento.

El Gran Remate de Libros es organizado por la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, el Auditorio Nacional y la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana (Caniem). Participan casas y distribuidoras editoriales que comercializan libremente libros y revistas, en soporte impreso, audio, electrónico o digital, de todos los temas.

Este encuentro entre libros y lectores ha ido creciendo y evolucionando edición tras edición, no sólo por la cantidad de expositores y editoriales participantes, sino por el número de ejemplares vendidos y por las actividades en torno a la lectura que se han ido sumando con el fin de hacerlo más atractivo, mencionó Vázquez Martín.

El interés del público también ha ido a la alza. La primera edición en el Auditorio Nacional (2008) convocó a 105 mil 898 personas y la realizada el año pasado (2015) fue visitada por 145 mil 414. Otros datos indican que en 2010, para la cuarta edición, se realizó la primera venta nocturna, así como una venta especial al mayoreo para libreros.

A partir de la quinta edición (2011), el remate se volvió atractivo turístico de la ciudad, al realizarse durante la Semana Santa, para ofrecer una opción más dentro de los recorridos de visitantes nacionales y extranjeros. Ese mismo año el programa se amplió con cuenta cuentos, lecturas en voz alta, recitales de poesía y lecturas dramatizadas de público copioso.

Para atender la cada vez mayor demanda de expositores y creciente afluencia de público, la sexta edición del remate (2012) se amplió para contar con un mayor espacio de exhibición, que aumentó a dos mil 200 metros cuadrados, y ese año, por una afortunada coincidencia, celebró el Día Internacional del Libro Infantil y Juvenil en el marco de sus actividades.

La séptima edición rebasó las expectativas al atraer a 143 mil personas en 2013. Ese año y debido a su éxito, se extendió el horario de la venta nocturna hasta las 11 de la noche, además de que se incorporaron otras novedades, como un área de lectura en voz alta y también se programaron conferencias sobre el tema de las ediciones digitales, tema de actualidad.

En 2014, el octavo remate volvió a crecer en tiempo y espacio. Su periodo de duración abarcó dos fines de semana además de que se extendió el área de venta y se aprovecharon las rampas y los dos pisos superiores del Auditorio Nacional para utilizarlos también como áreas de exhibición, de acuerdo con los organizadores de este encuentro editorial.

Con un área de dos mil 300 metros cuadrados de exhibición, el noveno Gran Remate, el año pasado, reunió a 204 expositores, 350 fondos editoriales y 145 mil 414 asistentes. Para los jóvenes se organizó una tertulia con la escritora Lorena Amkie, y en el campo musical se presentaron los grupos Polka Madre, Calacas Jazz Band, Nicotyna, y algunos otros más.

Este 2016, el Gran Remate de Libros celebra una década. Durante ocho días, participan más de 200 expositores y alrededor de 500 fondos editoriales de todos los géneros literarios, artísticos y de investigación. Este año se recordará a Miguel de Cervantes y William Shakespeare a 400 años de su muerte.

Igualmente, a los escritores Elena Garro y Gonzalo Rojas en el centenario de su nacimiento, así como al poeta Rubén Darío, quien falleció hace un siglo, y a Umberto Eco, quien murió este año.

Además, esta edición tendrá narraciones orales, lecturas en voz alta, cuenta cuentos, charlas con escritores y poetas, lecturas dramatizadas y recitales poéticos.

El sábado 26 se proyectará en la pantalla gigante del foro del Auditorio Nacional la famosa ópera de Mozart, “La flauta mágica”. El X Gran Remate de Libros en el Auditorio Nacional se realiza hasta el 29 de marzo, de 11:00 a 19:00 horas, con excepción del viernes 25, que terminará hasta las 23:00 horas porque habrá venta nocturna.

“El mundo es hoy más afín a ideas de Octavio Paz”

Por Mauricio Guerrero

El historiador mexicano Javier Garciadiego consideró durante una ponencia en Nueva York que el mundo en la actualidad es más afín a las ideas del escritor Octavio Paz, que cuando el poeta y ensayista murió en 1998.

Expresidente de El Colegio de México y profesor invitado de historia mexicana en el siglo XX de la Universidad de Columbia, en Nueva York, Garciadiego destacó que Paz era un intelectual cosmopolita atento a las vanguardias estéticas y políticas.

Precisó que en las últimas décadas se aceleró la internacionalización de México y la integración global, además que la izquierda perdió parcialmente su ortodoxia, lo que ha favorecido la valoración de la figura de Paz.

“El mundo es hoy más afín a Octavio Paz. Los medios de comunicación, la revolución sexual, las vanguardias en el arte eran temas que interesaban a Paz. Y en ese sentido él fue un precursor de lo que sucede. Su obra y la valoración de su figura gozan ahora de cabal salud”, afirmó Garciadiego.

Tras ofrecer la noche del lunes una ponencia en torno a la biografía política de Paz en el Instituto de Estudios Latinoamericanos de Columbia, Garciadiego resaltó que las ideas del ganador del Premio Nobel de Literatura de 1990 han rejuvenecido en un mundo más globalizado.

“Los mexicanos, aunque no sean lectores, como muchos de los migrantes en Estados Unidos, somos más cosmopolitas. México se ha internacionalizado, y han cobrado relevancia países que Paz señaló como culturas importantes, como India y Japón”, aseguró.

En entrevista posterior a su ponencia, Garciadiego explicó que una de las señales de la relevancia actual de Paz es la numerosa colección de libros publicados sobre su obra y su vida durante el centenario de su natalicio, celebrado en 2014.

“Paz murió en 1998 como una figura incontrovertible a nivel nacional e internacional, e incluso internacionalmente su obra se lee ahora más que antes”, precisó el historiador.

Una de las claves para la mayor aceptación de la obra y la figura política de Paz es que la izquierda en México, que durante décadas lanzó las críticas más feroces a las posiciones públicas del Nobel mexicano, se ha transformado también.

“La izquierda que criticó a Octavio Paz ha cambiado de posturas. La crisis del socialismo real en Europa, la crisis que ha enfrentado Cuba y el gobierno cubano, han hecho que la mexicana sea una izquierda menos ortodoxa de lo que había sido hasta entonces”, sostuvo.

El académico, que funge como profesor invitado de Columbia de enero a junio de este año, puntualizó que incluso la izquierda mexicana se acepta como lectora de Paz, y que reconoce ahora la validez de varias de sus críticas políticas.

El ritual a Quetzalcóatl en fotos

Danzantes veneran a la antigua metrópoli de Cholollan con bailes y cantos. Haciendo una recreación del ritual a Quetzalcóatl, ofreciendo agua, copal, comida y sudor al ritmo de los tambores.

Foto: Ricardo Rodríguez / Es Imagen

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Compañía de Danza de la BUAP comenzará nueva temporada

La Compañía de Danza Contemporánea del Complejo Cultural Universitario (CCU) de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla (BUAP), estrenará su obra coreográfica “Cut” dentro de la XV Temporada de Danza “Suspiros que unen”.

La compañía dará funciones el 1 y 8 de abril, 27 de mayo, 3 y 17 de junio y 1 y 8 de julio en el Teatro del Complejo Cultural Universitario de la BUAP, informaron en un comunicado los promotores de la temporada.

La coreografía de Charlotte Boye Christensen, “Cut”, profundiza en el paisaje emocional como seres humanos; estará acompañada por música de Alexandre Despiat (1961), Downliners Sekt y Johann Paul Von Westhoff (1656-1705), con vestuario de Aniuk Sang.

En el programa también se presentará la puesta “Earth”, de Wade Madsen con música de Arvo Part (1935), la cual muestra la belleza de las colinas de Nuevo México y al mismo tiempo la tristeza que acarrea la horadación de la tierra, explicó la fuente.

Asimismo, el público podrá disfrutar de “Death Spring”, obra de Rip Parker con música de Michael Cava (1926-2010), la cual hace una metáfora de la muerte mostrándola como algo bello, además de hacer alusión al Día de Muertos en México.

En la XV Temporada de Danza, la compañía se presentará con diversos grupos como Malitzi Arte Escénico; Grupos del Colegio de Danza de la Escuela de Artes de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla y Corposimbiótica Danza Contemporánea.

Lo mismo que Fussion Dance Company, Danza Afectada, Sisti Dance Place; Sankarani “Música y danza africana”; Colegio de Etnocoreología de la BUAP y Colectivo So Def Nation Crew and Family “Hip Hop”.

Alistan homenaje a Salvador Elizondo

En el marco de su décimo aniversario luctuoso, la vanguardista y original voz de Salvador Elizondo (1932-2006) será homenajeada con una exposición en El Colegio Nacional y la publicación de ediciones conmemorativas de su más destacadas obras literarias.

La Secretaría de Cultura federal explicó que la serie de actividades conmemorativas comenzaron con la proyección del documental “Farabeuf o la crónica de un instante”, y a partir del 6 de abril estará abierta al público la muestra “Los caminos de Elizondo” en El Colegio Nacional.

La exposición hace una recuentro retrospectivo de los logros académicos del autor ganador del Premio Xavier Villaurrutia en 1965, a través de diversos documentos e imágenes de su archivo personal.

Paulina Lavista, viuda del escritor, indicó que el mismo día en el antedicho recinto se emitirá una convocatoria para que jóvenes que hayan encontrado inspiración en la obra de Elizondo participen proponiendo lecturas, puestas en escena u otras actividades artísticas.

Asimismo, el Centro Cultural Bella Época exhibe durante todo marzo 14 fotografías, 19 dibujos, tres manuscritos y objetos personales del escritor, como su máquina Olivetti.

Indicó que a las actividades también se suma la Fonoteca Nacional, que recordará la efeméride del maestro Elizondo al reproducir un audio de su voz desde su página de internet durante todo el día del 29 de marzo.

Destacó también la edición conmemorativa que hizo El Colegio de México, con el apoyo del Fondo para la Cultura y las Artes (Fonca), para celebrar los 50 años de “Farabeuf”, libro emblemático que hace referencia a un mismo instante recreado desde perspectivas distantes y elementos de la cultura china.

La edición especial, cuya portada fue diseñada por el artista plástico Vicente Rojo, incluye un texto de Paulina Lavista y un epílogo integrado de comentarios de escritores como Pablo Soler, José de la Colina y Octavio Paz, además de una conferencia dictada por el mismo Elizondo en Cholula, Puebla, que giró en torno al génesis de su obra.

De la misma forma, continuó, el Fondo de Cultura Económica editará “Diarios 1945-1985” a partir de una selección de textos íntimos y vivencias personales que Elizondo dejó inscritos en 83 diarios que abarcan de 1945 al 26 de marzo del 2006, tres días antes de su deceso.

Al respecto, el curador y editor Gerardo Villadelángel comentó que en el volumen impreso se descubre al autor mexicano como “un gran lector, un incipiente escritor y un gran filósofo que disfrutó de la vida y los viajes, pero sobre todo de la literatura”.

Salvador Elizondo, además de literato, fue fundador de revistas culturales, viajero incansable, miembro de la Academia Mexicana de la Lengua, de El Colegio Nacional y galardonado en 1990 con el Premio Nacional de Ciencias y Artes, en el área de Lengua y Literatura.

Gerardo Gandini, un pianista que revolucionó la música contemporánea

El escritor, compositor y director musical argentino Gerardo Gandini es recordado a tres años de su partida, como una referencia de la música clásica contemporánea, que plasmó su talento al piano lo mismo en el tango que en el rock.

Gerardo Gandini nació el 16 de octubre de 1936, en Buenos Aires, Argentina; su infancia la vivió en el barrio de Villa del Parque, donde su padre se desempeñaba como escribano.

Su inquietud por aprender música inició con sonidos musicales que provenían de una casa vecina, mientras él simulaba que tocaba el piano en una máquina de coser, relata el crítico musical Federico Monjeau.

Su formación musical formal comenzó con una profesora de su barrio, posteriormente, en la adolescencia, estudió bajo la tutela de Pía Sebastiani, en el Conservatorio Beethoven.

Cuentan sus biógrafos que su talento lo llevó a conocer al compositor argentino Alberto Ginastera, quien no dudo en llevarlo a la Pontificia Universidad Católica Argentina, con el objetivo de acompañar al coro y ejercer la docencia, dando algunas asignaturas de música.

El pianista también dio clases de composición musical en el Instituto Di Tella, hasta que Ginastera le consiguió dos becas para estudiar en el extranjero; una para Nueva York, con un programa de la Fundación Ford en 1964, y la otra para estudiar con Goffredo Petrassi en la Academia de Santa Cecilia de Roma, en 1967.

Las experiencias tan nutridas en la composición musical lo llevaron a crear tres óperas que remarcan su estilo: “La casa sin sosiego”, de 1992; “La ciudad ausente”, 1995, y “Liederkreis” (Una ópera sobre Schumann) del 2000 según datos del artículo “Gerardo Gandini: la música de las músicas”.

Su talento como compositor fue reconocido con el Premio Municipal de Composición en Buenos Aires, 1960, el primer lugar en el concurso internacional organizado por el Congreso para la Libertad de la Cultura en Roma, 1962, y en 1977 le fue otorgado el Premio Molière del gobierno de Francia por su música para teatro.

Gandini incursionó en el cine, compuso la música para la película “La Nube”, dirigida por Fernando Solanas, como resultado recibió “El León de Oro”, premio a la Mejor música original en el Festival de Cine de Venecia, también la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina le otorgó el premio Cóndor de Plata en 1998, por la música de este filme.

Entre sus colaboraciones musicales destacan en la década de los 80 una al lado del saxofonista Hugo Pierre, posteriormente en los 90 Astor Piazzolla llamó a Gandini para trabajar como su pianista en una gira por Japón.

También dirigió como arreglador y director un concierto con la orquesta de cámara; Camerata Bariloche y Fito Páez.

Gerardo Gandini dirigió la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires; fue director musical del Teatro Colón y director-fundador del Centro de Experimentación en Ópera y Ballet del mismo teatro informa por su parte la editorial de música Melos.

El pianista es considerado como impulsor de la práctica en música contemporánea argentina, debido a sus diversas actividades dentro de la educación, experimentación y divulgación musical en el Taller de Música Contemporánea de la Fundación San Telmo Goethe-Instituto de Buenos Aires.

Dentro de su trayectoria, Gandini escribió más de 120 obras sinfónicas, así como música de cámara, óperas, teatro musical, música para filmes, para instrumentos solistas y piano.

En su última etapa creó el disco de música “Postangos en piano”; murió a la edad de 76 años, el 22 de marzo de 2013, en Buenos Aires, Argentina.

Cannes presenta cartel de la 69 edición

La dirección del festival internacional de cine de Cannes develó hoy el cartel de la 69 edición del certamen que tendrá lugar el próximo mes de mayo.

El poster de este año del festival está inspirado en un fotograma de la película clásica francesa “Le mépris” (El desprecio) del director suizo Jean-Luc Godard, explicaron fuentes del certamen en un comunicado.

La imagen, obra de Hervé Chigioni y Gilles Frappier, muestra a un hombre que sube las escaleras de una estructura arquitectónica ubicada en la costa mediterránea.

Según fuentes del festival, la imagen recuerda a una cita de la película que dice: “el cine sustituye a nuestra mirada un mundo que se ajusta a nuestros deseos”.

La 69 edición del festival de cine de Cannes se celebrará del 11 al 22 de mayo próximos. Este año el presidente del jurado será el cineasta australiano George Miller, conocido por haber realizado la saga de “Mad max”.

Los programadores del certamen presentarán próximamente las películas seleccionadas en competencia este año.

Hoy se conmemora el día internacional de la poesía

Son muchos y muchas, algunos se conocen por encuentros literarios o porque un colega les hizo llegar un libro fruto de algún viaje al otro lado del Atlántico, y pese a su variedad y buena salud, la poesía iberoamericana aún tiene camino para conocerse a sí misma.

La poesía, cuyo día internacional se celebra hoy, “cobra significado”, a juicio de la poeta española Elena Medel, “con un solo lector que la necesite” y su reconocimiento “tiene que ser algo íntimo, en el encuentro con cada lector, no con un grupo”.

Medel, que según cuenta, no concibe “un solo día sin leer” y para quien la poesía es “fundamental”, explica que conoce “intensamente” lo que se escribe en países como Argentina, México o Colombia y, por el contrario, desconoce la poética de otros países iberoamericanos.

“Por mis lecturas, creo que existe un movimiento interesantísimo, con todas sus inmensas particularidades, de escritores que forjan ahora su propia tradición”, comenta y asegura tener “mucha curiosidad” por lo que escriben y lo que escribirán en el futuro.

De entre los autores que conoce bien, la directora de la editorial La Bella Varsovia y premio Loewe de Creación Joven 2013, recomienda la lectura del mexicano Gerardo Grande o la argentina Natalia Litvinova y subraya su “inmenso interés” en la poesía chilena de, por ejemplo, Malú Urriola o Carmen Berenguer.

Para Luis Muñoz, poeta y profesor de la Universidad de Iowa (EU), la poesía “ha aportado a Iberoamérica una conciencia y una imaginación diversas. La conciencia y la imaginación de una identidad otra, no preexistente”.

Muñoz apunta a la “tradición homosexual” como “uno de sus núcleos de fuerza”, construida “frente a la dificultad en distintos niveles, que ha sufrido todo tipo de formas de exclusión, explícitas e implícitas, a lo largo de la historia reciente”.

A su juicio, “la poesía iberoamericana más interesante de ahora mismo está siendo escrita por mujeres”: “hay un extraordinario poder de expresión, de revelación, de conflicto. Tanto en las que practican una poesía íntima como una poesía de testimonio, pero, sobre todo, en las que exploran la intersección entre ambas”.

Por su lado, el poeta colombiano Darío Jaramillo insiste en que “la importancia de las cosas cambia según la época” y que lo mismo sucede con la poesía que “nunca ha sido importante en la sociedad occidental judeo-cristo-mahometana”.

“Nunca. Sobrevive en la intimidad de unos pocos que, además, no creen en la importancia de ‘lo que es importante’. La poesía sólo es importante para alguien que acepte la utilidad de lo inútil”, analiza.

Jaramillo, uno de los poetas contemporáneos más reconocidos en castellano, cree además que este género literario no está valorado por la sociedad: “se hace la farsa de que sí, pero en términos de valores sociales la poesía es totalmente superflua hoy en día”.

El diagnóstico de Jaramillo coincide con el de Hernán Bravo Varela, poeta mexicano y jefe de comunicación de la Casa del Poeta, quien opina que la sociedad valora la poesía como “un polvoriento fetiche” pero que un día internacional sirve para “despojarla de nocivos lugares comunes”.

“Entre tanta palabrería y sinsentido cotidianos, el día que celebramos la poesía también exhibimos, según Luis Cardoza y Aragón, ‘la única prueba concreta de la existencia del hombre'”, cita el mexicano.

Y dentro de la autocrítica y el afilado análisis, coinciden en que la poesía tiene futuro. Desde el “sí” rotundo de Jaramillo a la irónica formulación de Bravo Varela que reivindica la vida futura de la poesía “precisamente porque su momento ya ha pasado”.

Puebla, sede de la Expo Tatuaje (FOTOS)

Artistas, agujas y tinta se lucieron en la Expo Tatuaje Puebla 2016, en la que talentos de diferentes partes de México plasmaron una gran variedad de diseños; la exposición se realizó este fin de semana en el Centro Expositor.

Foto: Tania Olmedo / Es Imagen

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Campeón gabacho, novela de riesgo

Además de la interesante construcción del personaje principal, el uso del lenguaje en el libro Campeón gabacho parece ser de alguien experimentado y culto, cuya historia es narrada y enlazada por una mente joven, comentó Sheng-li Chilián Herrera, directora de la Escuela de Artes Plásticas y Audiovisuales (ARPA), al presentar dicha obra escrita por la estudiante Aura Xilonen Arroyo, en la XXIX Feria Nacional del Libro de la BUAP (FENALI 2016).

En el Complejo Cultural Universitario, sede de la FENALI 2016, Chilián Herrera destacó que la novela escrita por la alumna del ARPA es un texto que logra presentar cómo las aventuras y experiencias transforman a su protagonista. Ese cambio bien desarrollado, dijo, es un ejemplo de construcción de personaje.

Con el libro Campeón gabacho, la universitaria de la BUAP ganó el premio Mauricio Achar/Literatura Radom House 2015. La alumna de la Licenciatura en Cinematografía se destacó entre 391 concursantes con su novela que empezó a escribir a la edad de 16 años y concluyó dos años más tarde. El jurado, integrado entre otros por la narradora Cristina Rivera-Garza, la calificó como “novela de riesgo”, en el género de la picaresca moderna, y entre sus cualidades literarias destacó “la experimentación en los planos del lenguaje, tanto en lo popular como en lo culto”.

Durante la presentación de la novela, Ricardo Cartas Figueroa, director de Radio BUAP, resaltó el buen humor, pese a que lo narrado es una historia “fuerte, dura, de alguien que decide abandonar su lugar de origen para hallarse en un país que le brinde más oportunidades”.

Finalmente, la autora, rodeada de profesores, familiares y amigos, enfatizó que gran parte de su obra está inspirada en experiencias familiares, sobre todo en las que le contó su abuelo, quien fue inmigrante, periodista, fotógrafo, boxeador y dramaturgo. “Cuando se enfermó, no quise que todas las anécdotas que nos había contado se perdieran. Así que las comencé a escribir y les agregué un montón de ficción”, señaló.

De acuerdo con los presentadores, Campeón gabacho “destaca por jugar con el uso del lenguaje, tanto el popular como el culto, que mezcla el español y el inglés para hablar sobre un tema tan relevante hoy en día como la migración. Xilo logra construir un personaje entrañable y consistente. Su novela será traducida al holandés, italiano, francés e inglés.

“Hacer teatro para niños debe tomarse muy en serio”

Por Rodolfo Maldonado

Un buen teatro para niños es aquel que es “tomado tan en serio como el más refinado, nada más que dirigido a un público infantil”, afirmó Nadia González Dávila, maestra de la materia en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM).

En entrevista, la catedrática subrayó que por lo anterior, un proyecto de este tipo “tiene que tener calidad en la actuación, calidad en la escenografía, en la luz y en la dramaturgia.

“Es decir, todos los aspectos que conforman el lenguaje teatral tienen que estar perfectamente bien cuidados para finalmente provocar una emoción y una experiencia estética”, dijo quien ha impartido durante cinco años la materia de Teatro Para Niños en la licenciatura de Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM.

Nadia González, quien tiene una Maestría en Pedagogía Sistémica por el Centro Universitario “Doctor Emilio Cárdenas”, recordó que la UNESCO establece que un niño va de cero a 17 años de edad, por lo que la primera característica para un teatro infantil de calidad es que debe ser dirigido de acuerdo al rango de edad de la audiencia.

Precisó que en la teoría se manejan cuatro rangos: preescolar, escolar (primaria), secundaria y preparatoria, aunque recientemente se ha desarrollado un quinto segmento dedicado a bebés, de cero a tres años.

Detalló que éste no es narrativo, es más bien lúdico y presenta momentos de color, forma, movimiento, sin narratividad, pero sí con temática, como la vinculación con sus padres.

La segunda característica, continuó, es que debe ser pensado para presentarse ante un ser humano en desarrollo, con capacidades, discapacidades y capacidades diferentes, es decir, un público diverso y que tiene características particulares determinadas por su nivel socioeconómico.

Un tercer tema a considerar es que un buen teatro no debe ser educativo, pues este aspecto lo hacen los padres y las escuelas, y a veces las religiones, el arte escénico lo que debe hacer es reforzar los valores pro-sociales y abordar temáticas de la época, señaló.

Al respecto, acotó que no se pueden contar todos los temas porque hay algunos que no conciernen a los infantes porque no están dentro de su ámbito vivencial, y en otros casos ciertas temáticas deben estar contadas desde la perspectiva de ellos, no la del adulto.

En ese sentido, dijo que debe ser un teatro para la familia, que debe contar con una narrativa desde la perspectiva del menor, pero que a los adultos que le acompañan también le sea interesante, pasen un buen momento y no sientan insultada su inteligencia.

Lo anterior quiere decir que debe tener contenidos para niños pero al mismo tiempo para adultos, subrayó quien es también guionista de teatro, cine y televisión, ámbito en el que ha trabajado en programas como “El espacio de Tatiana”, en Televisa, y “Bizbirije”, en Canal Once.

La especialista se refirió al tema del lenguaje y anotó que tampoco se debe insultar la inteligencia del menor y usar las palabras que se necesita, pues en todo caso el niño preguntará a sus padres el significado de las que no entienda y así desarrollará su propio vocabulario.

Hizo hincapié en que la finalidad del teatro infantil es promover una experiencia estética, es decir, el goce de los sentidos, de la belleza, expansión, imaginación, propuesta, de color, forma, ritmo y música.

Puntualizó que el buen teatro para menores es aquel que tiene una investigación detrás que logre que sea perfectamente dirigido al público al que se va a presentar.

Consideró, por consiguiente, que al teatro para niños en México le falta formación para que conozca todos los elementos que se deben tomar en cuenta al planear y presentar una obra, aunque reconoció que se está en el camino correcto.

Al hacer un poco de historia, explicó que el teatro para familias ha existido a lo largo de la historia de Occidente, como el guiñol, autos sacramentales y las pastorelas, pero el dedicado a niños inició a principios del siglo XX, con la revolución cultural tras el triunfo moscovita en Rusia, cuando se valoró su importancia didáctica.

Tal experiencia fue utilizada en México por el INBA en sus Misiones Culturales como una herramienta de difusión de temas de salud pública, de educación cívica y del pensamiento político del momento a través del teatro guiñol.

Al indicar que el primer edificio dedicado al teatro infantil fue abierto en Rusia en los años 60, precisó que por la época México contaba con un grupo de artistas de vanguardia que realizaba estos ejercicios didácticos, de forma que el INBA abrió su programa de Teatro para Niños y Jóvenes.

Comentó que ha habido y hay espectáculos muy comerciales, que incluso se pueden volver mercenarios, que buscan hacer dinero, que cualquiera puede hacer con las ideas que tiene, sin contar con una investigación ni una concepción escénica, humana o de otra índole.

Pero el verdadero teatro para niños tiene buena subvención y existen muchos festivales en el país, por lo que es muy accesible, y está muy desarrollado desde la concepción, los temas, la plástica, las teorías escénicas, aunque no se enseña casi en ninguna universidad.

Comentó que en su cátedra ha desarrollado con sus alumnos proyectos teatrales profundamente investigados y para cuya realización ha buscado la asesoría de expertos en el tema y los han presentado con una gran calidad profesional.

De esta manera, continuó, han logrado buenos resultados e incluso muchos de sus alumnos han formado su compañía o integrado a otra y recibido apoyos como becas, finalizó.

Todo listo para la Cumbre Tajín

Mañana sábado 19 de marzo inicia Cumbre Tajín en Papantla, Veracruz, el único festival mexicano que reúne sanaciones, danzas tradicionales, cine, teatro, exposiciones sobre las cosmovisiones indígenas, ceremonias, cuentacuentos, acciones ecológicas y gastronomía ancestral.
Además de la Ceremonia Ritual de Voladores —con vuelos infantiles, varoniles, femeninos y mixtos— y una oferta musical que va de Lila Downs a Margarita la Diosa de la Cumbia, pasando por Plastilina Mosh, Troker, Coiffeur y Los Cojolites, entre muchos otros, en el Parque Takilhsukut.
Como parte de los atractivos del festival, la zona arqueológica de El Tajín —ubicada a un kilómetro del Parque— extenderá su horario de visitas hasta las 19:00 horas para que los asistentes al festival disfruten del atardecer desde la llamada ciudad sagrada, mientras que en Papantla habrá danzas tradicionales e instalaciones lumínicas por la tarde y noche.
El festival ofrece una inmersión cultural sin precedente, pues habrá recorridos por las Casas-Escuela del Centro de las Artes Indígenas —incluido en la Lista Mundial de Mejores Prácticas de Salvaguardia del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad (UNESCO, 2012)—.
En ellos, los visitantes pueden participar en talleres guiados por maestros y alumnos totonacas para elaborar piezas con barro, madera, algodón, tintes naturales, vainilla, palma, cera, bejuco, elementos reciclados, semillas y muchos otros materiales.
También podrán participar en los juegos totonacas, acercarse a la poesía indígena, conocer libros en lenguas originarias y conversar con los Abuelos Sabios que comparten su luz en el Katinyan.
En otros escenarios del Parque Takilhsukut, de manera simultánea, la música, la narración oral y los sabores se trenzan para que los visitantes sean protagonistas de experiencias excepcionales.
En tanto, en el Árbol del Zapote y en el Xanatlín suenan el son jarocho, el son huasteco, la Banda y el Coro del CAI, el mariachi tradicional, la música argentina y la de Mozambique, la trova cubana, el surf, el rock, la orquesta sinfónica, los chistes, las historias con títeres y la narración con solistas y grupos como Los Amos del Recreo, Calle Cuatro, Yucatán a Go Go, Son Temoyo Perico el Payaso Loco Merequetengue y Flor Villagra.
Además hay dos grandes áreas de talleres para que toda la familia tome parte de actividades lúdicas, ecológicas, creativas, rítmicas y reflexivas.
Una característica que distingue a Cumbre Tajín es su interés por presentar las tradiciones vivas y darles espacio y tiempo para dialogar y compartir con el público los simbolismos de su identidad.
Así, este año la Ceremonia Ritual de Voladores presenta, de 12:00 a 20:00 horas, voladores del Totonacapan, San Luis Potosí y Puebla, que este año incluyen a mujeres voladoras y vuelos mixtos, y a los alumnos de las Escuelas Comunitarias de Niños Voladores.
Por su parte, las danzas del Totonacapan y de México tendrán presencia con más de mil danzantes que se presentan de 13:30 a 18:00 horas, y por la mañana mantienen un conversatorio en torno a los orígenes, la preservación y la enseñanza de las danzas.
En diversos lugares del Parque Takilhsukut hay exposiciones sobre la cosmovisión indígena, como Colibrí migrante, de Jun Tiburcio, artista totonaca que el año pasado recibió un reconocimiento especial en el marco del Premio Ostana 2015, en la ciudad de Ostana, Italia, por su poemario bilingüe La vida del colibrí / Xlatamat jun, editado por el CAI.
Esta oferta multicultural de Cumbre Tajín tiene un rubro audiovisual con la IV Muestra Internacional El Cine en la Cumbre, que presenta producciones de origen Rarámuri, Náhuatl, Mapuche, Zapoteca, Quechua, Aymara y Totonaca, de 12:00 a 17:30 horas.
En la rama reflexiva, el festival tiene presentaciones editoriales, diálogos de especialistas y conferencias.
La cocina Totonaca está presente en Cumbre Tajín con platillos de origen histórico y sabor natural, como los bocoles, el zacahuil y demás platillos que las Mujeres de Humo preparan en el Nicho de Aromas y Sabores de 13:00 a 22:00 horas.
Durante 17 años, Cumbre Tajín se ha distinguido por hacer realidad el mayor espacio de sanación en México. En esta décima séptima edición, el Nicho de la Purificación reúne a médicos tradicionales totonacas, temazcaleros, terapeutas y lectores de oráculos para hacer que los visitantes encuentren el equilibrio emocional, físico y espiritual.
Con esta oferta cultural, lúdica y musical, Cumbre Tajín se erige como el mejor lugar para recibir la primavera.

México celebra en su día a unos 10 millones de artesanos

En el Día Internacional del Artesano, México cuenta con una población de alrededor de 10 millones de personas dedicadas a ese oficio, mayoritariamente población indígena aunque también mestiza habitante del medio rural.
De acuerdo con datos proporcionados por el Fondo Nacional para el Fomento de las Artesanías (Fonart), el 70 por ciento del total de estos trabajadores son mujeres y el resto hombres, mientras que unos 600 mil artesanos viven “debajo de la línea de bienestar”.
Precisó que esta actividad se da con mayor fuerza en la parte media y sur-sureste del país y las piezas se desarrollan sobre todo en textiles, tejido de fibras y alfarería, y las entidades donde más se da son Oaxaca, Michoacán, Estado de México, Chiapas, Puebla y Jalisco.
La institución resaltó que la mayoría de la población dedicada a esta actividad son mujeres, quienes son las que transmiten los conocimientos a las nuevas generaciones, con lo que esta tradición se preserva en el país.
En este sentido, Magdalena Leyva, de la dirección de Comunicación Social del Fonart resaltó la importancia de preservar la artesanía porque es parte del ser mexicano, de su identidad, que va más allá de comprar artículos y le hacen sentirse parte de un todo.
Anotó que contrario a lo que se pudiera pensar, el mexicano es el principal consumidor de artesanías hechas en el país.
Según la información del Fonart, los productos artesanales que más se exportan son el trabajo en laca de Olinalá, Guerrero, como cajas baúles pequeños y arcones; y joyería en plata de Guerrero, Zacatecas y el Distrito Federal.
Asimismo, árboles de la vida de Metepec, Estado de México; rebozos de algodón y seda de Tenancingo, en la misma entidad y Santa María del Río, en San Luis Potosí; y alebrijes de madera policromados de Oaxaca.
De igual forma, arte huichol de Nayarit y San Luis Potosí, como tablas ceremoniales y jícaras decoradas con chaquira; textiles en general, huipiles en particular, de Chiapas; piezas de barro negro de Oaxaca; y cerámica de Mata Ortiz, en Chihuahua.
Indicó que conforme al blog especializado “Zona turística”, las 10 artesanías más vendidas en el extranjero son cerámica de Talavera, Puebla; barro negro, Oaxaca, platería de Guerrero; y cuadros y tejidos de hilo y chaquira huichol de Nayarit y Jalisco.
También, bordados de lana, Chiapas; rebozos de Santa María, San Luis Potosí; cajas de Olinalá, Guerrero; alebrijes, Ciudad de México; cestería, Yucatán y Campeche; y hierro forjado, Jalisco.
El Fonart puntualizó que “la artesanía es una expresión multifactorial, en ella se expresan valores que forman parte de nuestro patrimonio cultural”.
Entre ellos mencionó “conocimientos ancestrales que se han heredado por generaciones, manejo adecuado y sustentable del medio ambiente, diseños e iconografías que nos identifican regionalmente y que nos pertenecen y nos han hacen únicos ante el mundo”.
Por lo demás, continuó, esta actividad ha sido “una oportunidad de empleo y desarrollo de grupos que viven en condiciones de rezago social y es un aporte significativo a la economía del país”. Por todo lo anterior es importante que reciban apoyo público.
El respaldo que deben recibir también consiste en capacitación para la mejora de sus procesos productivos como en la mejora de sus diseños, con el fin de obtener mejores logros en el mercado nacional e internacional.
Sin embargo, sí “todos requieren de la protección a sus creaciones artesanales para evitar la piratería, de normas legales que los reconozcan como sector económico para que entonces se valore la real aportación que la artesanía realiza a la economía nacional.

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