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Tony Scott, talento agobiado y absoluto

Nacido en Tynemouth, Ingleterra el 21 de junio de 1944, Anthony David Leighton Scott fue el más pequeño de tres hijos. Su amor al cine se despertaría por su tío Dixon quien tenía salas cinematográficas.

Al igual que su hermano mayor, Ridley, estudió en el West Hartlepool College of Art y se graduó de la Sunderland Art School con una licenciatura en bellas artes.

A los 16 años hizo su debut actoral en un corto dirigido por su hermana de nombre Boy and Bicycle. En 1969, él haría su primer intento como director en un cortometraje titulado One of the missing, donde también contó con su hermano Ridley como actor.

Empezó a trabajar junto con su hermano, Tony siempre tuvo la intención de dedicarse a hacer documentales pero en lo que esos llegaban se dedicó a hacer comerciales y el dinero comenzó a llegar, cosa que no le desagradaba.

Al final terminío dirigiendo y produciendo muchos filmes de todos los estilos. The Hunger, Top Gun, Beverly Hills Cop II, Revenge, Days of Thunder, The Last Boy Scout, Man on Fire, The Taking of Phelham 123, Unstoppable, entre muchos otros.

A lo largo de su Carrera también realizó comerciales, videos musicales y series de televisión.

Desafortunadamente el 19 de agosto de 2021, alrededor de las 12:30 horas decidió saltar del puente Vincent Thomas Bridge en el distrito de San Pedro en Los Ángeles, California.

Investigadores de la policía encontraron información de contacto escrita en una nota en su auto. El director también había dejado previamente en su oficina una nota dirigida a su familia.

Un testigo mencionó que no dudó en ningún momento al brincar. Salió del coche y brincó.

La autopsia revelaría niveles terapéuticos del antidepresivo Mirtazapine y un auxiliar para el sueño llamado Eszopiclone. Además se anunció que no padecía cáncer, cosa que llamaría la atención pues se había dicho años previos que el director luchaba una batalla muy fuerte contra esa enfermedad.

Sea como sea, su paso por la pantalla grande no fue en vano, deja un legadpo de filmes taquilleros y el gozo de haber marcado su propio estilo… muy diferente al de su hermano.

El día de su muerte actores de la talla de Tom Cruise, Christian Slater, Val Kilmer, Eddie Murphy, Denzel Washington, Gene Hackman, Elijah Wood, Dane Cook, Dwayne Johnson, Stephen Fry, Peter Fonda y Keira Knighley expresaron su dolor ante la inesperada muerte.

Tony Scott se casó en tres ocasiones y tuvo dos hijos

El gran camaleón Boy George

Nacido el 14 de junio de 1961, George Alan O’Down fue de los primeros artistas internacionales en mostrarse con un look andrógino y que logró la aceptación a nivel mundial.

Boy George es, sin temor a equivocarme, de los artistas más auténticos en la historia musical.

Su carrera no solamente ha abarcado la música, también ha sido pieza clave en el mundo de la moda, la fotografía, la literatura y del teatro.

Su fama mundial la obtuvo como líder de la banda Culture Club con quienes grabó cuatro discos: Kissing to Be Clever, Colour by Numbers, Wanking Up With The House On Fire y From Luxury To Heartache.

Culture Club logró éxitos internacionales como Do you really want to hurt me?, I’ll tumble 4 ya, Time, Miss me blind y, por supuesto, Karma Chameleon.

Desafortunadamente el abuso de cocaína y heroína haría que el grupo se desintegrara en 1987. Este incidente no detendría a Boy George y ese mismo año lanzaría el primero de 15 álbumes como solista; también como DJ presentaría siete discos.

Ha editado cuatro libros y también ha producido un musical para Broadway bajo el título de Taboo.

Se estima que sus ventas musicales superan los 150 millones de copias, lo cual no es nada despreciable.

Boy George siempre fue abiertamente bisexual, su imagen resultaría escandalosa en la década de los ochenta pero sería con tal orgullo que la presentaría que ninguna ocasión recibió críticas, al contrario, llamaba la atención su desenfado en hablar abiertamente de lo que le gustaba y de sus preferencias.

Sin embargo, con el paso del tiempo sus respuestas sobre su sexualidad darían paso a la palabra gay, dejando atrás la bisexualidad.

Su abuso a la heroína llegó a las primeras planas mundiales cuando su hermano hablara en un programa de televisión de su preocupación por la adicción de Boy George. El cantante debió también enfrentar la muerte de tres amigos cercanos por abuso de sustancias, una de ellas incluso en su propia casa. Así fue como decidió buscar ayuda y dejar las drogas.

Recientemente, Boy George sigue vigente como coach en las emisiones de The Voice en el Reino Unido y en Australia.

Este año presentó el álbum Cool Karaoke, Vol. 1 con el que pretende seguir presente en el mundo de la música.

Clint Eastwood es eterno

Una de mis películas favoritas es Los Puentes de Madison, una historia que te lleva al pasado de los padres para descubrir historias de amor prohibidas y decisiones que se tuvieron que afrontar por años.

Protagonizan Clint Eastwood y Meryl Streep , además de que Eastwood también dirige. La cinta está plagada de detalles, de suspenso, de romance y de escenas icónicas.

El 31 de mayo de 1930 nació este actor y director que se ha convertido en un gran clásico del cine internacional. Nació en San Francisco, California y a lo largo de sus 91 años se ha casado en dos ocasiones y ha tenido 7 hijos.

Un inicio prácticamente fortuito en un programa de televisión le regalaría la oportunidad de debut como actor, donde ha interpretado personajes emblemáticos como Harry El Sucio, Jed Cooper, Joe Kidd y Harry Calahan.

Su primera experiencia detrás de la cámara fue en 1971 en la cinta Play Misty for Me, en la mayoría de los casos también ha protagonizado sus filmes.

Ha ganado el Óscar en cuatro ocasiones y ha estado nominado un total de 12 veces, en dos de ellas ha estado nominado como mejor director y actor por la misma película.

Ha obtenido también en cuatro ocasiones el Globo de Oro, tres premios César y un premio honorario del American Film Institute.

Y lo mejor del caso es que a sus 91 años de edad sigue vigente, sigue trabajando y en perfecto estado de salud.

Sus películas más recientes lo muestran con igualdad de creatividad y el mismo ojo que ha tenido desde su primer trabajo.

Ojalá podamos seguir disfrutando de su impecable trabajo en la pantalla grande y que nos siga haciendo el día con sus maravillosas interpretaciones.

Carol Burnett disfrutando el retiro

El 26 de abril de 1933 nació en San Antonio, Texas Carol Creighton Burnett.

La gran Carol Burnett celebra los 88 años pensando seriamente en el retiro definitivo. Recientemente ante una pregunta expresa comentó que gozaba de no trabajar y permanecer en casa, aunque mencionó que ante la pandemia no le quedaba de otra.

Su programa de televisión The Carol Burnett Show se transmitió en horario estelar a través de la cadena CBS de 1967 a 1978.

Yo debo confesar que en mi adolescencia vi muchos episodios con subtítulos y ya en repetición. Su humor es francamente precursor de mucho de lo que hemos visto en pantalla.

A lo largo de su carrera ha recibido cinco Globos de Oro, seis Emmys, doce People’s Choice, fue nombrada Mujer del Año por el Círculo de Críticos de Televisión de Estados Unidos, además de pertenecer al Salón de la Fama de la Televisión.

Ha estado casada en tres ocasiones, la más reciente en 2001 con Brian Miller y tiene tres hijos.

A lo largo de los 11 años de su serie televisiva recibió 23 nominaciones a los Emmy y realizó 278 episodios en total. Muy dignas de mencionar son sus imitaciones de la reina Isabel II, Bette Davis, Joan Crawford y Gloria Swanson. Memorables son parodias de Lo que el viento se llevó y Rebecca.

En la pantalla grande destacan su participación en Annie, The Four Seasons, Noises Off, Get Bruce y su participación en doblaje en Toy Story 4.

En TV también ha realizado participaciones especiales en series como Fame, Magnum, Mad About You, Touched By An Angel, Desperate Housewives, Glee, Hot in Cleveland y Hawaii Five-0.

Sea como sea, si decide retirarse ya ha logrado trascender en la historia del entretenimiento a nivel mundial. Tan es así que la Asociación de Periodistas Extranjeros de Hollywood decidió nombrar su premio especial anual a la trayectoria en televisión con su nombre, además de ser ella la primera en recibirlo.

¡Felices 88 a Carol Burnett y ojalá que sean muchos más!

¿Quién envidia a Luis Miguel?

Luis Miguel Gallego Basteri, El Sol, cumplió 51 años

Oportunamente Netflix estrena la segunda temporada de su serie, la cual estoy convencido que será un éxito.

Luis Miguel, le guste o no, ha crecido ante los ojos del público. Lo conocimos siendo un niño, nos identificamos en su adolescencia, lo admiramos en su juventud y lo respetamos en su edad adulta.

Nadie puede negar que su voz es un verdadero privilegio, lo ha sido desde su infancia. La forma en la que interpreta sus canciones y en la que hilvana las frases, no lo hace cualquiera.

Uno de sus grandes éxitos, la Incondicional, es una de las melodías más difíciles de cantar. Con graves terribles y agudos espectaculares, y Luis Miguel pega cada nota justo en donde debe de ser.

Sin embargo, su vida privada nunca lo ha sido. Su vida en los escenarios, menos.

Quienes son admiradoras o admiradores de hueso colorado también saben perfectamente sus conciertos, su vida en los escenarios y sus escasos momentos de sinceridad ante las cámaras.

¿Quién envidia a Luis Miguel? Podríamos pensar que cualquiera quisiera ser él. Pero, yo me he puesto a pensar en la dura vida que debe de tener día con día.

Si bien triunfa en los escenarios, al final del aplauso y de la ovación pocas cosas de relevancia le deben de quedar. El no poder hacer una vida normal de ir a cenar con sus mejores amigos, salir en una cita con su novia, llegar a casa a tranquilizarse y descansar.

Su vida privada debe ser igual de restringida que el acceso al backstage de sus conciertos. La vida le ha enseñado a quien dejar entrar, a quien sacar. Los golpes han sido duros y han dejado huella. Luis Miguel pareciera que a veces ha trabajado para que todos a su alrededor hagan dinero, menos él.

Sin duda, es una fecha importante. Como público seguimos disfrutando de su talento en los conciertos, pero como admiradores seguimos sintiendo un estrujo en el corazón pensando que quizá su vida no es tan fantástica como pudiéramos pensar.

Sea como sea, le deseo un feliz cumpleaños y espero que este año sea uno de verdadera felicidad en su vida.

El controvertido Herbert von Karajan

El 5 de abril de 1908 nació en Salzburgo uno de los directores de orquesta más conocidos y criticados de la historia: Herbert von Karajan.

Hasta la fecha sigue siendo de los artistas discográficos que mayores ventas ha tenido en la categoría de música clásica.

Por más de tres décadas estuvo al frente de la Orquesta Filarmónica de Berlín, y ese puesto lo llevó a ser duramente criticado durante la Segunda Guerra Mundial.

Von Karajan se inscribió al partido nazi en 1933, y aunque algunos aseguran que lo hizo para salvaguardar su bienestar y el de su familia, la verdad es que existen también versiones de que apoyó en todo momento las decisiones del movimiento alemán.

Nacido en cuna aristócrata, sus carencias fueron mínimas durante la niñez. En 1767 llega a Viena donde fundaría una empresa textil junto con uno de sus hermanos, acto que le da el título nobiliario de von, cambiando su apellido de Karajanis a von Karajan.

Después de un breve matrimonio, con la cantante Elmy Holgeloef, en 1942 se casa con Anna Maria Gütermann, hija de un potentado textilero judío, de ella se divorciaría en 1958. Posteriormente se casaría con Eliette Mouret con tuvo dos hijas: Isabel y Arabel.

Se dice que su incursión en el nazismo fue precisamente para proteger a su entonces esposa, Anna Maria, ya que era judía. Pero la historia no le ha exculpado de seguir al frente de la Orquesta durante la guerra. Muchos músicos destacados, después de la guerra, se negaron a ser dirigidos por él.

Karajan, por increíble que parezca, tuvo mucho que ver con el desarrollo del CD. Se dice que gracias a su solicitud el tiempo de 60 minutos de los primeros discos compactos fue cambiado a 74 minutos para que así cupiera en un solo disco la Sinfonía número 9 de Beethoven.

El primer disco compacto que salió a la venta fue justamente grabado por él y fue de la Sinfonía Alpina de Richard Strauss.

Su estilo de conducción ha sido alabado y también criticado, para muchos es exquisito y dulce y para otros torpe y rudo; pero para todos hay gustos. Lo cierto es que ha sido un director que, sin duda, no pasó desapercibido.

Herber von Karajan murió el 16 de julio de 1989 por un infarto de miocardio fulminante. Su legado persiste y sigue siendo estudiado.

A lo largo de su carrera obtuvo innumerables premios, entre ellos 40 nominaciones al Grammy obteniendo solamente tres.

El teatro musical de fiesta

Dos de los más grandes escritores de teatro musical a nivel internacional celebran su cumpleaños en este día.

Andrew Lloyd Webber y Stephen Sondheim hoy están celebrando sus 73 y 91 años, respectivamente.

El primero nacido en Londres en 1948 y el segundo en Nueva York en 1930, ambos convergen en haber nacido el 22 de marzo y en habernos regalado grandes producciones del teatro musical.

Andrew Lloyd Webber ha producido 16 musicales, ha ganado tres premios Tony, tres Grammy, un Óscar, un Emmy, siete premios Olivier y un Globo de Oro.

Dentro de sus obras más conocidas están: Jesucristo Súperestrella, Evita, José l soñador, Cats, El fantasma de la ópera, Sunset Boulevard, entre otras.

Ha estado casado en tres ocasiones, una de ellas con la cantante Sarah Brightman de 1982 a 1990. Actualmente su esposa es Madeleine Gurdon.

Lloyd Webber es considerado el segundo músico más rico del Reino Unidos, antecedido por Paul McCartney. Su fortuna se estima en mil millones de dóalres.

Por su parte, Stephen Sondheim ha ganado 7 premios Tony y uno especial, un premio Pulitzer y un Óscar.

Dentro de las obras que ha creado podemos mencionar: Company, Sweeney Todd, Sunday in the Park with George, Into the Woods y Passion.

Sondheim siempre ha sido muy reservado de su vida personal, a los cuarenta años de edad abiertamente habló de su sexualidad y se supo que había vivido ocho años con el escritor Peter Jones. En 2017 se casó con Jeffrey Scott Romley con quien llevaba una relación de al menos 17 años, ambos tienen dos perros.

Sin duda estilos diferentes y vidas diversas, pero ambos han hecho de los escenarios teatrales parte importante del disfrute del mundo entero. Con estilos diferentes de composición y producción, Andrew Lloyd Webber y Stephen Sondheim han logrado exaltar las emociones de muchas generaciones.

Si bien no han generado nada nuevo en los últimos años, su legado prevalecerá por muchos años más en la historia del teatro musical mundial.

Los 49 años de «El Padrino»

El 14 de marzo de 1972 en el Loew’s State Theatre se estrenaría la versión cinematográfica de la exitosa novela de Mario Puso escrita en 1969, El Padrino.

El estreno oficial en todos los cines de Estados Unidos sería el 24 de marzo, pero ya para esa fecha había causado una gran ola de comentarios que motivaban el que el público quisiera verla.

Se cuenta que Paramount Pictures adquirió los derechos de la novela por 80 mil dólares mucho antes de que el libro se convirtiera en uno de los más vendidos de ese año. Sin embargo, los estudios no encontraban al director para realizar la película.

Francis Ford Coppola atravesaba una crisis económica importante pues tenía una deuda millonaria con la Warner Brothers debido a la cinta que realizó con George Lucas THX 1138 que tuvo un presupuesto elevado por casi medio millón de dólares.

Fue el propio Lucas quien le suplicó que aceptara la propuesta, pero la relación entre Paramount y Coppola durante esta realización no iba a ser precisamente tersa. Tuvieron múltiples discusiones sobre presupuesto, días de rodaje, elenco. A pesar de todo, Francis Ford Coppola finalizaría la cinta debajo del presupuesto y a tiempo.

Marlon Brando le imprimió también un toque de estrés a la cinta, si bien estaba comprometido para hacer el personaje al 100% se dice que no llegaba a escena con las líneas aprendidas y leía todo de unos cartones que le ponían enfrente, aseguraba que eso le imprimía un toque de originalidad a su interpretación.

A pesar de que el protagónico es el propio Brando, no aparece en pantalla más de una hora. Evidentemente suficiente para ser considerado para el Óscar como mejor actor, mismo que ganó y rechazó.

La filmación de la película causó tanto interés en los medios de espectáculos que aun antes de estrenar la cinta ya se había autorizado una segunda parte, misma que tuvo igualmente aceptación entre el público e incluso se asegura que es mejor que la primera.

A final de cuentas la película que tuvo un presupuesto de poco más de 7 millones de dólares ha logrado recaudar más de 280 millones de dólares.

A 49 años de su estreno, El Padrino sigue siendo la película de gánsteres más popular y taquillera. Hasta la fecha sigue siendo una de las películas más recomendables para toda persona que se jacte de ser amante del séptimo arte.

Lupita D’Alessio celebra la vida

El pasado sábado se reunió virtualmente con sus seguidores con un concierto vía streaming desde la Arena Ciudad de México, ahí lució (como siempre) su talento y su capacidad interpretativa.

Si bien el concierto tuvo una gran carencia que es precisamente la del público que es ferviente seguidor de Lupita y que en cualquier otro evento musical de la intérprete corean de principio a fin cada una de sus melodías, ahora brillaron por su ausencia.

Tengo la firme esperanza de que en breve tendremos la oportunidad de gozar no solamente de Lupita D’Alessio sino de todos los cantante en vivo. Al menos considero que ya falta menos.

Guadalupe Contreras Ramos nació en Tijuana el 10 de marzo de 1954, y lo hizo en una familia ya involucrada en el mundo del espectáculo. Haría su debut justamente en el programa de variedades conducido por su padre: Poncho D’Alessio.

Quizá el canto no fue su primera opción de profesión, pero la vida la fue llevando por esa línea.

Su vida profesional y personal han sido tema de conversación por décadas. Pocos secretos ha habido en su vida. Y muchos menos después de haber realizado su bioserie para Televisa.

Lupita tiene algo que pocos cantantes disfrutan, y eso es el cariño incondicional de su público. Quienes han estado en las buenas, en las malas y en las peores al lado de la intérprete.

Debo confesar que el mote de la “leona dormida” nunca me ha gustado para referirme a Lupita, porque tiene todo menos estar dormida. Es una mujer aguerrida, temperamental, con la sensibilidad a flor de piel, directa, elocuente, simpática y vulnerable.

Lupita no es abierta con todo mundo, lo es cuando se siente en confianza. Es generosa con los que ama y amorosa con sus seres queridos. Ella ha llegado, vivido y permanecido en el infierno para salir y poder disfrutar del aquí y del ahora. Ella reconoce que su vida ha sido una montaña rusa llena de altas, bajas y curvas peligrosas… pero ha salido victoriosa.

Su carrera es el mejor aval. Hoy por hoy sigue siendo una de las consentidas del público y lo mismo recibe aplausos que besos y el gran respeto de sus seguidores.

Ella misma la semana pasada agradecía a Dios el poder llegar a los 67 años con la posibilidad de regalarle y regalarse un concierto a quienes la siguen. Y vaya que ha sido un gran obsequio.

La D’Alessio tiene mucha carrera por delante y eso no hace más que entusiasmarnos por verla de nuevo en vivo, espero que así sea y muy pronto.

Mientras eso sucede, estoy seguro que muchas personas se unirán a mi para desearle un feliz cumpleaños a la mejor intérprete de nuestro país.

La atribulada vida de Justin Bieber

A sus 27 años, Justin Drew Bieber ha vivido lo que muchos con el doble de edad ni siquiera pudieran imaginar.

Nacido en Canadá, Justin vio su vida cambiar gracias a la magia de las redes sociales, en específico a You Tube. Lo que inició como videos caseros del pequeño Justin cantando y mostrando su talento se convirtió en la puerta de entrada al mundo del espectáculo, de los conciertos llenos, de las fans enardecidas, de los excesos, de la ansiedad, de los vicios y de la tristeza.

Nadie puede negar el talento que Justin Bieber tiene. No se ha convertido en famoso por nada, ha tenido con qué sustentar los éxitos de ventas y los boletos agotados para sus presentaciones.

Justin Bieber con tan sólo 15 años estrenó su primer álbum bajo el título de One Time y se convirtió en un fenómeno mundial.

En 2009 llegaría el disco My World que lo convirtió en el primer artista en tener siete temas al mismo tiempo en la lista Hot 100 de la revista Billboard.

El video de la canción Baby se convirtió en el primero en superar los 300 millones de reproducciones en la plataforma que lo viera nacer profesionalmente, You Tuibe.

La popularidad lo llevó a malas amistades y a los excesos. Justin Bieber se subió a una montaña rusa de incidentes mediáticos que lo obligaron, en un momento de lucidez, a hacer un alto y tratar de recuperar no solamente su carrera sino su vida.

Hoy por hoy Justin se encuentra tranquilo y tratando de realizar una vida de bajo perfil al lado de su esposa Hailey.

Recientemente ha presentado temas que tienen mensajes de vida muy concretos y que destacan el giro religioso que le ha dado a su vida.

Si bien la pandemia ha detenido abruptamente los planes para una gira mundial que lo reencontraría con sus fans, Justin Bieber no quita el dedo del renglón de regresar a los escenarios y seguir disfrutando lo que en su momento fue un sueño y que logró convertirse en realidad y, posteriormente, en una pesadilla.

Al llegar a los 27 años, no cabe duda de que Justin Bieber lo hace con una madurez única y la cabeza muy bien puesta en su sitio. Quizá la verdadera esencia de su carrera está justamente por iniciar con la calidad del trabajo suficiente para poder permanecer y subsistir en un mundo musical tan cambiante.

La sed de fama de Andy Warhol

A lo largo de sus 58 años de vida, Warhol supo dejar huella en el mundo del arte de una manera muy peculiar. Su estilo fue alabado e insultado, hoy por hoy se reconoce como el padre del pop art y uno de los maestros vanguardistas de la mercadotecnia y el arte.

En su carrera Warhol probó el dibujo, la pintura, la serigrafía, la escultura, la música, el cine, la televisión, la moda, el performance, el teatro, la fotografía y el arte digital. En todos supo imprimir su estilo.

En su arte supo explotar los nombres de personas que eran mediáticos en ese entonces, ligar su trabajo a ellos y ellas representaba el que se hablara de sus obras en los medios de comunicación.

Una personalidad agobiada que supo cambiar su imagen y representar un personaje que llamaba la atención y generaba polémica, Warhol fue una figura icónica en las noches extravagantes de Nueva York.

Su taller de arte, conocido como The Factory, no era solamente el lugar donde producía sus obras sino también refugio de fiestas, adictos a las anfetaminas, transexuales, músicos y actores.

Claridoso en sus pensamientos, solía generar polémica con sus frases, una de mis preferidas es la siguiente: “En el momento que dejas de desear algo, lo obtienes”. Warhol supo crear enigma, polémica e intriga en su persona y en su vida.

Heredó su fortuna y pertenencias a su familia, muchos objetos y obras fueron subastados.

Warhol también iniciaría una actividad que hoy es muy popular, sin querer queriendo se convirtió en promotor de artistas. Era enlace entre artistas e intelectuales, entre pintores y aristócratas. Entre sus amistades se encontraban desde los más famosos hasta los drogadictos sin hogar de la gran manzana.

El artista aseguraba que cada uno de nosotros tenemos derecho a 15 minutos de fama, y hasta la fecha eso sigue siendo cierto, más ahora con las redes sociales que permiten que cualquier persona exprese lo que siente y pueda obtener justamente quince (a veces menos) minutos de popularidad.

Andy Warhol sigue siendo punto de referencia de la mercadotecnia y de la cultura pop y seguramente seguirá siendo marca importante dentro de la historia del arte mundial.

Los 71 años de Cenicienta

El 15 de febrero de 1950 se estrenaría en la ciudad de Boston, en Estados Unidos, el largo metraje animado número 12 de los estudios Walt Disney: Cenicienta. La película se basa en el famoso cuento popular de Charles Perrault

A pesar del tiempo que ha pasado, el personaje sigue siendo uno de los consentidos de chicos y grandes. Cenicienta logró colocarse como la historia de amor a la que toda persona aspiraría.

La cinta tardó prácticamente seis años en realizarse, los estudios de Walt Disney tenían una deuda de cuatro millones de dólares y estaban al borde de la bancarrota. Si esta película hubiera sido un fracaso en taquilla, la carrera de Disney seguramente hubiera finalizado.

Afortunadamente el éxito logró abrazar la proyección y se convirtió en una de las más queridas por el público.

Los personajes, hasta la fecha siguen siendo muy apreciados. Desde la malvada madrastra y hermanastras hasta los tiernos ratones Jack y Gus.

En la desesperación de Walt Disney por sacar una nueva película puso a competir a dos equipos de animadores para ver quien entregaba en el menor tiempo posible la película. Unos se dedicaron a cenicienta y otros a Alicia en el país de las maravillas.

Cenicienta quedó terminada primero y en 1951 se estrenaría Alicia, con una buena recepción también en taquilla. Le seguirían Peter Pan, La dama y el vagabundo, La bella durmiente, 101 dálmatas, La espada en la piedra y El libro en la selva; todas ellas con un trabajo impecable de animación que lograría sentar el éxito de los estudios Disney.

Cenicienta en su versión en español contó con la voz de la actriz Evangelina Elizondo. Para poder encontrar la voz ideal la XEW realizó un concurso. Desafortunadamente la cinta tuvo que ser redoblada ya que la actriz demandó a Disney exigiendo derechos de regalías. La nueva voz sería la de Natalia Sosa.

Cenicienta le valió a Disney varios reconocimientos. Estuvo nominada a tres premios Óscar, le brindaron un premio especial en el Festival Internacional de Cine de Venecia, Obtuvo el oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín y fue la tercer cinta que más dinero recaudó en taquilla en 1950, después de las Minas del Rey Salomón y All about Eve.

Hoy en día, Cenicienta sigue siendo una de las princesas de Disney más solicitada por la pequeñitas y una de las más queridas. Seguramente lo seguirá siendo conforme sigan pasando las décadas.

Dicho sea de paso, se sabe que la escena donde el vestido de Cenicenta cambia de harapos a su traje de gala era el momento favorito de Walt Disney de todas sus películas, lo consideraba un momento de animación perfecto.

¿El cine sin John Williams?

John Williams cumplió 89 años y, afortunadamente, sigue en plenitud de facultades y creando música para las películas.

Él es compositor, director, pianista y trombonista nacido en Floral Park, Nueva York. Después de Walt Disney es la persona que más nominaciones al Oscar tiene, un total de 52. Ha obtenido la estatuilla dorada en cinco ocasiones.

Ha ganado cuatro Globos de Oro, siete premios BAFTA y 23 premios Grammy. El American Film Institute ha seleccionado el tema de Star Wars como la obra musical más importante del cine estadounidense.

Y es que todos conocemos su trabajo, la emblemática música de Star Wars, Harry Potter, Tiburón, ET, Superman, Indiana Jones, parque Jurásico y La lista de Schindler, entre muchas otras cintas que han sido vestidas y arropadas por su talento.

Es el compositor de cabecera de varios directores, como es el caso de Steven Spielberg con quien ha trabajado en casi todos sus proyectos (solamente no lo hizo en tres).

Justamente el año pasado fue condecorado con el Premio Princesa de Asturias de las Artes que compartió con el hoy occiso Ennio Morricone.

John Williams reconoce que tiene fuertes influencias de Richard Wagner, Max Steiner y Erich Wolfgang Korngold.

Ese ha casado en dos ocasiones y tiene 3 hijos: Joseph, Mark Towner y Jennifer. A lo largo de su vida ha sabido dedicarle su tiempo justo al trabajo y a la familia.

En estos tiempos en los que hemos tenido que estar en casa y quizá viendo más cintas y series siempre es positivo e interesante saber que no solamente es importante saber el nombre de los actores y productores sino también de quienes hacen que cada una de las escenas tengan el toque musical perfecto.

Felicidades por su cumpleaños al artista, al compositor y al músico y deseamos que siga igual o más prolífico en su trabajo que nos envuelve en cada una de las notas que nos regala.

La ambigüedad de Harry Styles

Harry Styles cumplió el 1 de febrero 27años y ha logrado establecerse como una de las principales figuras del ambiente musical mundial. Cuando tenía 7 años sus padres (Des Styles y Anne Cox) se divorciaron y él se volvió muy apegado a su madre y a su hermana mayor, Gemma.

Inició su carrera en 2010 como integrante de One Direction. Su inclusión en este grupo le permitiría destacar desde una temprana edad. Aunque es necesario mencionar que anteriormente él ya había formado una banda que se llamaba White Skimo. En ese entonces confesó que tiene dos grandes miedos, a las montañas rusas y a las serpientes.

Al finalizar su participación en One Direction, de inmediato probó suerte como solista. Su primer álbum en solitario salió a la venta en 2017, el segundo álbum llegaría en 2019.

En la actuación ha incursionado en la cinta Dunkirk bajo la dirección de Christopher Nolan y causó una muy buena impresión, aunque no hay ningún proyecto cercano se ha mencionado su nombre en diferentes proyectos fílmicos de relevancia.

Harry Styles ha confesado que su gusto por la música surge desde la niñez y que siempre ha disfrutó escuchando a The Beatles, Coldplay y Elvis Presley.

¿Y a qué me refiero cuando menciono su ambigüedad? Básicamente a que él siempre ha sorprendido con un estilo de vestir que a veces incluye vestidos o faldas, además de que incluso a jugado con la idea de sostener algún romance con un hombre. A pesar de que ha tenido varias novias y que también se le considera mujeriego.

Su carrera ha estado repleta de chismes y encuentros con los paparazzi, quienes son particularmente atentos con él ya que siempre conversa con ellos e incluso les regala comida.

Harry ha confesado que tiene un total de 43 tatuajes en su cuerpo y aunque no ha mencionado que quiera más, es probable que siga usando su cuerpo para marcar etapas importantes de su vida.

Para quienes han seguido su carrera no será una sorpresa saber que muchos críticos lo han señalado como uno de los principales jóvenes que destacarán en la música en los próximos años y siempre sorprende con su selección musical y estilo propio en sus interpretaciones.

Habrá que seguirle el paso porque seguramente nos tiene varias sorpresas en el ámbito musical y también en la actuación.

72 años de Emmys

El 25 de enero de 1949 en Los Ángeles, California se realiza en las instalaciones del Hollywood Athletic Club la primera entrega del premio Emmy

En ese entonces solamente se consideraron programas realizados en Los Ángeles y que se transmitieron en esa misma zona. En 1950 ya se considerarían los programas a nivel nacional.

El origen de esta entrega de premios fue realmente para darle vista a la Academia de las Artes y las Ciencias de la Televisión.

Sería en 1970 cuando se crearía una versión de los premios para la televisión matutina y se creó una división en los programas de televisión por horarios.

Normalmente se realizan, hoy en día, en el mes de septiembre que es cuando inician las temporadas televisivas. La transmisión va migrando de canal en canal en las diferentes cadenas televisivas de Estados Unidos: ABC, CBS, NBC y Fox.

Hoy en día, los Premios Emmy están regulados por tres diferentes instituciones: la Academia de Artes y Ciencias de la Televisión, quien honra a la televisión en horario primetime, no incluyendo deportes (entre 6 PM y 2 AM); la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Televisión, la cual reconoce la programación deportiva, documental y noticiera en horarios matutinos y vespertinos (daytime) y a la Academia Internacional de Artes y Ciencias de la Televisión, quien distingue a la programación original fuera de Estados Unidos.

El propio nombre, Emmy, viene de “Immy”, como se solía conocer entre los profesionales de la televisión a una parte común de las primeras cámaras de televisión.

El premio se diseñó para que representara el arte con la figura de una mujer, y las ciencias con la presencia de un átomo. Pesa poco más de 2 kilogramos y mide 40.64 centímetros. De su fabricación se encarga la misma compañía que cada año fabrica las estatuillas de los Oscar. Fue diseñada por el ingeniero Louis McManus y la modelo fue su propia esposa.

A lo largo de su historia las series que mayor número de galardones han recibido son: Saturday Night Live con 44 ganados y 199 nominaciones; Frasier con 37 ganados y 108 nominaciones; Game of Thrones con 35 ganados y 108 nominaciones; The Simpsons con 32 ganados y 85 nominaciones; The Mary Tyler Moore Show con 29 ganados y 67 nominaciones.

Lo interesante de esta entrega de premios es que, a diferencia de lo que se hace en México, en Estados Unidos el que los premios sean organizados por una Academia brindan la posibilidad de que los nominados sean considerados de todas las cadenas televisivas y canales de streaming.

Los 99 años de Betty White

El 17 de enero de 1922 nació en Oak Park, Illinois la actriz Betty White. Justo ayer celebró su cumpleaños número 99 y, gozosamente, podemos decir que se encuentra muy bien de salud y deseosa de que termine la pandemia para seguir trabajando.

Sin duda, uno de los personajes clave en la carrera de Betty White es el de Rose en la popular serie The Golden Girls que se transmitió de 1985 a 1992 por la cadena NBC. Ahí compartió créditos con las actrices. Bea Arthur, Rue McClanahan y Estelle Getty; todas ellas ya fallecidas.

Lo interesante es que previo a esta serie ella ya había conquistado el gusto del público con personajes similares de mujeres inocentes pero a la vez con mucha picardía.

Para quienes somos amantes de la televisión de antaño, es un grato recuerdo el papel de Sue Ann en The Mary Tyler Moore Show; o los múltiples personajes que realizó con Carol Burnett en su programa.

White también ha incursionado en el mundo de la literatura, tiene 7 libros publicados. Justamente una de las grabaciones de su libro If You Ask Me (And Of Course You Won’t) le valió un Grammy.

Betty White ha recibido 2 nominaciones a los Emmys matutinos, 4 nominaciones al Globo de Oro, 21 nominaciones a los Emmys y 5 nominaciones a los premios SAG.

A lo largo de sus 80 años en la actuación mantiene el récord de ser la actriz activa más longeva en la industria televisiva. Ella es una leyenda viviente y también una de las primeras mujeres en producir sus propios programas de comedia. En 1955 su trabajo multidisciplinario le valió que se le empezara a conocer como la Alcaldesa de Hollywood.

Hasta la fecha confiesa ser una adicta a los programas de concurso y en múltiples ocasiones ha sido invitada a Password, Match Game, Hollywood Squares y The 25,000 Pyramid; donde invariablemente es de las consentidas de los concursantes y del público.

Ha participado en series dramáticas como Boston Legal, Diagnosis: Murder, L.A.Doctors, Ally McBeal y Providence.

En 2010 a través de las redes sociales se desató una campaña para que fuera conductora de Saturday Night Live, ella misma no podía creer que tanta gente deseara verla en ese programa y el 8 de mayo de ese año se convirtió en la anfitriona de mayor edad que haya tenido la emisión.

Betty White es hoy por hoy una leyenda viviente y esperemos que podamos seguir contando con su presencia y viendo su impecable trabajo.

¿Recuerdan a Alfonso Arau?

Nacido el 11 de enero de 1932, es decir que hoy cumple 89 años de edad, Arau ha destacado como director, músico, cantante, actor y guionista por muchos años.

La Ciudad de México fue su hogar y desde muy pequeño mostró inclinaciones por el arte y la farándula, a pesar de ello decidió estudiar medicina en la Universidad Nacional Autónoma de México, estudios que quedaron truncos por integrarse a la policía de la capital.

Su primer contacto con el medio artístico fue con el actor Sergio Corona con quien formó una mancuerna de actuación y baile. Juntos actuaron por casi una década. Al separarse, Alfonso Arau viajó a Cuba donde se dedicó al teatro musical.

Regresaría a la UNAM pero ahora estudiar Filosofía y Letras. Sería en 1960 cuando realizaría su primer cortometraje, se titulaba Alfredo va a la playa.

Pocos saben que vivió un tiempo en Paris y llegó a tomar clases de pantomima con Marcel Marceau. En la ciudad luz formaría una alianza con Alejandro Jodorowsky, tendría como fruto la puesta en escena Locuras felices.

Las circunstancias lo llevarían al mundo de la música formando el grupo Los Tepetatles, que era una parodia de The Beatles. Por interesante que parezca quienes formaban el grupo junto con Arau eran Carlos Monsiváis, José Luis Cuevas y Vicente Rojo.

Su participación en diferentes películas reforzó su interés por el cine no solamente frente a las cámaras sino también detrás. En 1979 dirigiría su primer largo metraje titulado Mojado power con Blanca Guerra. Desde ese entones los temas de migrantes daban mucho de qué hablar. La cinta se convertiría en un éxito de taquilla

Sería en 1992 cuando se estrenaría la película Como agua para chocolate basada en el libro escrito por su entonces esposa Laura Esquivel. La cinta tendría un éxito internacional tan grande que le abriría las puertas para hacer cine en Hollywood.

En 1995 dirigiría Un paseo por las nubes con Keanu Reeves y Aitana Sánchez-Gijón. La cinta le brindaría un Globo de Oro a Maurice Jarre por la música.

Recientemente lo escuchamos en la cinta Coco donde realizó el doblaje de uno de los personajes, pero realmente poco hemos visto de trabajos nuevos de Arau.

Hoy que se acerca a los 90 años le dedicamos estas líneas a su trabajo siempre bien realizado y profesional y que ha sido precedente de mucho de lo que se ha logrado del cine mexicano en el mundo.

Yuri cumple 57 años

Sin duda una de las mejores intérpretes de nuestro país es Yuri. Esta semana la cantante nacida en Veracruz llega a los 57 años de edad.

El 6 de enero de 1964, para ser exactos, la hija de Carlos Humberto Valenzuela y Dulce Canseco llegaría a este mundo y desde muy pequeña mostraría su talento para el canto.

Formaría parte de una agrupación llamada La Manzana Eléctrica creada por su propia madre, quien desde ese momento fungió como su representante.

En 1979 participó en la película Milagro en el circo al lado de Ricardo González ‘Cepillín’ y también en el Festival OTI, aunque en ese año sería descalificada ya que su canción fue considerada un plagio de una melodía de Donna Summer.

Pocos saben que ella realizó una participación en la telenovela Colorina al lado de Lucía Méndez y en Verónica protagonizada por Christian Bach. Su gusto por la actuación la llevaría a protagonizar también cintas como Soy libre y la telenovela Volver a empezar.

Yuri logró su primer éxito en radio con el tema Esperanzas, después vendría Maldita Primavera y a lo largo de su carrera ha logrado mantener no sólo los primeros lugares sino la vigencia necesaria para trascender por décadas.

Actualmente Yuri es de las pocas cantante mexicanas que hace verdaderas inversiones en sus espectáculos para poder brindarle al público algo que va más allá de una interpretación en vivo. Vestuario, coreografías, videos, luces… Yuri no escatima un centavo para poder llevar lo mejor a su público.

En televisión también la hemos visto como jurado en diferentes programas donde siempre imprime su toque pícaro y simpático que le ha valido el gusto del público a nivel internacional.

Yuri causó un gran escándalo en su momento al casarse con Fernando Iriarte a escondidas de su madre. La unión duraría poco tiempo, pero es histórica su huida después de una entrega de premios TV y Novelas.

En 1995 se casó con Rodrigo Espinoza y hasta la fecha han logrado una unión que va más allá del amor sino también en el trabajo. Son una mancuerna muy bien engranada que ha tenido muy buenos resultados.

Esta semana que Yuri llega a los 57 años a través de estas líneas la recordamos como una de las cantante mexicanas de mayor presencia en Latinoamérica y una de las voces más privilegiadas a lo largo y ancho del continente.

La magia de Siempre en Domingo

El 14 de diciembre de 1969 se transmitió por primera vez el programa Siempre en Domingo, conducido por Raúl Velasco. Este serial inició en el Canal 4 y pocos imaginarían que llegaría a ser una de las emisiones más destacadas de la televisión mexicana.

A lo largo de 28 años, Siempre en Domingo impulsaría la carrera de muchos cantantes nacionales e internacionales. Todo aquel que tuviera un álbum debía presentarse en el programa para impulsar ventas y era la mejor forma de promover sus canciones.

Las casas disqueras se peleaban los espacios estelares para sus artistas. Siempre en Domingo llegó a tener hasta seis horas de duración, comenzando a las 4 de la tarde y terminando a las 10 de la noche.

Tal sería su aceptación que del Canal 4 pasaría al Canal 2 y transmitiría en vivo desde las instalaciones de Televisa Chapultepec. Si algo nunca le faltó a la emisión fue público en vivo, las filas eran interminables para poder ingresar y verlo en vivo.

Después del terremoto de 1986 el programa empezaría a transmitirse desde las instalaciones de Televisa San Ángel, primero de manera grabada y después en vivo y en directo. La cantidad de público en vivo disminuiría considerablemente.

Siempre en Domingo llegaría a transmitirse en vivo a todo el continente americano y a Europa. Tendría una audiencia de 350 millones de espectadores.

¿En qué consistía el programa? Pues básicamente en presentar cantantes quienes interpretaban entre dos y cuatro canciones según su importancia. Y es que abarcaba todos los géneros musicales: Pop, ranchero, tropical, grupero, banda, infantil.

Se dice que al final de programa se lograron 10,500 horas de transmisión contando con visitas casi todos los países del continente.

El equipo de producción de Raúl Velasco logró también generar otras producciones como el Festival OTI, Juguemos a cantar, Valores Juveniles, Galardón a los grandes, Estrellas de los 80s, Festival Acapulco y Los 10 grandes de Siempre en Domingo.

El poder que llegaría a tener esta producción sería tal que prácticamente podrían hacer y deshacer las carreras de cualquier cantante o artista.

La gran pregunta es si hoy en día una fórmula similar tendría el mismo éxito, la respuesta es no. Hoy en día la TV ha perdido la posibilidad de crear artistas de la misma manera que lo hacía antes. Hoy las redes sociales definen y crean la tendencia a nivel mundial.

Sea como sea en su momento el fenómeno que logró crear sigue siendo digno de análisis para cualquiera que desee saber el arrastre que puede tener un programa televisivo.

85 años de Armando Manzanero

Fue en Mérida, Yucatán el 7 de diciembre de 1935 cuando nació uno de los más grandes compositores de nuestro país, Armando Manzanero Canché.

El maestro Manzanero ha cantado, ha actuado, ha producido pero sobretodo ha compuesto melodías que forman parte de la banda sonora de la vida de muchas personas en todo el mundo.

Se dice que su repertorio incluye más de 400 canciones y más de 50 han sido traducidas a otros idiomas.

El propio maestro manzanero ha contado que la música fue parte de su vida desde la niñez ya que empezó a tomar clases desde los ocho años. Su padre era músico y fundador de una orquesta típica en su natal Mérida.

Cuenta que fue en 1950 cuando escribió su primera canción y el resto sería historia. A la fecha son pocos los cantantes que no han interpretado una melodía del maestro Manzanero.

Debo confesar que una de mis canciones favoritas de las muchas que ha escrito es No, interpretada en 1966 por Carlos Lico y con la que destacó en las listas de popularidad en ese entonces.

Desde 1993 la revista Billboard lo consideró merecedor del Premio a la Excelencia por su trayectoria artística.

Como productor destacan muchos trabajos, pero su mancuerna con Luis Miguel logró consolidarlo también en el gusto del público más joven.

En el ámbito de la actuación ha hecho participaciones especiales en dos telenovelas: Yo soy Betty, la fea y en Quiero Amarte. En el cine ha tenido actuaciones más importantes en Corazón contento o Cándido de día, Pérez de noche.

Curioso pero a lo largo de su trayectoria no ha grabado muchos discos, son solamente 12 álbumes, uno de ellos con éxitos. Sin embargo su nombre aparece en innumerables discos de otros cantantes.

Hoy llega a los 85 años de edad y afortunadamente lo hace gozando de mucha salud, por lo que esperamos que pueda seguir componiendo por muchos años más y regalando su talento al mundo entero.

Gael García Bernal, entre los mejores

Un 30 de noviembre pero de 1978 nació Gael García Bernal, y justamente la semana pasada recibía uno de los honores más destacados de su carrera al ser considerado dentro de la lista de los 25 mejores actores del siglo XXI de acuerdo con The New York Times.

Los críticos destacaron su trabajo en cintas como “Y tu mamá también”, “Amores Perros”, “No” y “La mala educación”

Sin duda, podemos decir que Gael es uno de los actores mexicanos más destacados de los últimos tiempos.

Y aunque muchos criticaron que apareciera en el número 25 de la lista, debemos decir que es un honor que sea el único mexicano incluido en esta lista y junto a Sônia María Campos Braga, nacida en Brasil y Óscar Isaac, nacido en Guatemala, completa el triplete latinoamericano.

Fue la periodista Manohla Dargis quien escribió una pieza clave para que Gael García se colara hasta la cima del éxito internacional, fue grabar un par de películas con Alfonso Cuarón (Y tu mamá también) y Alejandro González Iñárritu (Amores Perros), pues demostró ser poseedor de un don actoral. “Era magnético en pantalla y tenía un rostro que no podías dejar de ver. Fusionaba con sutileza la belleza femenina y masculina.”, describió.

Entre otros de los papeles que destacó Dargis para su reseña, están el Che Guevara en “Diarios de Motocicleta” de Walter Salles, así como Zahara en “La mala educación” de Pedro Almodóvar, del que dijo “le dio más profundidad a su imagen pública con una mancha de labial y una frialdad psicológica que causó un nuevo revuelo”.

Por su parte, el crítico A. O. Scott destacó su participación en la película chilena “No” de Pablo Larraín, donde interpreta a René Saavedra, misma que fue nominada a un Oscar como mejor película extranjera en 2013.

En ella, Scott asegura que podemos ver a un Gael García que “tiene onda, pero no es intimidante; es apuesto pero accesible; es gracioso, pero sin llegar a ser odioso; es seguro de sí mismo, pero no es fanfarrón”.

Junto a Gael García también aparecen Denzel Washington, Isabelle Hupper, Daniel Day-Lewis, Keanu Reeves, Nicole Kidman, Song Kang Ho, Toni Servillo, Zhao Tao, Viola Davis, Saoirse Ronan, Julianne Moore, Joaquin Phoenix, Tilda Swinton, Oscar Isaac, Michael B. Jordan, Kim Min-hee, Alfre Woodard, Willem Dafoe, Wes Studi, Rob Morgan, Catherine Deneuve, Melissa McCarthy, Mahershala Ali y Sônia Braga.

¡Felicidades a Gael García Bernal por esta consideración y por su cumpleaños 42!

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